Cycle CNAP/BK Les artistes iconographes

Le Centre national des arts plastiques (Cnap) et la Bibliothèque Kandinsky du Musée national d’art moderne/CCI, Centre Pompidou sont heureux de vous inviter au lancement du livre « Les artistes iconographes » publié par les éditions Empire et Villa du Parc, centre d’art contemporain, dont sa directrice Garance Chabert et le photographe Aurélien Mole, directeurs de  l’ouvrage, en feront une présentation en compagnie d’un des auteurs François Aubart.

Jeudi 3 mai 2018, à 18h30

Entrée libre sur réservation à : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Les artistes iconographes nourrissent leur démarche depuis plus d’un siècle de la diversité des images produites par d’autres et diffusées industriellement dans la société. Du collage au Post-Internet, de l’installation d’archives à la citation appropriationniste, en passant par la constellation d’images, ce livre remet en perspective ces pratiques en se focalisant sur les quarante dernières années marquées par l’invention et le développement d’un nouveau régime de diffusion : Internet.

La réflexion critique et curatoriale revient sur quelques moments – jalons de la théorie postmoderne, de Frederic Jameson à Douglas Crimp, Benjamin Buchloh et Hal Foster, lus à l’aune du montage iconologique d’Aby Warburg, du tournant archivistique contemporain, ainsi que du renversement des régimes d’images opéré par l’environnement Post-Internet.

A travers textes théoriques, entretiens avec des artistes, et pratiques de l’exposition, le livre dresse une cartographie des relations que les artistes, ces « iconographes-astronomes », entretiennent avec les images et aborde la question de l’affect comme moteur de nos interactions avec elles.

Sous la direction de Garance Chabert et Aurélien Mole.
Avec des textes de François Aubart, Garance Chabert et Aurélien Mole, Ingrid Luquet-Gad et Jan Verwoert.
Avec des entretiens de Pierre-Olivier Arnaud, Barbara Breitenfellner, Céline Duval, Haris Epaminonda, Aurélien Froment, Wade Guyton, Camille Henrot, Thomas Hirschhorn, Pierre Leguillon, Jonathan Monk, Clément Rodzielski, Linder Sterling, John Stezaker, Oriol Vilanova, réalisés par Timothée Chaillou et un livret de 16 pages d’Album XIII (extrait), Luis Jacob, 2015.

Le livre est réalisé avec le soutien à l’édition du Cnap.

Éditions Empire et Villa du Parc, centre d’art contemporain
Français / Anglais
Conception graphique : Syndicat

342 + 16 pages

Diffusion : Les presses du réel
ISBN : 979-10-95991-02-1

www.e-m-p-i-r-e.eu

www.villaduparc.org

www.cnap.fr

www.centrepompidou.fr

Negro Anthology

© Negro Anthology: 1931-1933, London : Published by Nancy Cunard at Wishart & Co., 1934; Nancy Cunard, Negro Anthology, réedition, Paris, Nouvelles Editions Place, 2018, Bibliothèque Kandinsky, Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle, Centre Pompidou, Paris

En temps d’hommage à Martin Luther King, la Bibliothèque Kandinsky du Musée national d’art moderne est heureuse de vous convier au lancement de la réédition en fac-similé de Negro Anthology (editée par Nancy Cunard) aux Nouvelles Editions Place suivi d’une discussion en présence de Sarah Frioux-Salgas, responsable des archives du Musée du quai Branly, Cyrille Zola-Place, directeur éditorial, Daniel Soutif, philosophe et critique d’art et Pascale Obolo, artiste plasticienne, productrice et réalisatrice.

Jeudi 19 avril 2018, à partir de 18h30

Bibliothèque Kandinsky, Centre Pompidou, Niveau 3

Réservation obligatoire: reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Pendant de nombreuses années, la Negro Anthology, éditée en 1934 par Nancy Cunard à Londres chez Wishart & Co., est restée une rareté bibliophilique, disponible pour consultation seulement dans quelques collections publiques françaises de livres rares. En 2017, à travers une acquisition exceptionnelle, la Bibliothèque Kandinsky faisait entrer dans ses collections l’exemplaire portant un envoi autographe de Nancy Cunard au poète cubain Nicolas Guillén. Les Nouvelles Editions Place réactivent aujourd’hui l’aventure éditoriale de cette formidable encyclopédie transnationale du monde noir par une réédition en fac-similé accompagnée d’un appareil critique réalisé par Sarah Frioux-Salgas, responsable des archives du Musée du quai Branly et préfacé par Mamadou Diouf.

Objet inclassable, vaste projet documentaire relevant à la fois d’ethnographie surréaliste, d’un certain romantisme révolutionnaire de la modernité artistique des années 1930 et d’engagements anti-impérialistes, anticoloniaux et antiségrégationnistes, Negro Anthology condense plusieurs voix consacrées à l’histoire des noirs d’Amérique du Nord, du Sud, des Antilles, d’Europe et d’Afrique. Comme Cunard l’écrivait au romancier jamaïcain Claude McKay, l’anthologie se voulait un grand « symposium », un énorme rassemblement cosmopolite de témoignages alternatifs sur la question raciale. Parmi les contributeurs, figures de la résistance noire comme W.E.B. du Bois, George Padmore ou Jomo Kenyatta côtoient les représentants de la Renaissance de Haarlem (Zora Neale Hurston), des communistes engagés dans la cause africaine comme James Ford ou Raymond Michelet, des écrivains comme Langston Hugues, Michael Gold, Jacques Roumain, Mario de Andrade, Nicolas Guillén, Louis Zukofsky, Beatrice Hastings ou bien les surréalistes français (André Breton, René Crevel, Benjamin Péret, René Char, Roger Caillios, etc.). Avec 385 illustrations, l’anthologie – compilation est rythmée par des photographies documentaires, extraits de journaux à l’état brut, affiches, cartes, illustrations pour enfants et partitions musicales.

La rencontre sera l’occasion de revenir sur les engagements politiques et sociaux, les choix esthétiques, les dissonances et les résonances contemporaines  de ce projet éditorial hors pair.

Sarah Frioux-Salgas, née en 1978, a suivi des études d’Histoire Africaine à Paris 1 (recherches sur la traite négrière et l’esclavage dans les Caraïbes). Elle a été assistante d’exposition au Musée d’art et d’histoire du judaïsme (« Marc Chagall: Hadassah », 2002, « Tim: être de son temps », 2003). Depuis 2003, elle est responsable des archives et de la documentation des collections à la médiathèque du musée du quai Branly. En 2009, elle a été commissaire  de l’exposition « Présence Africaine. Une tribune, un mouvement, un réseau » (Musée du Quai Branly et en 2011, à Dakar; direction du numéro 10 de la revue Gradhiva « Présence Africaine. Les conditions noires:une généalogie des discours »). En 2014, elle a organisé l’exposition « L’Atlantique noir de Nancy Cunard» (Musée du quai Branly) et édité le numéro 19 de la revue Gradhiva. Revue d’anthropologie et histoire des arts, dédié à la Negro Anthology. En 2016, avec Dominique Malaquais et Cédric Vincent, elle a été commissaire de  « Dakar 66. Chronique d’un festival panafricain »( musée du quai Branly).

