Archives de catégorie : Actualités des collections

Expositions du Centre Pompidou : à découvrir en ligne

A quelques mois de 2017 qui verra un grand programme d’expositions proposées dans 40 lieux différents pour célébrer comme il se doit les 40 ans du Centre Pompidou, la Bibliothèque Kandinsky met en ligne un outil essentiel pour tous ceux qui s’intéressent aux expositions de ces quatre décennies.

Le catalogue raisonné des expositions était déjà accessible ici mais le voilà désormais complété des sources disponibles au Centre Pompidou pour chacune des expositions de 1977 à 2015 inclus, archives et liens vers des ressources numériques.

Cet important travail de recensement a été possible grâce aux contributions d’environ 70 archivistes, étudiants et chercheurs associés au programme de recherche Histoire des expositions (2012-2015), soutenu par les Labex Arts H2H et CAP.

Qu’il s’agisse du signalement des sources effectué pour toutes les expositions ou de fiches plus détaillées dédiées à certaines expositions, le choix du mode contributif a permis la production de milliers de références permettant au chercheur de disposer immédiatement d’un état des archives conservées à la Bibliothèque Kandinsky et aux Archives du Centre Pompidou. Que tous nos contributeurs soient ici remerciés.

Un second outil indispensable et prochainement disponible en ligne est l’instrument de recherche consacré à la documentation photographique des expositions temporaires. A suivre donc…

El Lissitzky, catalogue du pavillon soviétique à l’Internationale Presse Austellung « Pressa », Cologne, 1928

IMG_0182IMG_0190

 

A partir de 1926 l’artiste russe d’origine juive El Lissitzky se consacre à la conception d’expositions. C’est ce qu’il considère dans son autobiographie comme la partie la plus importante de son travail. Il réalise d’abord deux espaces novateurs, très aboutis, pour montrer l’art abstrait : l’Espace pour l’art constructif à l’Exposition internationale de Dresde en 1926 et le Cabinet des Abstraits au musée de Hanovre en 1927.

Les tableaux de formes géométriques y sont agencés dans une relation dynamique les uns par rapport aux autres, un jeu optique anime les cimaises, un système de panneaux mobiles offre au visiteur de découvrir lui-même certains tableaux, autant de dispositifs qui constituent une adaptation réussie des principes du suprématisme à l’espace d’exposition.

Toujours en 1927 il reçoit commande du gouvernement soviétique pour la grande Exposition polygraphique de Moscou, puis, fort de son succès, se voit confier en 1928 la réalisation du pavillon soviétique de l’Exposition internationale de la presse à Cologne « Pressa ».

Le thème de cette exposition demande autre chose qu’un écrin raffiné. Il s’agit pour Lissitzky de promouvoir de façon explicite le projet révolutionnaire soviétique. Pour cela, il use de toutes les ressources des arts appliqués : photographies, photomontages, design, design graphique. Photographie et photomontage occupent une place privilégiée. Associés aux mots et aux slogans, aux cartes et aux graphiques, ils deviennent les éléments caractéristiques des participations soviétiques aux expositions internationales des quatre années suivantes organisées en Allemagne, orchestrées par Lissitzky. Le photomontage devient une forme de discours, appelé « factographie », conçu à partir de « faits » saisis dans la réalité, associés, montés, articulés.

IMG_0260

Au cœur du pavillon se trouve une étoile en trois dimensions, surmontée d’un grand disque portant le slogan soviétique : Prolétaires de tous les pays, unissez-vous ! en allemand : « Proletarier aller Länder Vereingt euch », auquel sont suspendues les six sphères des six républiques soviétiques. Des banderoles défilent du sol au plafond par un système de cylindres animés, inspirés des presses rotatives. Lissitzky reprend en volume les figures de Malévitch qu’il couvre de textes et de photos. Et surtout, il réalise une frise de photomontages de 24 m de long sur 3,5 m de large dans un format « plus grand que nature ».

IMG_0247

IMG_0245

Le catalogue de l’exposition comporte aussi un long dépliant de photomontages qui montre les vues de l’exposition, légendées et commentées. On y lit que : « le journal n’a pas pour seule vocation d’être un agitateur, mais qu’il organise la collectivité », que « dans la période de transition du capitalisme au communisme, la tâche principale de la presse est d’éduquer les masses », et que « la presse organise le contrôle des masses par l’intermédiaire des soviets ». Le message est clair, c’est un message de propagande, mais il est porté par la force suggestive inédite du photomontage. Quatre lignes de texte, fussent-elles en lettres capitales et rouges, sont plus efficaces une fois placées devant la figure de Lénine, hissé sur une tribune, en position de harangue.