Pascale Obolo est activiste, rédactrice en chef de la revue d’art contemporain AFRIKADAA, commissaire indépendante et enseignante à l’Ecole des beaux-arts  de Quimper. Responsable de l’African Art Book Fair (espace de rencontre pour les éditeurs indépendants issue des territoires du sud) pendant la Biennale de Dakar, elle a rejoint récemment l’équipe de la programmation à la colonie.

Philosophe et critique d’art, Daniel Soutif a été rédacteur en chef des Cahiers du Musée national d’art moderne (de 1990 à 1994), directeur du développement culturel au Centre Pompidou (de 1993 à 2001), et a dirigé le Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci de Prato (Italie). Commissaire indépendant depuis 2006, il a notamment conçu les expositions « Le Temps, vite ! » au Centre Pompidou (2000) ou « Le siècle du Jazz » au musée du quai Branly – Jacques Chirac (2009). Il a également contribué au quotidien « Libération » et au magazine américain « Artforum ». En 2016, il a été le commissaire de l’exposition « The Color Line, Les artistes africains-américains et la ségrégation », au musée du Quai Branly – Jacques Chirac.

Cyrille Zola-Place travaille depuis 2015 aux Nouvelles éditions Place pour lesquelles il dessine un espace éditorial avec des collections transversales (douze à ce jour) qui proposent chacune une approche du monde par un angle singulier.  Si elles ne négligent pas les réimpressions de documents difficilement accessibles ou éparses, les Nouvelles éditions Place, en s’engageant pour la création contemporaine, sont avant tout au service de l’actualité. Mémoire (documents et archives), miroir (essais critiques), espoir (action et création) dessinent une constellation du sens, un sens non linéaire, incomplet et mouvant, mais constituée de corps intelligibles et organiquement liés. Économètre et sociologue, Cyrille Zola-Place a vécu 13 ans en Allemagne où il a étudié la philologie. Sous d’autres noms, il est écrivain.

CYCLE CNAP/BK, THIERRY CHANGOGNE: « HISTOIRE DU GRAPHISME AVANT LA MODERNITE EN TROIS TEMPS, CINQ MOUVEMENTS… » (EDITIONS FRANCISCOPOLIS)

Le Centre national des arts plastiques (Cnap) et la Bibliothèque Kandinsky du Musée national d’art moderne/CCI, Centre Pompidou sont heureux de vous inviter au lancement du livre « Histoire du graphisme avant la modernité en trois temps, cinq mouvements ; Premier temps : avant l’écriture ; Premier mouvement : Muthôs » publié par les éditions Franciscopolis en présence de son auteur Thierry Chancogne et de Mathias Schweizer qui en a réalisé la conception graphique.

Mercredi 28 mars 2018, à 18h30

Bibliothèque Kandinsky

Entrée libre sur réservation à : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Le graphiste, le designer graphique, le typographe semblent apparaître avec la notion toujours complexe de modernité ou, en tous cas, avec le mouvement d’une industrialisation plus consciente d’elle-même. C’est ce que semble soutenir le grand défenseur de la modernité, Robin Kinross, lorsqu’il situe les débuts de la modern typography au XVIIe siècle, alors que l’artisan imprimeur sort de son atelier noir pour prendre le recul réflexif du libraire qui édite des contenus ou du typographe qui pense, institue et relaie sa pratique dans des manuels professionnels.

Mais est-ce à dire qu’on ne puisse parler de graphisme avant l’institution de cette modernité et de cette pratique du graphiste ?  C’est à cette question intempestive que veut s’attaquer Thierry Chancogne, enseignant et théoricien du graphisme, en tentant de repérer les moments de rupture de phase de l’histoire longue de cette discipline avant même qu’elle ne soit reconnue comme telle.

Premier temps et premier mouvement de cette « histoire », il sera question dans ce recueil des matériaux les plus divers que l’auteur a  pu rencontrer dans sa recherche – artistiques, techniques, éthologiques, anthropologiques, psychologiques, archéologiques, etc. – d’envisager la graphie avant l’apparition de l’écriture, de penser le graphisme au temps plus ou moins originel de l’oralité et du mythe, avant la confiscation du logos par le prestige un brin exclusif de l’écriture.

Thierry Chancogne est enseignant et théoricien du graphisme, co-fondateur de la revue en ligne Tombolo, de l’association d’édition Tombolo Presse et du projet de local pédagogique Ravisius Textor.

Franciscopolis éditions avec l’École supérieure d’art de Cambrai dans le contexte du cycle de conférences «Empreindre».

Conception graphique : Mathias Schweizer, accompagné de Tomy Bougé et Damien Bauza

Relectures : Hélène Coste, Léna Patier et Juliette Tixier

ISBN : 379-10-97348-00-7

Diffusion : Les presses du réel

Ouvrage réalisé avec le soutien à l’édition du Cnap.

www.franciscopolis.com

www.presses.t-o-m-b-o-l-o.eu

www.ravisiustextor.eu

www.cnap.fr

www.centrepompidou.fr

https://carnetbk.hypotheses.org/

Sun Gardens

Parmi les livres de la bibliothèque de Michel Frizot entrée il y a peu dans les collections se trouve une édition par Aperture en 1985 des Sun Gardens. Victorians Photograms d’Anna Atkins.
Les photogrammes originaux existent sous forme de liasse et sont conservés dans des bibliothèques anglaises. Ce sont des cyanotypes où se découpent sur un fond bleu cyan des silhouettes de feuilles, fougères, algues, graminées, coraux et autres plumes, choisis par la botaniste pour leur beauté.
Publié en 1843 le livre d’Anna Atkins fait d’elle une pionnière du livre de photographie, car il est à peine postérieur aux daguerréoptypes, aux calotypes de Talbot et à l’invention du cyanotype par Herschel.
Le procédé offre une photosensibilité fine au point de saisir les nervures des feuilles ou la transparence des pétales du pavot. Ces images de lumière flottant dans une immensité bleue sont un véritable hommage à la beauté des formes de la nature, et que le livre de 1985 reproduit.
Cote Fonds Frizot L Q77

Journée d’études « Design, Archives, Display. Parcours, détours. Des modernités questionnées » 30 janvier 2018

Le département Design de l’ENS Paris-Saclay avec le parcours histoire du M2R et le module « Design, display, archives ENS-BK » et le CDRED, centre de recherche en design dans le cadre de ses axes de recherches historiques, proposent une journée d’étude dédiée aux expositions à travers deux filtres principaux : importance des modes d’exposer et des réflexions sur le display dont les disciplines du design (objets, espace, graphisme etc.) sont porteuses, importance de l’archive dans ce nouveau champs des études en histoire du design.
Cette journée propose, à travers les communications d’étudiants chercheurs et de chercheurs d’explorer différents pans de la modernité : modernité industrielle, exemples d’expositions temporaires et de modalités d’exposition dans la seconde moitié du XXème siècle et de nos jours, consultation des fonds d’archives et réflexions contemporaines sur la question des documents graphiques exposés.

Programme

Matinée – Cas d’études
9:30 Introduction de la journée : Didier Schulmann,
conservateur et chef de service de la bibliothèque Kandinsky
9:45 Direction de séance : Catherine Geel
Reprise, puis discussion modérée par Anne
Lefebvre, maître de conférences, ENS Paris-Saclay.

  • Estelle Chaillat Le mystère du Kiosque de l’exposition Paris-Moscou (1979)
  • Laure Garreau Jean Prouvé, 1964 : La rétrospective oubliée.