Il existe des exemples de photomontage et d’association entre texte et photographie antérieurs à 1928. Chez Rodtchenko, Stepanova, Gan, ils remontent à 1923, 1924, 1925, mais Lissitzky donne à ces techniques une ampleur nouvelle. Par son nombre, par sa taille, la photographie occupe une grande partie de l’espace d’exposition. De même que dans le recueil de poème, Lissitzky agrandit la lettre aux dimensions de la page, il augmente la taille et la présence de la photographie dans l’espace d’exposition. Dans ce qui semble être un tournant, cet emploi accru de la photographie et du photomontage apparaît de façon concomitante dans les couvertures de Novyi Lef par Rodtchenko et via le montage d’archives dans le cinéma d’Esther Choub.

La Bibliothèque Kandinsky vient d’acquérir un exemplaire de ce catalogue, qui sera visible à partir du 28 septembre 2016 au Musée national d’art moderne dans un accrochage consacré aux relations entre art et politique (traverse 4).

Cet achat vient s’ajouter aux autres œuvres d’El Lissitzky que conserve la bibliothèque Kandinsky :

– la revue Viechtch-Gengenstand-Objet, fondée en 1921 à Berlin avec Ilya Ehrenbourg  (2 livraisons) ;

– le numéro de la revue hongroise Ma [Aujourd’hui] de 1922, qui reprend en couverture le Proun n°43 ;

– le recueil de poèmes de Maïakovski, Dlia golossa [Pour la voix], 1923, dont Lissitsky a fait la mise en page et conçu la présentation par onglets ;

– Les Ismes de l’art, réalisé avec Hans Arp, 1924 ;

Khorosho ! Oktiabrskaïa poema, de Maïakovski, 1927, dont la couverture est de Lissitzky ;

Russland. Die Rekonstruktion der Architektur in der Sowietunion, publié à Vienne en 1930 ;

– et des numéros de la revue URSS en construction, 1929-42, créée par Maxime Gorki, éditée en quatre langues, à laquelle Lissitzky participe comme collaborateur permanent à partir de 1932.

Ce catalogue témoigne d’un moment particulier dans l’œuvre d’El Lissitzky, un moment de conjonction. En 1928 Lissitzky a abandonné les Prouns et la peinture de tableaux. La conception du pavillon soviétique pour l’Exposition internationale de la presse à Cologne est pour lui l’occasion de renouer avec des formes artistiques qui correspondent davantage au désir de réalisations concrètes qui l’anime depuis ses débuts. Tout son art a en effet, depuis ses études d’architecture et sa collaboration avec Malévitch à Vitebsk, pour vocation de transformer la société, tout du moins d’être intimement lié à cette transformation, art et société participant d’une même transformation. L’intérêt de Lissitzky pour la photographie, qui s’est développé tout au long des années 1920, trouve dans ce pavillon une expression nouvelle ; il y associe photographie et architecture, il adapte la photographie aux dimensions de l’architecture, il donne à la photographie un rôle accru dans l’espace public, et par un travail de photomontage, de juxtaposition, de superposition et de découpe, il accentue encore la puissance expressive de la photographie. Dans l’histoire de l’art, c’est un moment où un gouvernement fait appel à un artiste d’avant-garde pour assurer son rayonnement à l’étranger. Le pavillon soviétique de « Pressa » introduit les quelques années où la propagation de l’idéologie soviétique dans un contexte international s’appuie sur les recherches artistiques novatrices du suprématisme et du constructivisme.

IMG_0252 IMG_0253 IMG_0254 IMG_0255

Archizoom Associati : archives photographiques en ligne

Les archives photographiques du collectif sont en ligne : consultez l’inventaire.

« Archizoom », le nom du groupe qu’Andrea Branzi, fonde en 1966 avec ses camarades de promotion de l’école d’architecture de Florence Gilberti Coretti, Paolo Deganello et Massimo Morozzi -auxquels se joindront en 1968 Lucia et Dario Bardolini- témoigne de l’influence qu’Archigram exerce sur la jeune génération d’architectes au milieu des années soixante.Le groupe, qui tient sa possibilité d’existence du contexte révolutionnaire marxiste de l’Italie de Toni Negri, naît quelques jours après l’exposition Superarchitettura organisée par Andrea Branzi et Arnolfo Natalini (qui formera de son côté le Superstudio) : la superarchitecture déclare à pousser à ses extrêmes limites la « logique du système », production et consommation, démarche qui caractérisera « l’architecture radicale », terme emprunté par Archizoom aux féministes américaines et diffusé par Germano Celant.

Le collectif Archizoom Associati en 1967

Soutenu par Ettore Sottsass, Archizoom Associati produit en 1970 la théorie d’un urbanisme à la chaîne, No stop city, à la fois contre utopie critique de la ville aux ordres du Capital, réflexion sur la qualité et l’usage des ambiances obtenues dans un espace rendu monomorphe, entièrement climatisé et souterrain, et l’exploration d’un « nouveau design » à l’échelle urbaine pour une définition sensorielle de l’environnement quotidien. Toutefois, les dessins et les textes relèvent de l’utopie plus qu’ils ne visent l’objet réel -tendance commune à l’ensemble du Radical Design. Quelques idées ont néanmoins été réalisées, comme le fauteuil « Mies » qui exagère les traits du célèbre siège de Mes Van der Rohe au point de paraître inutilisable. Avec ses pompeux « Dream Beds », Archizoom caricature le kitsch des Arts déco et du Pop Art, en même temps que le Bel Design tant vénéré : le mauvais goût prend figure de programme.

Après la reconnaissance internationale du design italien à l’exposition du MoMA Italy, the New Domestic Landscape (1972), où Archizoom Associati propose une pièce vide habité par la voix d’une fillette, le groupe fonde à Florence l’éphémère coopérative d’architectes et d’artistes Global Tools (1973-1975), contre-école d’architecture et de design défendant le libre développement de la créativité individuelle. En crise depuis 1972, le groupe se dissout en 1974. Mais les idées du groupe se perpétue, sans les mêmes implications politiques, dans des mouvements Anti-Design ultérieurs : Alchimia et Memphis.

La partie du fonds conservée au Centre Pompidou comporte deux classeurs de diapositives et ektachromes (le tout est numérisé) et une boite d’archives écrites, le tout remis par André Branzi en 1999, sous le n° d’inventaire 3927.
Des archives complémentaires sont conservées aujourd’hui au Centro Studi e Archivio della Comunicazione Università degli Studi di Parma et au FRAC Centre à Orléans.

Black Mountain Review

 

full0001

La Bibliothèque Kandinsky vient d’acquérir en décembre 2015 grâce à une belle opportunité, la collection complète, soit 7 numéros de Black Mountain Review parue entre 1954 et 1957, dans un parfait état de conservation.

Black Mountain Review était la revue du Black Mountain College, Institut universitaire expérimental fondé en 1933 par John Rice et Theodore Drier au bord d’un lac à 50 km d’Ashville en Caroline du Nord. Lieu d’expériences uniques, les deux fondateurs avaient fait des arts le centre du cursus, centre d’une nouvelle pédagogie. de nombreux artistes tels que Josef Albers (quittant le Bauhaus fermé par les nazis), Willem de Kooning, Buckminster Fuller, John Cage, Merce Cunningham y enseignèrent notamment durant les sessions d’étés.

En 1951 Charles Olson prend la direction du Black Mountain College (à un moment où sa survie était clairement menacée) insufflant un nouveau tournant marqué par la poésie et la littérature. Olson lui-même fera paraître dans la 1ère livraison ses Maximus Poems. Les années Olson s’ouvrent sur un champ nouveau d’expériences artistiques audacieuses dont témoignera la Beat Generation. Charles Olson est l’instigateur de la revue, Robert Creeley en sera le rédacteur en chef, comme mentionné dès le premier numéro. La revue sera publiée 4 fois par an par le Black Mountain College à Black Mountain, North Carolina. A l’époque, Creeley qui vivait aux Baléares, où la revue fut mise en page et imprimée à faible coûts, n’a jamais rencontré Olson. Bien que ne se connaissant pas, les deux hommes entretiennent une correspondance depuis plusieurs années, leurs intérêts communs et leurs convergences amèneront  Olson à confier à Creeley la direction de la revue tout au long des sept livraisons. Olson fera bien sûr partie du comité de rédaction ainsi que de manière régulière Paul Blackburn, Irving Layton, Kenneth Rexroth, Robert Duncan et Denise Levertov, deux poètes très actifs au sein de la revue tout comme Ginsberg, Kerouac, Whalen, Burroughs, Selby qui composeront le dernier numéro, le n.7 appelé aussi le numéro « Beat ».

full0001

Lorsqu’il prend en charge la revue, Creeley a déjà une expérience pratique de l’édition, il a lui-même réalisé plusieurs ouvrages de littérature et de poésie. Il  y voit : « Un lieu que notre activité définissait et que nous construisions ensemble… Nous nous sentions tous très loin des revues conventionnelles de l’époque. Soit qu’elles étaient dominées par le new criticism avec lequel nous n’avions aucun rapport, soit qu’elles étaient si généralistes qu’on ne pouvait en tirer aucune cohérence. » Malgré des conditions matérielles et financières difficiles, le premier numéro paraît en 1954 et le dernier en 1957, quelques mois après l’abandon du campus et la fermeture du College.