10:45 Pause

  • 11:00 Clémentine Léon-Bonnet La Collection Ico : typologie subjective d’exposition éditoriale.
    Lise Brosseau Pratiques curatoriales contemporaines de designers graphiques : Radim Peško à Brno (2016)

12:00 Discussion

Après-midi Théorisation
14:00 Introduction : Claire Brunet, directrice du département design, ENS-Paris-Saclay

14:15 Direction de séance : Catherine Geel Reprise, puis discussion modérée par Éléonore Challine, maître de conférence, Paris 1.

14:20 Jerôme Glicenstein Remarques
sur les enjeux théoriques de l’exposition

15:15 Mica Gherghescu, Stéphanie Rivoire

16:00 Pause

16:15 L’Agence du doute Like Agnes
or Ulysses… a conversation piece.

17:00 Discussion

Centre Pompidou, Salle Triangle
Une collaboration ENS-Cachan – Bibliothèque Kandinsky, Mnam/Cci – Centre Pompidou
Merci de vous inscrire à l’adresse
suivante: contact.cdred@ens-paris-saclay.fr

Piet Mondrian. The Complete Writings, compilés et édités par Louis Veen

Très belle édition des écrits de Mondrian dans leur langue originale, compilés et édités par Louis Veen, dont cette publication est le fruit de la thèse soutenue à Utrecht en 2011.
Soulignons le magnifique travail d’éditeur accompli par Primavera Pers, de Leyde aux Pays-Bas, d’une clarté et d’un soin qui méritent d’être salués.
Le choix de l’illustration de couverture, la reproduction d’un manuscrit sur le sens de l’expression plastique, placée dans un carré sur la pointe annonce toute la finesse des choix qui rendront la lecture si agréable : format, papier, maquette, Garamond.
Outre les textes, l’ouvrage contient des tableaux d’équivalence du vocabulaire utilisé par Mondrian dans les trois langues anglais, néerlandais et français.
Cote in-8 31455

UNIVERSITE d’ETE de la BIBLIOTHEQUE KANDINSKY, 5e édition, 2-13 juillet 2018

APPEL A CANDIDATURE// CALL FOR PAPERS

LES SOURCES AU TRAVAIL
Publications d’artistes: de l’atelier à la bibliothèque
(et vice-versa)

For English version, please scroll down 

L’Université d’été de la Bibliothèque Kandinsky est un programme du Centre Pompidou qui se déroule dans l’espace des collections contemporaines du Musée national d’art moderne. Elle a pour objet les sources de l’art moderne et contemporain : archives, documentation écrite, photographique ou filmique, témoignages, formes d’appropriation artistique de la production documentaire. Initiative interdisciplinaire, l’Université d’été de la Bibliothèque Kandinsky réunit de jeunes chercheur.e.s : historiens et historiens de l’art, anthropologues et sociologues, artistes, critiques, commissaires d’expositions, qui partagent un travail collectif sur les sources documentaires. La table-vitrine de l’Université d’été sert à la fois comme table de montage et d’exposition. Elle recueille fac-similés, reproductions, sources archivistiques et documentaires proposées ou évoquées au cours des séances. Plusieurs ateliers d’écriture rythment le parcours de l’Université d’été. Des visites dans différents lieux et collections documentaires émailleront les journées de travail. Le numéro cinq du « Journal de l’Université d’été de la Bibliothèque Kandinsky » sera tout à la fois un recueil de sources et une création collective qui reflètera les débats poursuivis pendant les séances de travail.

« Tout, au monde, existe pour aboutir à un livre ». Emblématiques, les mots de Stéphane Mallarmé ont guidé de manière subtile les nombreuses recherches et expérimentations sur les publications d’artistes, inspirant appropriations, réactivations, et tentatives de définition. A l’autre bout du spectre historique et dans le même effort de définition d’une pratique artistique élargie, Ulises Carrión rappelait que les « artistes ont publié des livres et des revues, tout en les distribuant, en gérant des galeries et des centres d’art, organisant des événements culturels à travers différentes médias et avec des professions spécialisées. En d’autres mots : ils ont abandonné le terrain sacré de l’art et sont entrés dans l’espace plus vaste et moins délimité de la culture. »

Pour sa cinquième session, l’Université d’été de la Bibliothèque Kandinsky se propose d’étudier le phénomène protéiforme des pratiques de publication d’artiste, à l’aune de ses formes matérielles les plus diverses. Il s’agira également de saisir les réseaux mis en place, et de mettre en lumière les échanges, les contextes et les géographies multiples qui participent de l’élaboration de stratégies de création.
En résonance avec les recherches récentes sur les livres d’artistes, tant sur les stratégies d’édition artistique à l’ère de la conversion multimédia que sur les pratiques éditoriales alternatives, cette nouvelle édition mettra en débat les limites et les déplacements d’un genre extrêmement versatile. Se référant à la fois au champ de la littérature et de l’art, et au monde dans lequel elles s’inscrivent, les publications d’artistes résistent à toute classification restrictive. Si on devait dégager une de leurs spécificités, elle résiderait sans doute dans leur singularité formelle et dans l’inventivité incessante de leurs méthodes de production.

Objet aux contours flexibles, la publication d’artiste sera confrontée à différentes ouvertures disciplinaires ; l’histoire du livre et de l’édition, les media studies, les théories de la communication visuelle au sein desquelles les recherches menées par la théorie et les pratiques du design graphique ont amplement déplacé les frontières définitionnelles, les modes de production et les gestes d’exposition. Sans en épuiser les déclinaisons, les interventions devront porter sur la multiplicité des formats, des techniques et des médiums : livres et périodiques d’artistes, fanzines et samizdats, multiples et livres objets, livres de photographie, livres d’architecture et livres de curateur, éphémèra et éditions hybrides, jusqu’aux explorations numériques, aux e-books d’artiste et aux formes de l’autoédition contemporaine. Etudes de cas focalisées sur les productions, les producteurs et les institutions historiques de l’édition d’artiste devront alterner avec des propositions contemporaines qui réfléchissent de manière critique aussi bien sur la place, les profils des artistes, leur position en tant qu’éditeurs, que sur le statut de l’objet publié et les différentes cultures artistiques et techniques auxquelles il s’attache.

Des savoir-faire alternatifs aux stratégies de patrimonialisation de ces objets documentaires, ainsi que la variété de leurs modes de diffusion, l’Université d’été interrogera également les circuits et les économies qui sous-tendent les pratiques éditoriales artistiques. En perturbant les genres conventionnels, quelles tactiques d’écriture créative, de description bibliographique et d’élaboration de contenu sont mises en place ?  Comment les circuits de savoir (académique ou artistique) et les circuits de production affectent-ils l’objet publié ? Quel est le profil des acteurs qui y interviennent ? Quels sont les risques et dérives dans l’économie des éditions d’artistes ?  Quelles formes d’apprentissage, de pédagogie et de transmission sont mobilisées ?  Quelle place donner à l’auctorialité pour un objet qui joue incessamment avec sa nature autoréférentielle, tout en étant un lieu de travail collectif exemplaire ? Comment « faire collection » avec des objets qui se déplacent avec légèreté entre une bibliothèque, un musée, un espace indépendant et ses avatars numériques ? Enfin, comme Carrión le laissait entendre, la publication d’artiste n’est qu’une pratique parmi d’autres et reste souvent le reflet, ou la trace, d’autres formes d’engagement artistique, mais aussi politique et social. Comment penser alors cet engagement à travers les formes de publications artistiques, devenues les documents pluridisciplinaires d’une action et les territoires d’une construction collective ? Comment ces publications renseignent-elles les œuvres de ces mêmes artistes, mais hors du champ éditorial ? Quelle lecture viennent-elles ajouter ou permettent-elles de déplier au regard de leurs œuvres constituées par ailleurs ?

Selon son principe de travail structurant, l’Université d’été mettra à disposition des participants un ensemble de ressources documentaires conservées par la Bibliothèque Kandinsky et notamment sa grande collection de publications et éditions d’artistes. Elle invitera les participants à enrichir le débat en partageant les sources de travail sur lesquelles ont reposé leurs recherches et à poursuivre des opérations historiographiques sur un mode critique et inventif.

PROCEDURE DE CANDIDATURE

L’Université d’été de la Bibliothèque Kandinsky s’adresse à un public international de jeunes historiens, historiens d’art, anthropologues, sociologues, bibliothécaires et étudiants conservateurs, artistes et graphistes.

Dossier de candidature :

  • une proposition de communication, d’intervention ou de contribution (4500 signes/700 mots en format pdf; peut être rédigée en anglais ou français)
  • un CV et une liste de publications (format pdf)
  • Il est nécessaire d’avoir une bonne maîtrise de l’anglais et du français.

Les participants devront apporter un choix de sources qui servira de support à la présentation de leur travail.
Les propositions de communication sont à adresser avant le 4 mars 2018 à l’adresse électronique: bibliotheque.kandinsky@centrepompidou.fr
La ligne « sujet » du mail doit préciser le nom du candidat précédé de la mention Université d’été.
Les propositions seront examinées par le Comité de pilotage qui se chargera d’établir le programme définitif de l’Université d’été. Le Comité de pilotage retiendra 25 candidatures. Tous les candidats, qu’ils soient ou non retenus, seront contactés individuellement avant le 16 mars 2018.

Une contribution d’inscription de 150 € sera demandée aux participants qui bénéficieront de l’enseignement de l’Université d’été. Cette contribution couvrira un certain nombre de frais – transport vers des lieux visités, éventuels droits d’entrée dans des institutions, etc.
A l’attention des candidats qui en feront la demande, le Centre Pompidou émettra toutes attestations utiles leur permettant d’obtenir toutes bourses ou aide de financement qu’ils pourraient requérir auprès de fondations, de musées ou d’institutions universitaires ou de recherche.

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COMITE DE PILOTAGE
Aurélien Bernard, bibliothécaire en charge des imprimés contemporains, Bibliothèque Kandinsky, Musée National d’Art Moderne, Centre Pompidou, Paris
Mica Gherghescu, historienne de l’art, Bibliothèque Kandinsky, Musée National d’Art Moderne, Centre Pompidou, Paris
Stéphanie Rivoire, conservatrice des fonds et collections, Bibliothèque Kandinsky, Musée National d’Art Moderne, Centre Pompidou, Paris
Didier Schulmann, conservateur, Bibliothèque Kandinsky, Musée National d’Art Moderne, Centre Pompidou, Paris
Benjamin Thorel, historien de l’art, École supérieure des Beaux-Arts de BordeauX/fondateur de Section 7 Books / After 8 Books

Vous pouvez adresser vos demandes de renseignements à l’adresse:
bibliotheque.kandinsky@centrepompidou.fr
Tel : +33 (0)1 44 78 46 65

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Primary sources at work.
Artists’ publishing practices: from the studio to the library (and back again)

The Bibliothèque Kandinsky’s Summer University is a Musée National d’Art Moderne/Centre Pompidou research program installed on the very premises of the museum. It focuses on modern and contemporary art primary sources: archives, documentary materials (both written and visual), interviews, records, as well as new forms of artistic appropriation and documentary production. Interdisciplinary in format, the Summer University brings together young researchers: historians, art historians, anthropologists, sociologists, artists, critics and curators who share a collective reflection with art professionals and various scholars around primary source materials. It will be held in one of the museum rooms, around a conference table, used at the same time as a workspace and an exhibition device for the display of documents. Facsimiles, reproductions, and archival material will be unfolded in the space during the working sessions. Several writing workshops will rhythm the program, as well as visits to various documentary collections. Editorial work is at the heart of the Summer University: a new issue of the “Journal de l’Université d’été de la Bibliothèque Kandinsky”—conceived both as a critical anthology based on the debates during the sessions and as an experimental production—will be released at the end of the session. 

“Everything in the world exists to end up in a book.” Stephane Mallarmé’s famous words have lastingly marked the experiments with as well as the research on artists’ publications, inspiring definitions, appropriations, and modes of activation. In an extended attempt to draw the borders of these particular genres, Ulises Carrión once remarked that “artists have started publishing books and magazines, distributing them, managing galleries and other art centres, organizing cultural events that involve various media and specialized professions. In other words, they have abandoned the sacred realm of art and entered the wider, less well contoured field of culture.”

For its fifth session, Bibliothèque Kandinsky’s Summer University will address the plural phenomenon of publishing in the art field in all its diversity. It will seek to capture the various networks, exchanges, contexts, and the multiple geographies that inform the creative decisions at stake in this variegated production. It will also echo the recent reflexions on the status and evolution of the artists’ book caught between the imperatives of digital turn and alternative editorial strategies, and discuss the contours of an extremely versatile genre. Indeed, artists’ publications resist any restrictive classification, as one can’t help but notice, amongst their specificities, the formal singularities and unremitting ingeniousness of their varied production methods.

Flexible in nature, artists’ publications and editions will be confronted to different approaches: history of the book, media studies, visual communication theories, graphic design… Rather than fixing a dynamic field, these disciplines have opened up new fields of investigation, dealing with production methods and exhibition strategies, amongst other examples. The communication proposals will have to address the very multiplicity of formats, techniques and mediums that are essential to the art of publishing: artists’ books and periodicals, fanzines, underground production, multiples, photobooks, architecture books, catalogues conceived by curators, ephemera and hybrid editorial practices, digital experiments, e-books by artists, DIY and self-publishing. Cases studies are expected on historical productions, producers and/or institutions, while alternative propositions are welcomed, dealing with the positions artists can take—notably as publishers—, their editorial practices, as well as the complex status of printed matter in art, in relation to the different artistic and technical cultures which are negotiated on the very body of the book.

From underground engagement to patrimonial status, the Summer University will address the circuits and economies at stake in artistic editorial practices. What are the tactics of content production that are mobilized? What kind of creative writing is invented? What kind of bibliographical description could appropriately be envisioned? How knowledge production circuits (in the academia or the arts) affect the published object? How to work with economic risks and market pressure? What kinds of education and pedagogy inspire—or are inspired by—editorial creativity? How to consider authorship when books constantly play with their self-referential nature, and are at the same time the products of collaborative efforts? What kind of “collection-making” for objects that move merrily between the library, the museum, independent spaces and their digital avatars? As Carrión has left to imagine, the artists’ publication is often just a small fragment from a bigger picture. As a space for political engagement and social agency it is also a space for drawing the possibility of collective construction. How do these practices inform artistic creation itself, beyond the editorial field? What kind of critical interpretation do they suggest?