La participation d’artistes expressionnistes abstraits à travers des encarts sur papier glacé apporte un souffle, une fraicheur dans chaque numéro. Parmi eux : Franz Kline, Philip Guston, Aaron Siskind, Harry Callahan, tous ont enseigné au College.

Par souci d’économie, la revue changera de format à partir du n.5, passant d’un format in-quarto à un format in-12, la pagination de départ de 64 p. passera à 224 p. environ. Les 3 derniers numéros seront de petits formats, plus condensés, à parution annuelle. Kitasono Katue, artiste de la poésie concrète et éditeur de la revue d’avant-garde Vou, dessine les couvertures des 4 premiers numéros affirmant ainsi le caractère visuel de BMR par un même motif géométrique décliné selon des teintes différentes.

A partir du n.5, les couvertures seront confiées à 3 peintres. La couverture du n.5 reproduit une oeuvre de John Altoon, celle du n.6 une oeuvre de Dan Rice (assistant de Mark Rothko), celle du n.7 une oeuvre de Edward Corbett.

Le titre disparait de la couverture des 3 derniers numéros, il ne sera visible que sur la tranche accompagné de la tomaison. Sur la 4e de couverture ne figure que le prix : 1 dollar.

Selon R. Creeley, à l’exception du 1er numéro tiré à 700 exemplaires, les autres numéros ont été imprimés à 500 exemplaires, dont à peine 200 distribués pour chaque livraison.

L’hiver est là… découvrez Flaine !

Au début des années 1960, Sylvie et Eric Boissonnas, mécènes et amateurs d’art contemporain, ont l’idée de créer une station de ski qui serait un exemple d’architecture intégrant plusieurs œuvres magistrales d’artistes contemporains. Le projet est confié à l’architecte Marcel Breuer qui va concevoir un ensemble aux antipodes du style savoyard, réalisé en béton armé brut aux formes résolument modernes. De conception innovante, les bâtiments de la station intègrent tous les services en une seule élévation : au sous-sol les parkings, au rez-de-chaussée des boutiques, restaurants et boites de nuit, dans les étages les appartements.

Eric et Sylvie Boissonnas.
Eric et Sylvie Boissonnas, Noël 1973 au centre d’art de Flaine.

Don des enfants de Sylvie et Eric Boissonnas en 2006, le fonds est composé de l’ensemble des archives retraçant la création de la station de ski, de sa conception à sa construction puis sa vie culturelle et artistique avec les dossiers des expositions présentées par Sylvie Boissonnas dans le Centre d’art et les vitrines de la galerie marchande, soit 79 dossiers réalisés entre 1970 et 1995. Les dossiers comprennent de la correspondance administrative et des lettres échangées avec les artistes, des photographies (des expositions et de la station), des affiches, des cassettes audio enregistrées lors d’entretien avec les artistes. Le dépôt d’œuvres du Musée national d’art moderne à la station fait l’objet d’une abondante documentation.

Deux œuvres sont également entrées en collection à l’occasion de ce don : la maquette de la chapelle de Flaine par Marcel Breuer et les esquisses de Hantaï pour cette même chapelle.

Consulter l’instrument de recherche.

Voir le film Flaine, porte du désert blanc, par Gérard Sire

Claude Rutault. D’où je viens, où je suis, où je vais.

En liaison avec l’exposition présentée à la galerie du Musée jusqu’au 11 janvier prochain (commissaire Michel Gauthier), la Bibliothèque Kandinsky propose de découvrir une sélection de pièces extraites du fonds d’archives de l’artiste.  Le fonds actuellement en cours de classement a fait l’objet d’un descriptif préalable par Marie-Hélène Breuil, qui a consacré sa thèse et plusieurs publications à l’artiste.

Claude Rutault : Ecriture, peinture, sociabilité, par Marie-Hélène Breuil. Presses Universitaires de Rennes, 2014.
Claude Rutault : Ecriture, peinture, sociabilité, par Marie-Hélène Breuil. Presses Universitaires de Rennes, 2014.