The Bibliothèque Kandinsky Summer University 2018 will bring together young researchers, curators and artists around documentary material from the library itself—for some part largely unseen—and give its participants the opportunity to put sources ‘at work’. It also invites researchers from all horizons to bring up their source material and to put it into debate, through historical, creative and critical discussion.

APPLICATION PROCEDURE

The Bibliothèque Kandinsky’s Summer University is aimed at young fellows (PhD candidates, PhDs, PostDocs): historians, art historians, anthropologists, sociologists, curators, librarians, graphic designers and artists at large.

Application file:
– written proposal (4,500 characters/700 words) either in English or in French, in PDF format.
– CV which should clearly assess the candidate’s language proficiency. In order to apply is important to have a good command in both English and French.

Candidates are expected to bring along a selection of sources used in their research.

The proposal dossier will be sent to: bibliotheque.kandinsky@centrepompidou.fr by 4th March 2018.

The proposals will be evaluated by a scientific committee, in charge of drawing up the final Summer University program. The Committee will retain 25 projects.
All applicants, whether selected or not, will be personally contacted before March 16th, 2018.

A participation fee of € 150 will be required from each participant, who will be provided with tuition. The participation will cover transportation on site and institutional entries.
If requested, the Centre Pompidou will be able to issue any required certificate in order to apply for scholarship or funding from foundations, museums, universities or research institutes.

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SCIENTIFIC COMMITEE
Aurélien Bernard, bibliothécaire en charge des imprimés contemporains, Bibliothèque Kandinsky, Musée National d’Art Moderne, Centre Pompidou, Paris
Mica Gherghescu, historienne de l’art, Bibliothèque Kandinsky, Musée National d’Art Moderne, Centre Pompidou, Paris
Stéphanie Rivoire, conservatrice des fonds et collections, Bibliothèque Kandinsky, Musée National d’Art Moderne, Centre Pompidou, Paris
Didier Schulmann, conservateur, Bibliothèque Kandinsky, Musée National d’Art Moderne, Centre Pompidou, Paris
Benjamin Thorel, historien de l’art, École supérieure des Beaux-Arts de BordeauX/fondateur de Section 7 Books / After 8 Books

For any inquiry, please write to:
bibliotheque.kandinsky@centrepompidou.fr
Tel : +33 (0)1 44 78 46 65

« 1959-1985, au prisme de la Biennale de Paris »

La Bibliothèque Kandinsky du Musée national d’art moderne/ Centre Pompidou est heureuse de vous accueillir pour la troisième séance du séminaire « 1959-1985, au prisme de la Biennale de Paris » organisé par l’Institut national d’histoire de l’art dans le cadre du programme de recherche éponyme, en partenariat avec les Archives de la critique d’art, la Bibliothèque Kandinsky et l’Institut national de l’audiovisuel,

Vendredi 15 décembre 2017, Bibliothèque Kandinsky, de 17h30 à 20h30
Entrée libre sur réservation à l’adresse : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr
Centre Pompidou, Niveau 3

Sous l’intitulé « Biennale de Paris : scènes nationales, scènes internationales », le séminaire réunira Hélène Meisel (Centre Pompidou-Metz) et Annabela Tournon (EHESS/Ensa Bourges).
En présence de documents choisis, il s’agira d’évoquer la matérialité des archives de la Biennale de Paris dans leur diversité et d’interroger ce qu’elles dévoilent des réseaux artistiques d’alors. A titre d’étude de cas, il sera question de la Section de l’Amérique latine à la Biennale de 1977, de ses paradoxes et ambiguïtés. Si elle répondait au souhait des organisateurs que la participation internationale soit confiée à des spécialistes d’une région ou d’une scène artistique, certains des artistes exposés critiqueront ce fonctionnement, soulignant les enjeux politiques de ces ambitions internationales. Ces épisodes signalent aussi la place de la Biennale de Paris dans l’histoire de l’art de pays tels que le Mexique, le Brésil ou l’Argentine.
Pour en savoir plus sur le projet de recherche : https://www.inha.fr/fr/agenda/parcourir-par-annee/en-2017/decembre-2017/biennale-de-paris-scenes-nationales-scenes-internationales.html

Annabela Tournon est historienne de l’art. Elle finalise actuellement une thèse à l’EHESS-CEHTA (Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales – Centre d’Histoire et de Théorie des Arts) sur les Grupos, collectifs d’artistes actifs dans les années 1970 au Mexique. Elle a récemment organisé l’exposition « Grupo Mira. Una contrahistoria de los setenta en México » au musée Amparo au Mexique. Elle est membre des groupes de recherche « Global Art Prospective » du programme «Histoire de l’art mondialisée » de l’INHA (Institut National d’Histoire de l’Art, Paris) et de la Red Conceptualismos del Sur.
Sur le thème des groupes d’artistes au Mexique dans les années 1970 elle a notamment publié « L’art conceptuel sous influence : les Grupos (Mexique, 1970) », dans les Cahiers du Musée National d’Art Moderne (n°122, février 2013), « “Aunque al seco tronco lo sigan regando”. Reprises du muralisme chez les grupos (1968-1978)» dans Nuevo Mundo Mundos Nuevos, janvier 2015, « Une oasis d’horreur dans un désert d’ennui. Tlatelolco, 2 octobre 1968 » dans Le Temps suspendu. Art contemporain et temps de l’histoire, Lyon, Presses Universitaires de Lyon, novembre 2016, ainsi qu’édité le catalogue d’exposition « Grupo Mira. Una contrahistoria de los setenta en México », éditions Museo Amparo, Puebla, Mexique, 2017.

Hélène Meisel est historienne de l’art, critique et commissaire. Après des études d’histoire de l’art menées à la Sorbonne et achevées par un master professionnel consacré à « L’art contemporain et son exposition », elle entame sous la direction d’Arnauld Pierre une recherche doctorale sur la subsistance subjective dans l’art conceptuel. Elle assiste parallèlement Claire le Restif au Crédac d’Ivry-sur-Seine sur l’exposition « Le travail de rivière » (2009), puis Guillaume Désanges dans ses différents projets curatoriaux et performatifs (2010). En 2011, elle bénéficie d’une bourse d’études du Centre Pompidou-Paris et explore, dans ce cadre, les archives de la Biennale de Paris dont elle réactive certains dispositifs. En 2012, elle est résidente au sein du Pavillon, au Palais de Tokyo. Depuis 2013, elle est chargée de recherche et d’exposition au Centre Pompidou-Metz, et travaille aux côtés d’Hélène Guenin sur l’exposition «Sublime. Les tremblements du monde » (2016). En 2017, elle est commissaire avec Emma Lavigne de l’exposition « Jardin infini. De Giverny à l’Amazonie ». Pour le Frac Lorraine de Metz, elle réactive certains moments du Festival International de Science-fiction de Metz dans le cadre de l’exposition « Si ce monde vous déplaît » (2013). Ses articles sont parus dans différentes revues critiques telles que 20/27, Les Cahiers du musée national d’art moderne, Volume, Palais, 02, Semaines, etc.

https://www.centrepompidou.fr/
https://www.inha.fr/

Cycle CNAP/BK « Valentine Schlegel : méconnue, autonome & terrienne »

Dans le cadre des rencontres mensuelles du cycle réalisé en partenariat avec le Centre national des arts plastiques, l’artiste Hélène Bertin, initiatrice du projet de recherche et de publication, donnera une conférence intitulée «Valentine Schlegel : méconnue, autonome & terrienne », illustrée par une sélection de documents de la bibliothèque de Valentine Schlegel et des collections de la Bibliothèque Kandinsky

Mercredi 13 décembre 2017, à 18h30

Bibliothèque Kandinsky

Centre Pompidou

Niveau 3

Entrée libre sur réservation à : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Valentine Schlegel est une femme, végétarienne, céramiste, méditerranéenne, maçonne, fumeuse, artiste et marin. Née en 1925, elle navigue entre Sète et Paris. Elle n’a cessé de travailler tout en restant dans l’ombre de la scène artistique et dans la lumière méditerranéenne. Faisant toujours passer son mode de vie en priorité, elle a développé des sculptures à vivre, en commençant par la céramique utilitaire. Elle prolonge sa passion pour les arts du feu avec des cheminées en plâtre, aux heures solitaires ; elle sculpte des couverts en bois ou façonne des sacs en cuir, aux heures amicales. Publié en coédition par <o> future <o> et le CAC Brétigny, Valentine Schlegel: je dors, je travaille est un catalogue «bio-monographique» réunissant des documents d’archives et une nouvelle iconographie. Des notices biographiques séquencent le livre et éclairent la démarche et la vie de l’artiste. Cette monographie de référence permet de documenter l’ensemble des cheminées réalisées  chez des particuliers―une centaine de 1959 à 2002. Les autres pans de son travail sont également abordés afin de saisir l’ensemble de sa pratique, intimement liée à son mode de vie : les questions d’autonomie de production et d’amitié sont centrales. «je dors» et «je travaille» sont deux énoncés peints sur une pancarte réversible accrochée à la porte de son atelier sétois. Ils correspondent à deux temps différents de ses journées, invitant à l’isolement ou à la compagnie. Ces deux «activités» ne sont pas à prendre comme des opposés mais plutôt indissociables l’une de l’autre : elles servent de structure à l’édition en rendant perceptibles les choix de modes de vie personnels et professionnels de Valentine Schlegel.

Hélène Bertin est née en 1989 dans le Luberon. Elle développe une pratique qui entrelace le travail d’artiste, de curateur et d’historienne. Elle se cogne au travail de Valentine Schlegel en 2012. Peu à peu, elle rencontre ses amis et grâce à eux, son œuvre dans son  ensemble. En 2016, Céline Poulin l’invite à déployer une exposition sur le travail de Valentine Schlegel au sein du CAC Brétigny. L’exposition « Cette femme pourrait dormir dans l’eau », se – déplie  du 30 septembre au 9 décembre 2017, de concert, exposition et édition permettent de découvrir ses sculptures et son parcours.

Valentine Schlegel: je dors, je travaille  est  publié par <o> future <o> et le CAC Brétigny avec le soutien à l’édition du Cnap, du conseil  départemental de l’Essonne et de la Fondation de France.

Conception éditoriale: Hélène Bertin, Charles Mazé & Coline Sunier, <o> future <o>
Textes: Hélène Bertin
Design graphique: Charles Mazé & Coline Sunier
ISBN 978-2-9560078-0-7

http://f-u-t-u-r-e.org/

http://www.cnap.fr/

https://www.centrepompidou.fr/

 

Alors que j’écoutais moi aussi la Bibliothèque Kandinsky

Dans le cadre des manifestations dédiées à la célébration des 40 Ans du Centre Pompidou, la Bibliothèque Kandinsky du Musée national d’art moderne/CCI est heureuse de vous convier à la rencontre publique autour du projet « Alors que j’écoutais moi aussi la Bibliothèque Kandinsky » menée en partenariat avec La Criée centre d’art contemporain de Rennes et ses artistes invités.

Mercredi, 6 Décembre 2017, à partir de 18h30
Bibliothèque Kandinsky, Centre Pompidou, Niveau 3

Entrée libre dans la limite des places disponibles.
Réservation obligatoire à l’adresse : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Alors que j’écoutais moi aussi la Bibliothèque Kandinsky répond à l’invitation des 40 ans du Centre Pompidou et convie différentes personnalités – un acrobate, un musicologue, deux chercheuses d’art et cinq artistes – à prendre pour objet d’études, d’aventures et de curiosités le fonds de la bibliothèque Kandinsky, centre de documentation et de recherche du Musée national d’art moderne.
Pendant un an Félicia Atkinson, Julien Bismuth et Yann Sérandour – artistes associés au cycle que mène La Criée centre d’art contemporain autour du récit -, ainsi que Sophie Kaplan, curatrice et directrice de La Criée, et leurs invités Jean-Baptiste André, François Bonnet, Virginie Yassef, Sophie Lapalu et Nico Dockx ont arpenté les rayonnages de la Bibliothèque du Musée national d’art moderne, rencontré et échangé avec l’équipe de la Bibliothèque. Certains la connaissait depuis longtemps et y avaient déjà travaillé, d’autres la découvrait. Certains y sont venus régulièrement, d’autres plus ponctuellement. Certains y ont fait des recherches sur des fonds d’archives précis, d’autres sont partis dans des directions plus incongrues.
La restitution de leurs recherches dessinera un portrait de la Bibliothèque Kandinsky par ses marges, ses cotes, ses bruissements secrets…
Pour l’occasion les tables et vitrines de la salle de lecture de la BK formeront plusieurs îlots, où l’on découvrira les productions des artistes nées de leurs arpentages.

Le deuxième volet du projet aura lieu le mardi 6 février 2018 : événement à La Criée. Entrée libre sur réservation obligatoire à :
la-criee@ville-rennes.fr

Commissaires : Sophie Kaplan, directrice ainsi que Félicia Atkinson, Julien Bismuth et Yann Sérandour, artistes associé·e·s à la saison Alors que j’écoutais moi aussi […]
Artistes invités : Jean-Baptiste André, Félicia Atkinson, François Bonnet, Julien Bismuth et Virginie Yassef, Sophie Lapalu, Yann Sérandour et Nico Dockx.
Avec la participation de l’ensemble de l’équipe de la Bibliothèque Kandinsky.

http://www.centrepompidou40ans.fr/
http://www.criee.org/Alors-que-j-ecoutais-moi-aussi-la

La théorie à l’œuvre. L’art conceptuel américain

Le Centre national des arts plastiques (Cnap) et la Bibliothèque Kandinsky du Musée national d’art moderne/CCI, Centre Pompidou sont heureux de vous inviter à la rencontre avec Anaël Lejeune auteur de l’ouvrage : « La théorie à l’œuvre. L’art conceptuel américain » paru aux éditions (SIC).

Vendredi 24 novembre 2017 à 18h30
Bibliothèque Kandinsky
Centre Pompidou
Niveau 3

Entrée libre sur réservation à : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Anaël Lejeune présentera ce livre portant sur les rapports entre pratique et théorie artistiques dans le contexte de l’art conceptuel américain (ca. 1965-1975). Son analyse interroge notamment les outils théoriques mis en place par les artistes ou empruntés à d’autres champs de savoirs aux fins de la création artistique. L’ouvrage envisage ainsi l’influence exercée sur ces créateurs par divers textes européens – et particulièrement français – du champ des sciences humaines dans les années 1960 et 1970. Y sont étudiées des modalités, proposées par les artistes, d’interprétation et d’usage de ces outils et concepts théoriques ou philosophiques en fonction de leurs propres préoccupations.
Or ces outils et concepts ont subi des inflexions, des transformations, voire d’inévitables malentendus en raison du contexte américain au sein duquel ils ont été reçus. D’où l’attention portée à la composition du paysage culturel et intellectuel américain afin d’identifier certains des traits qui, au niveau artistique, culturel, philosophique ou autres, ont pu contribuer à la réception de certains aspects de la théorie continentale et en infléchir ou en modifier la compréhension.