Comment expliciter l’œuvre d’un artiste qui lui-même alimente son travail d’une intense production écrite sans être dans la citation directe ou la paraphrase ? C’est là une difficulté pour qui s’intéresse au travail de Claude Rutault.  Le fonds d’archives remis par l’artiste à la Bibliothèque Kandinsky en 2014 montre bien le lien prégnant entre écrit et création artistique, avec des textes presque rédigés comme des « modes d’emploi » pour l’artiste, mais aussi pour les collectionneurs. Il s’agit d’un passage permanent de la théorie à la pratique, comme le montre les nombreux textes très riches qui constituent en grande partie ce fonds.

Le protocole de la « définition/méthode » est en 1973 une véritable rupture dans la conception traditionnelle de la peinture qu’il définit ainsi « une toile tendue sur châssis peinte de la même couleur que le mur sur lequel elle est accrochée. sont utilisables tous les formats standard disponibles dans le commerce qu’ils soient rectangulaires, carrés, ronds ou ovales. l’accrochage est traditionnel.

Il s’agit pour cette première définition / méthode d’accorder à l’objet pictural un statut tout à fait novateur, ou plutôt de déconstruire son statut d’origine, en harmonisant le tableau et son support d’accrochage à l’unisson dans une même couleur.

C’est cette « d/m 1 » qui ouvre les vitrines présentées aujourd’hui à la Bibliothèque Kandinsky, et la sélection de documents qui suivent vise à retracer le processus artistique de Claude Rutault à travers ses grands projets, tous régis par les d/m et la proposition d’une nouvelle politique de la peinture, une déconstruction générale des modes d’existence du tableau.

 

SPÉCIMEN aux éditions Le Feu sacré

144876_couverture-specimen

Le Centre national des arts plastiques (Cnap) et la Bibliothèque Kandinsky du Musée national d’art moderne/CCI, Centre Pompidou, vous invitent au lancement du livre Specimen, publié par les éditions Le Feu Sacré, en présence de l’artiste Ève Chabanon, des graphistes Thomas Bizzarri et Alain Rodriguez ainsi que de certains contributeurs.

Mercredi 16 décembre 2015, à partir de 18h30

Bibliothèque Kandinsky

Centre Pompidou

Niveau 3

Entrée libre sur réservation à : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Le lancement sera l’occasion d’une performance de Ève Chabanon, suivie d’une projection du film de Hedwig Houben, Personal Matters and Matters of Fact (22’). La bibliothèque mettra à la disposition du public une série de documents de référence cités dans les différentes contributions de l’ouvrage. Ces documents pourront être scannés sur place. Ramenez vos clefs USB !

Au printemps 2012, Thomas Bizzarri et Alain Rodriguez conçoivent l’identité graphique de la maison d’édition Le Feu Sacré. Pour ce faire, le duo réalise deux caractères : le Feu, un alphabet au dessin géométrique original dont l’usage se limite aux couvertures des ouvrages, et le Thermidor, employé pour les textes courants des éditions.

Suite à la parution des trois premiers ouvrages de la maison, Fabien Thévenot, directeur de publication, envisage de publier un spécimen relatif au Thermidor – c’est-à-dire une démonstration des possibilités offertes par le caractère ainsi qu’une mise en valeur des enjeux formels et techniques qui l’accompagnent. C’est alors que le studio de graphisme propose à l’artiste Ève Chabanon d’imaginer comment dépasser la vocation purement formelle d’un spécimen typographique, inversant au passage les rapports conventionnels établis entre leurs professions. Conçu à partir d’un alphabet préexistant, le Thermidor relève d’un genre de caractère habituellement désigné sous le terme de « revival ». Les enjeux de sa conception induisent des notions de temporalité, d’appropriation et d’actualisation. Devenu sujet, le Thermidor est dès lors prétexte à invitations. Différents auteurs issus des champs de l’art ou du design se prêtent ainsi à l’exercice du Spécimen, permettant au caractère de revêtir des formes diverses en fonction des domaines invoqués. Parfois, certains auteurs franchissent les frontières présupposées de leurs disciplines, permettant des détours tant théoriques, littéraires qu’artistiques.

Le Spécimen n’est donc pas à proprement parler un ouvrage spécialisé sur la typographie ou sur la question de la « reprise », mais bien plutôt un recueil de textes que le lecteur est convié à ouvrir en fonction de ses propres points de curiosité.

 

Conception éditoriale : Ève Chabanon

Conception graphique : Thomas Bizzarri & Alain Rodriguez

Le livre a bénéficié du soutien à l’édition du Cnap.

www.lefeusacre-editions.com

www.bizzarri-rodriguez.com

www.evechabanon.com

www.cnap.fr

www.centrepompidou.fr

 

 

 

 

 

Galerie Arnaud Lefebvre, Paris

Situé à l’origine au 30 rue Mazarine, dans le 6ème arrondissement de Paris, la galerie Arnaud Lefebvre est désormais située au 10 rue des Beaux-Arts. Arnaud Lefebvre ouvre cette galerie en 1986, avec une activité de courtage en art et d’achat-vente.