Anaël Lejeune reviendra sur cet aspect de ses recherches à partir de l’évocation de deux dessins de Mel Bochner et de Douglas Huebler.

Anaël Lejeune enseigne l’histoire de l’art et la théorie des arts à l’Académie des Beaux-Arts de Bruxelles (Belgique). Ses recherches portent principalement sur l’art américain d’après-Guerre. Son précédent ouvrage intitulé Perspective et géométral. Problématisation de la sculpture aux Etats-Unis (1966-1973) est paru aux Presses du réel en 2015.

Ce livre a été réalisé avec le soutien à l’édition du Cnap.

(SIC) éditions, collection Continental Rift
Conception graphique : Charles Mazé et Coline Sunier
ISBN : 978-2-93-066715-7

www.sicsic.be
www.cnap.fr
www.centrepompidou.fr

Nouvelle acquisition – Revue Espacios

La bibliothèque Kandinsky vient d’acquérir 5 numéros de l’éclatante revue mexicaine « Espacios » parue entre 1948 et 1957. L’aventure démarre en 1948 lorsque deux jeunes architectes diplômés, Lorenzo Carrasco Ortiz et Guillermo Rossell de la Lama, décident d’éditer une revue d’architecture réunissant un bon nombre d’intellectuels et d’artistes. Dès le début ces jeunes directeurs décideront d’aborder les questions sociales économiques et culturelles. La question urbaine sera cruciale (voir les nombreux projets de planifications urbaines), les débats et les combats étant au cœur des revendications pour une reconstruction économique et sociale du pays dans la mouvance nationaliste de l’époque. On retrouvera d’ailleurs tout au long de la parution les projets urbains de Lorenzo Carrasco et Guillermo Rossell réalisés pour les villes de Cancún, Puerto Juarez, Ixtapa par exemple. La revue sera aussi l’organe de défense de l’architecture moderne au Mexique.

Destiné tout d’abord aux architectes, ce périodique semestriel au départ, affirme dès le début sa volonté de s’ouvrir aux arts plastiques et d’étendre son champ à la culture avec un sous-titre significatif : « rivista integral de arquitectura y artes plasticas ». Chaque numéro réunit plusieurs artistes de la photographie, de la littérature, du design, de la peinture qui en font une revue remarquable de par sa diversité. On remarquera par exemple des textes de Pablo Neruda dans le numéro 5/6, dans d’autres volumes des interventions de Mateo Ortiz, Luis Barragan, David Alfaro Siqueiros, Diego Riveira, Gisèle Freund, Manuel Alvarez Bravo… certains d’entre eux feront d’ailleurs partie du comité éditorial et rédactionnel de la revue.

C’est une revue qui a du relief, de la couleur, totalement nouvelle et originale dans sa conception et ses qualités esthétiques. De format oblong, reliée par une spirale, le regard est happé par ces couvertures dynamiques à la typographie élégante et par l’inventivité graphique de l’ensemble. Sans pagination précise, les sujets défilent rythmés par des inserts, des gravures dans un juste équilibre.

Baptisée « joyau éditorial »  Espacios a été numérisée dans son intégralité (soit 41 livraisons) en 2011 par la Facultad de Arquitectura/Universidad Autonoma de Mexico.

David Antin parmi Freud et Diderot. Critique d’art, narration et postmodernisme. Conférence par Camille Pageard

Le Centre national des arts plastiques (Cnap) et la Bibliothèque Kandinsky du Musée national d’art moderne/CCI, Centre Pompidou sont heureux de vous inviter à la conférence de Camille Pageard intitulée « David Antin parmi Freud et Diderot. Critique d’art, narration et postmodernisme ».

Mercredi 18 octobre 2017, à partir de 18h30

Bibliothèque Kandinsky

Centre Pompidou

Niveau 3

Entrée libre sur réservation à : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Poète, performeur et linguiste américain, David Antin (1932-2016) improvisait des poèmes parlés (talk poems) à l’invitation de musées ou d’universités. À partir du milieu des années 1960, il publie parallèlement des textes critiques sur l’art et la littérature dans des catalogues ou des revues telles que Artforum, Art News, boundary 2 ou Kulchur. Dans son œuvre critique, se croisent des poèmes parlés (talk poems), des études monographiques (sur Andy Warhol, Allan Kaprow, Marcel Duchamp, George Brecht…), et des essais sur la poésie ou sur Wittgenstein.

Les publications de talking, en 1972, et de parler aux frontières, en 1976, sont pour David Antin le signe d’un tournant décisif dans son œuvre. Elles offrent aux lecteurs une réflexion poétique qui s’élabore à partir de la fin des années 1960 et qui mènera aux  talk poems : improvisations devant une assemblée de discours poétiques ensuite enregistrés puis transcrits afin d’en saisir les aspérités, la fluidité et les digressions. Il s’agit aussi de la période où l’activité de critique d’art de David Antin est la plus dense et pendant laquelle il dirige le département d’art de l’Université de Californie (San Diego). Dans ses textes critiques comme dans ses performances et ouvrages poétiques, Antin passe aisément d’un champ à l’autre, tout à la fois observant le modernisme littéraire et artistique et proposant des lectures d’œuvres qu’il définit comme postmodernes.

Camille Pageard a reçu, en 2017, un soutien à la théorie et critique d’art du Cnap pour une recherche intitulée « This is postmodern stuff. David Antin en Californie ». À partir des archives personnelles du poète et critique d’art déposées au Getty Research Institute, il rendra compte de l’articulation que David Antin opère, au cours des années 1980, entre Denis Diderot et Sigmund Freud. La convergence de ces deux auteurs permit d’abord à Antin de résoudre des questions relatives à la définition de la notion de narration, mais également de réarranger certaines propositions de ses textes critiques et plusieurs motifs de son œuvre : mémoire, photographie et perception visuelle. Lors de cette soirée, Camille Pageard présentera également l’ouvrage « David Antin. Essais choisis sur l’art et la littérature » qu’il a traduit avec Jean-François Caro et publié, avec le soutien du Cnap, chez <o> future <o>.