La galerie s’oriente d’abord sur l’art concret et l’art conceptuel. Elle expose notamment le travail de Mel Bochner et Lawrence Weiner entre 1993 et 1996. Puis sa programmation se centre sur la poésie spatiale et sonore, à partir du milieu des années 1990. Deux expositions marquent cette rencontre. La première est celle d’Erik Satie, Hollis Frampton, Reno Odlin, qui s’est tenue du 3 au 30 mai 1996 et dans laquelle a lieu la première présentation de « pages au mur » à la galerie, avec les Lettres de Hollis Frampton (A Young Man’s Book). La seconde expose des poèmes de Carl Andre (Passport et Yutacan), du 21 mars au 17 mai 1997.

La rencontre d’Arnaud Lefebvre avec Carl Andre a eu une importance Continuer la lecture de Galerie Arnaud Lefebvre, Paris

Donation Ida Gianelli

C’est dans les années 1960 qu’Ida Gianelli s’intéresse à l’art contemporain, engagent des recherches pour la réalisation du catalogue Piero Manzoni à l’occasion de l’exposition à la Tate Gallery (Londres). Elle poursuit ses recherches et collabore à l’exposition Art Pauvre Land Art Art conceptuel pour la Galerie Municipale d’Art Moderne de Turin.

A partir de 1972, elle programme de nombreuses expositions à la Samangallery à Gênes, alternant artistes américains et européens. Elle accueille ainsi Sol LeWitt, Louise Nevelson, Joseph Kosuth, Lawrence Weiner, Dan Graham, Brenda Miller (premier spectacle solo en Italie), Charles Simonds (premier spectacle solo en Italie), Jennifer Bartlett (premier spectacle solo en Europe), Matt Mullican (première en Europe), Maria Nordman (premier solo en Italie), Cindy Sherman (première en Europe), ou encore Joseph Beuys, Tony Cragg, Michele Zaza, Niele Toroni, Daniel Buren, Giulio Paolini, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Rebecca Horn (premier spectacle solo en Italie), Reiner Ruthenbeck, Hans Haacke, Marco Bagnoli, Giovanni Anselmo, Laura Grisi, Alighiero Boetti, Giorgio Pinces, Frederike Pezold (premier spectacle solo en Italie), Hanna Frenzl (premier spectacle solo en Italie), Luciano Fabro…

Castello di Rivoli, dont Ida Giannelli fut directrice de 1990 à 2008.
Castello di Rivoli, dont Ida Giannelli fut directrice de 1990 à 2008.

Continuer la lecture de Donation Ida Gianelli

Galerie Henriette, Paris

Née à Montmartre, Henriette Gomès débute son activité comme collaboratrice de Pierre Loeb, dont la galerie située alors au 2, rue des Beaux-Arts à Paris, constitue un lieu de rencontres et d’expositions essentiel pour les artistes d’avant-guerre. Henriette rencontre son futur mari, André, qui est alors journaliste et technicien de radio, en 1937 et l’épouse un an plus tard. Quelques mois après son mariage, elle quitte Pierre Loeb en très bons termes pour ouvrir sa propre galerie.

En 1938, elle ouvre la « Galerie Henriette » avenue Matignon, à Paris et inaugure son nouveau local avec une exposition de Rouault. Pendant deux années, elle y expose Cézanne, Gromaire, Brauner, Vieira da Silva, Arpad Szenes, Pierre Charbonnier, Hartung, etc. Mais la guerre met fin à son activité : en tant que juive, elle est contrainte de quitter Paris en mai 1940 – elle part à La Rochelle avec la famille de Pierre Loeb, pendant qu’André Gomès est mobilisé – et sa galerie est confisquée comme bien juif. Après s’être retrouvés à Nîmes, Henriette et André Gomès voyagent en France où ils consolident ou créent de nouvelles relations amicales avec les artistes qui fuient Paris.

Continuer la lecture de Galerie Henriette, Paris

Galerie Darthea Speyer, Paris

Américaine, née à Pittsburgh (Pennsylvanie), Darthea Speyer arrive à Paris en 1950 comme attachée culturelle à l’ambassade des Etats-Unis, après des études en histoire de l’art à l’Institute of Fine Arts de l’Université de New York. Chargée de promouvoir les collections américaines en France et responsable d’un programme d’expositions consacrées à l’art américain contemporain, sa vocation naît de ce premier emploi.

Elle ouvre une galerie au 6, rue Jacques-Callot dans le 6ème arrondissement de Paris, en 1968. La programmation a pour ambition de faire découvrir des artistes américains au public français, avant de s’attacher à présenter également des artistes français découverts à Paris. C’est son frère, James, qui a conçu l’architecture de la galerie. La galerie Darthea Speyer est surtout proche de l’ « école de Chicago », exposant des artistes tels que Leon Golub,  Ed Paschke et Peter Saul, mais aussi Beaufort Delaney, Zuka, ou encore la sculpture de George Segal, Roseline Granet et Irmgard Sigg.

En un peu plus de quarante ans de carrière, la galerie Darthea Speyer organise plus de 150 expositions monographiques d’artistes américains ou français, presque toujours accompagnées d’un catalogue bilingue. Elle ferme définitivement ses portes en 2012, après avoir publié pour son quarantième anniversaire un catalogue de tous les cartons d’invitation édités depuis son ouverture. Darthea Speyer est décédée le 20 mai 2014 à Washington.

Le fonds d’archives est constitué d’une importante documentation photographique sur trois artistes représentés par la galerie : Brancusi (reproductions d’œuvre et documentation), Etienne-Martin (reproductions d’œuvre, portraits, vues d’atelier, vues de l’artiste au travail) et François Stahly (reproductions d’œuvres, documentation).

A ces archives photographiques s’ajoutent quinze ouvrages dont un catalogue rétrospectif sur les cartons d’invitation édités par la galerie Darthea Speyer, entre 1968 et 2008. Les autres documents sont des catalogues d’exposition d’autres galeries ou institutions, dont une majorité documente le travail d’Etienne-Martin.

Consulter l’instrument de recherche.

Quelques pièces concernant Raoul Dufy

Né au Havre le 3 juin 1877, Raoul Dufy interrompt ses études à l’âge de 14 ans pour travailler, mais s’inscrit au cours du soir de l’Ecole municipale des beaux-arts où il suit les cours du peintre Charles Lhuillier. En 1899, bénéficiant d’une bourse de la ville du Havre, il suit à Paris les cours de Léon Bonnat à l’Ecole nationale des beaux-arts. Il loue un atelier à Montmartre. En 1905 au Salon des Indépendants, Dufy découvre l’œuvre de Matisse « Luxe, calme et volupté » qui l’impressionne fortement. A partir de 1906, il entame une période fauve durant laquelle il s’initie à la gravure sur bois.

Il épouse Eugénie Brisson en 1911, le couple s’installe 5 impasse de Guelma, dans un atelier que Dufy conservera jusqu’à sa mort. Avec le couturier Paul Poiret rencontré quelques années auparavant, il crée cette même année une entreprise d’impression de tissus, La Petite Usine, réalisant des imprimés qui contribueront à la renommée du couturier. L’année suivante, la firme de soieries lyonnaise Bianchini-Férier lui offre un contrat, il est engagé comme artiste-décorateur. Ce travail sur étoffe libère son dessin qui devient plus souple et ses compositions plus aérées et colorées.

Continuer la lecture de Quelques pièces concernant Raoul Dufy

Yves Kovacs, réalisateur

Né en 1934 à Tours, Yves Kovacs fait des études de droit et de  lettres puis s’oriente vers le journalisme et la critique dans les domaines du cinéma et de la photographie. En 1965, il est rédacteur en chef de Surréalisme et Cinéma. En 1958 puis de 1962 à 1967,  il est assistant auprès de réalisateurs comme Marc Allégret, William Klein, Eric Rohmer, Jacques Prévert, Orson Welles, entre autres.

A partir de 1967, il collabore à de nombreuses émissions artistiques télévisées. De 1975 à 1981, il réalise quinze émissions pour la série culturelle « zig-zag » puis en 1983 une fresque artistique et historique en deux parties, Paris-Paris, ou Le Temps d’une génération. Parmi ses nombreuses réalisations on remarque « Peinture Aujourd’hui l’art vivant »(1972), ainsi que des portraits d’André Kertèsz, Hans Hartung, Juan Gris, François Morellet, Richard Lindner, Picabia, Raymond Hains, André Masson, entre autres.

Son parcours professionnel reste très lié au Centre Georges Pompidou, auquel il consacre  dès 1975 un film « Un Outil pour demain » (prod. par Teri Wehn-Damisch). En 1979 il  reçoit le Grand Premier Prix du Festival international du Film sur l’Art pour son film « Malevitch ou l’impatience des limites ». Une rétrospective de ses films sur l’art est organisée au Cinéma du Musée national d’art moderne du 19 février au 15 mars 1992.