Camille Pageard est historien d’art. Enseignant à l’erg (Bruxelles) et à l’ensba (Lyon), son travail lie l’histoire de l’art, de l’édition et de la poésie contemporaine. Ses recherches se concentrent autour de l’œuvre du poète et critique d’art David Antin. Il a traduit avec Jean-François Caro deux de ses recueils : parler aux frontières (Vies parallèles, 2017) et Essais choisis sur l’art et la littérature – 1966-2005 (<o> future <o>, 2017). Il est co-fondateur de la maison d’édition <o> future <o>.

http://f-u-t-u-r-e.org/

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Hommage à Marie-Hélène Breuil

« il a fallu longtemps pour reconnaître la toile nonpeinte  comme une des plus belles peintures de paysage. il a fallu que la toile peinte de la même couleur que le mur lui indique le chemin, en avant-garde. Il a fallu se planter devant un des modèles les plus anciens de la peinture, l’ouverture, l’entrée de la caverne, la fenêtre, reconnaître qu’une nouvelle étape pouvait être franchie, sauter le pas » (claude rutault, dé-finitions/méthodes 1973-2016, relire [sans bégayer] – réécrire [sans recopier] – repeindre [sans imiter])

La Bibliothèque Kandinsky du Musée national d’art moderne/CCI, Centre Pompidou est heureuse de vous inviter pour rendre hommage à Marie-Hélène Breuil, à son travail sur l’œuvre de Claude Rutault et sur la restauration d’art contemporain à l’occasion de la présentation des éléments des archives de Claude Rutault et de l’ouvrage « dé-finitions/méthodes 1973 – 2016 », Genève, Mamco, 2016

Jeudi 5 octobre, à partir de 18h30

Bibliothèque Kandinsky

Centre Pompidou

Niveau 3

Entrée libre sur réservation à : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Une table ronde en présence de Claude Rutault, David Kidman, cinéaste, et époux de Marie-Hélène Breuil, Thierry Davila, responsable des éditions au Mamco, Genève, Jean-Philippe Billarant, collectionneur et mécène, Jeanne Gailhoustet, artiste et directrice de l’École nationale des beaux-arts de Limoges, Emilie Parendeau, artiste, Marc Kopylov, éditeur aux Éditions des Cendres, Paris, Cécile Dazord, conservatrice et chercheuse au Centre de recherche et de restauration des musées de France (c2rmf) Agnès Cascio, restauratrice, Adriana Blendea, restauratrice.

Marie-Hélène Breuil est disparue le 1 avril 2016.

Son intérêt pour le travail de Claude Rutault date de plus de vingt ans, mais la collaboration s’est intensifiée avec le travail sur la publication de Claude Rutault, définitions/méthodes le livre, Paris, Productions Flammarion 4, 2000, livre entièrement réalisé par les Éditions des Cendres. Elle a publié de nombreux articles par la suite, organisé des expositions et également écrit quatre livres sur l’ensemble et sur les aspects spécifiques du travail de Claude Rutault ; claude rutault, le jeu de la peinture sur une grille de marelle, 2009-1971, Paris, Bernard Chauveau  Editeur, 2009. « Entretien écrit avec Claude Rutault », dans Michel Gauthier, Marie-Hélène Breuil, Claude Rutault, Paris, Flammarion, 2011, Claude Rutault, peinture, écriture, sociabilité́, Rennes, Presses Universitaires de Rennes, 2014 (le sujet de sa thèse de doctorat, soutenu en 2009), Claude Rutault, L’Inventaire, Genève, Mamco, 2015.

Sa contribution à la compréhension et interprétation du travail de Claude Rutault est largement reconnue et saluée. En 2015, elle a travaillé sur les archives de Claude Rutault en vue de leur donation à la Bibliothèque Kandinsky. Une sélection à partir du fonds d’archives conservé à la Bibliothèque sera présenté lors de la soirée.

En parallèle du travail sur Claude Rutault, Marie-Hélène Breuil a enseigné l’histoire de l’art au département de la restauration des œuvres sculptées à l’École supérieure des beaux-arts de Tours, en tant que co-coordinatrice du cycle ces dernières années, où elle a proposé, puis mené des études sur la restauration des œuvres contemporaines. Elle a mené des programmes de recherche sur des questions sur les possibilités de restauration des œuvres, compliquées par la conception, les matériaux, les technologies et leur obsolescence de ces travaux. Un croisement inévitable avec le travail de Claude Rutault s’est opéré. Un nouveau film en hommage à Marie-Hélène sera projeté lors de la soirée ainsi que son film portrait, réalisés par David Kidman.

Né en 1941 à Trois Moutiers (Vienne), Claude Rutault vit et travaille à Vaucresson (Hauts-de-Seine). En 1973, il énonce sa première « définition/méthode » (d/m) : « une toile tendue sur châssis peinte de la même couleur que le mur sur lequel elle est accrochée. sont utilisables tous les formats standard disponibles dans le commerce qu’ils soient rectangulaires, carrés, ronds ou ovales. l’accrochage est traditionnel. » Depuis, il en a proposé plusieurs centaines d’autres, qui ont toutes pour ambition de viser à une déconstruction générale des modes d’existence du tableau.

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Cycle CNAP-BK. The Middle of the World, Yonatan Vinitsky et les éditions Empire

Samedi 30 septembre 2017, de 14h à 17h

Bibliothèque Kandinsky

Centre Pompidou

Niveau 3

Entrée libre sur réservation à : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Inspiré par les célèbres albums de collection d’images à coller, cet ouvrage oscille entre un livre d’artiste et un livre documentaire sur l’art. Il peut recevoir une collection de près de 300 images autocollantes.

Au cours de cet après-midi, le public est appelé à contribuer à une session de finalisation des ouvrages en y collant les images qui les constituent. La séance sera rythmée par des interventions de l’artiste et des graphistes du collectif Syndicat qui reviendront sur l’historique du projet.

À travers son livre « The Middle of the World », Yonatan Vinitsky s’est intéressé aux ateliers de 14 artistes internationaux qui ont marqué son apprentissage et sa pratique artistique. Ce sont les ateliers d’Absalon, Yaacov Agam, Alexander Calder, Marc Chagall, Lygia Clark, Naum Gabo, Rupprecht Geiger, Matt Montini, Bruno Munari & Leo Lionni, Ezra Orion, Chana Orloff, David Perlov, Dorothea Rockburne qui ont été examinés et revisités. L’ouvrage est composé des contributions inédites de plus de 40 artistes, écrivains, designers, architectes, photographes et autres praticiens, mêlant performance, illustration, peinture, sculpture, numérisation et autres expériences qui examinent et activent le sujet et la place de l’atelier d’artiste aujourd’hui.

Contributeurs du livre : David Adika, François Aubart, Ellie Armon Azoulay, Ariella Azoulay, Ewa Bickels, Alice Channer, Helena de Laurens, Sophie Delpeux, Vanessa Desclaux, Oliver Evans, Jacob Farrell, Ryan Gander, Marie-Ange Guilleminot, Mark Higden, Sam Hryckow, Benjamin Lafore  & Sébastien Martinez-Barat, Myriam Lefkowitz, Achim Lengerer, Cédric Libert, Mathieu Loctin, Rebecca May Marston & Barnie Askew Page, Susan Meiselas, Aurélien Mole, Hans Ulrich Obrist, Ourie Ophir Azoulay, Émile M. Ouroumov, Janina Pedan, Florent Pierre, Pierre-Alain Poirier, Élodie Royer & Yoann Gourmel, Karin Ruggaber, Tom Shay, Moran Shoub, Sam Thorne, Ben Toms, Emilia Vinitsky Armon, Jonathan P. Watts, Hugo Wheeler, Jennifer Winkworth, Raphaël Zarka.

Ouvrage publié avec le soutien à l’édition du Cnap.

Anglais/français
304 pages
235 × 305 mm
Couverture rigide
CMJN + 1Pantone©
290 autocollants

Conception graphique : Syndicat

ISBN: 979-10-95991-038
www.e-m-p-i-r-e.eu/

www.cnap.fr

www.centrepompidou.fr

Le carnet de recherche de la Bibliothèque Kandinsky, Musée National d'Art Moderne, Centre Pompidou, Paris