Pendant toute sa carrière de réalisateur, Yves Kovacs a collecté, trié et conservé une grande quantité de documents utiles à son travail de documentariste. Après son décès en 1998, son épouse Françoise a choisi de confier à la Bibliothèque Kandinsky l’ensemble de ces dossiers documentaires, qui ont enrichi les dossiers d’artistes constitués par l’équipe en charge des dits dossiers.

Les archives audiovisuelles d’Yves Kovacs  ont été confiées à l’Inathèque de France et à la Cinémathèque française où elles constituent deux « Fonds Yves Kovacs ».


Consulter le fonds à la Cinémathèque française
Consulter le fonds à l’INA

Isidore Goldstein, dit Isou (1925-2007)

IMG_20150930_115357

Peintre, poète, cinéaste, dramaturge, romancier… Isou se passionne précocement pour la littérature et la philosophie, lisant adolescent, selon son propre témoignage, Dostoïevski, Marx ou Proust. Il a dès 1942 l’intuition d’un nouveau système poétique et musical exposé dans le Manifeste de la poésie lettriste. Il engage également la rédaction de La Créatique ou la Novatique (1942-1976), dans lequel il énonce les lois d’une méthode de création à partir de laquelle il redéfinira et transformera à peu près tous les domaines de la culture, des sciences aux arts en passant par les techniques, la philosophie, la théologie et la vie.

S’établissant clandestinement à Paris en août 1945, il y rencontre rapidement des personnalités du monde intellectuel comme Pierre-Albert Biro, André Gide, Tristan Tzara ou André Breton. Le 8 janvier 1946, il organise avec Gabriel Pomerand la première manifestation lettriste  ; mais c’est après un coup d’éclat au Théâtre du Vieux Colombier où, contre Tristan Tzara, il annonce la naissance d’une révolution poétique qu’il obtient le soutien de Raymond Queneau ou Jean Paulhan pour la publication de son Introduction à une nouvelle poésie et à une nouvelle musique à La Nouvelle Revue Française (NRF) en avril 1947.  Gaston Gallimard accepte ensuite de publier en octobre un ouvrage défini comme un roman, mais prenant la forme de « mémoires », L’Agrégation d’un Nom et d’un Messie. Suivront de nombreuses publications : Le surréalisme et André Breton (1948), L’économie politique et l’érotologie (1949), Les arts plastiques (1950), Le roman et la prose (1950), Le cinéma (1951), Le Théâtre (1952), qui constitueront les premiers fondements d’un désir plus global de transformer radicalement la société, en s’appuyant sur les concepts d’« externé » (la jeunesse) et de créativité généralisée. 

Continuer la lecture de Isidore Goldstein, dit Isou (1925-2007)

Charlotte Salomon

Charlotte Salomon

Les collections imprimées viennent de s’enrichir de la publication aux éditions du Tripode de l’œuvre de Charlotte Salomon, Vie ? ou Théâtre ?, reproduite dans sa totalité et traduite en français. Très bien traduite.

Il s’agit d’une autobiographie en images, peinte à la gouache sur papier, avec les trois couleurs primaires, le noir et le blanc, enrichie d’annotations manuscrites, soit intégrées à l’image, soit écrites sur des feuilles de papier-calque qui viennent se superposer aux peintures. Poussée par la nécessité impérieuse de s’exprimer, Charlotte Salomon réalisa de 1941 à 1942 plus de mille peintures. 781 composent Vie ? ou Théâtre ?, dont 558 numérotées. L’ordre voulu par l’artiste a été perdu dans la tourmente de la guerre, mais reconstitué par l’éditeur. Les feuilles de calque sont reproduites en petit à côté de chaque image.

A ces deux types de texte s’ajoutent les mentions de mélodies, car Vie ? ou Théâtre ? est une opérette, ein Singerspiel, une pièce chantée, usant avec ironie d’un genre léger pour raconter le triste destin d’une famille prise dans le drame d’une époque sombre. Les noms des protagonistes ont été changés pour d’autres aux sonorités plus ludiques et plus évocatrices. « Lorsque la vie a donné toute sa mesure, c’est au théâtre qu’il faut recommencer. »

Jugée sans talent particulier, Charlotte Salomon s’obstine à dessiner. Etudiante à l’école des Beaux-Arts de Berlin, elle doit fuir l’Allemagne nazie. Ses parents lui font rejoindre ses grands-parents recueillis sur la côte d’Azur par une riche américaine, Ottilie Moore, à qui Charlotte dédie sa pièce.

Continuer la lecture de Charlotte Salomon