TRAFIC 93. DOSSIER « HARUN FAROCKI »

farocki

Le 37e Cinéma du réel, en collaboration avec la Bibliothèque Kandinsky présentent 

le Numéro 93 de la revue TRAFIC (printemps 2015) consacré à Harun Farocki.

 

 

 

VENDREDI 27 MARS à 18h30 à la Bibliothèque Kandinsky

En présence de Raymond Bellour, Sylvie Pierre, Patrice Rollet et Christa Blümlinger.

Entrée libre sur réservation obligatoire par courriel : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque vous sera délivrée lors de la confirmation d’inscription)

BIBLIOTHEQUE KANDINSKY – CENTRE POMPIDOU- Niveau 3

A quoi tient le design

A quoi tient le design ?

 

 

Dans le cadre du cycle de rencontres mensuelles autour de livres et de recherches en théorie et critique d’art, soutenus par le CNAP, la BIBLIOTHEQUE KANDINSKY du Musée national d’art moderne/CCI au Centre Pompidou

et le CENTRE NATIONAL DES ARTS PLASTIQUES (CNAP) présentent :

À QUOI TIENT LE DESIGN publié par De L’Incidence Éditeur

en présence de l’auteur Pierre-Damien Huyghe et d’Olivier Koettliz

MERCREDI 18 MARS 2015, 18H30

BIBLIOTHEQUE KANDINSKY

Entrée libre sur réservation à reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque vous sera délivrée lors de la confirmation d’inscription)

« À quoi tient le design », cette phrase est dite d’abord pour affirmer que le design fut une attitude historiquement décidée à l’articulation des XIXe et XXe siècle au sein même de la société industrielle. Mais celles et ceux qui aujourd’hui entreprennent d’inscrire quelque chose de leur personne et de leur existence au nom du design tiennent-ils toujours à cette attitude ? Leur paraît-elle seulement plausible ? Ce qui procéda certes d’un élan et d’une conviction, mais sut aussi marquer l’époque de quelques faits décisifs (accrochés à la mémoire en tout cas, comme le Bauhaus) est peut-être en train de perdre quelques traits essentiels de son caractère. Peut-être sommes-nous à un tournant, mais peut-être seulement. Faut-il se presser de conclure sur ce point ? Rien n’est moins sûr. En étudiant, par divers biais et de diverses manières les engagements du design historique, ce livre doute qu’une autre époque nous concerne substantiellement. « À quoi tient le design » n’est donc pas exactement – ou pas seulement – une affaire d’histoire. Même sans savoir précisément en quoi, attendant sans doute une philosophie à la fois précise et inquiète quant à ce qui se joue, nous tenons encore à ce à quoi le design a tenu, nous sommes toujours concernés par ses conditions de possibilité. Aux poussées techniques industrielles qui motivèrent autrefois le design se sont substituées des poussées techniques qui n’ont pas la même nature matérielle. Mais ce sont toujours des poussées techniques, et prises comme avant dans une économie. Si le design tient, c’est, ce sera pour qu’elles ne soient pas seulement ainsi prises, mais pour qu’elles parviennent à un mieux naguère appelé « forme » et qu’ainsi parvenues, elles prennent davantage d’allure.

Cet ouvrage a bénéficié de l’aide à l’édition du CNAP.
Essai en six fascicules, 490 pages // réparties en 6 fascicules // décembre 2014

 

anarchivistes

Faisant écho aux célébrations du 20ème anniversaire d’anarchive, la Bibliothèque Kandinsky dédie une exposition documentaire au parcours des artistes collaborateurs de cette collection unique.

Fondée à l’initiative d’Anne-Marie Duguet anarchive, est « une collection de projets multi-médias interactifs invitant à explorer l’ensemble de l’œuvre d’un artiste à partir d’archives multiples. » Si, aujourd’hui, les archives d’artiste attisent de plus en plus la curiosité, voire l’intérêt, les cinq éditions d’anarchive paraissent totalement précurseurs. Ces cinq ouvrages déjà publiés et les trois prochains qui verront bientôt le jour sont autant de tentatives non seulement de documenter d’une manière originale l’œuvre de l’artiste concerné, fournissant à son lecteur d’innombrables possibilités d’approche, mais également de constituer un vocabulaire artistique critique par les artistes qui y prêtent/dévoilent leurs archives. Ces artistes associés sont particulièrement sensibles à la rigidité/sévérité des systèmes de représentation et élaborent des techniques d’expression insubordonnées pour appréhender le monde qui les entoure, au moment où les images et surtout les images en mouvement commencent à occuper toute une nouvelle place dans la culture contemporaine. Ce n’est donc certainement pas un hasard que tous les artistes participants aient utilisé la vidéo, nouveau medium inexploré et dont les limites et les contours restent à être expérimentés.

De la vidéo, les anarchivistes font un terrain d’expérimentation sémiologique. A l’opposé des systèmes de signifiants dominants, bien établis dont les artistes critiquent la structure, le langage de la vidéo n’est pas encore fixé, ni défini au moment où ils l’investissent. Profitant de cette période de passage, les artistes en interrogent les possibilités plastiques et esthétiques afin de mettre en place de nouvelles stratégies d’image, libres et libérées. Antonio Muntadas « lit entre les lignes pour saisir les significations objectives et subjectives des images », il dévoile les « mécanismes invisibles » des systèmes de représentation et d’information tel que les médias, la télévision et la publicité, en mettant en place des « stratégies d’appropriation, de fragmentation, de décomposition, d’isolement, de recadrage ». Jean Otth perturbe l’espace TV qui commence à occuper de plus en plus nos vies, et propose un scénario pour rendre visibles « les esthétiques sous jacentes du langage télévisuel [qui] ont plus d’importance que les esthétiques consenties et assumées par les producteurs d’images ». Thierry Kuntzel « traverse le paradoxe » pour se placer dans un environnement où l’absence est au moins l’égale de la présence. Dans son imagerie, la « représentation se joue sur le mode de l’épuisement. Elle devient le lieu d’une tension vers l’absence, mais une absence « chauffée à blanc », incandescente, qui résiste. » Et « dans Nostos II, l’image brûle dans son être même, retour du retour de la nostalgie, jusqu’à l’insoutenable […] travail sur la trace, l’effacement, les ressaisies de la mémoire. Il nous montre aujourd’hui comment une mémoire brûle ». Michael Snow se veut sans système et volontiers amateur pour s’éloigner des sentiers battus de l’art. Ses expérimentations poussent les mouvements de caméra et le langage cinématographique jusqu’à leur extrême, jusqu’à ce qu’ils perdent toute référence habituelle et il essaie « de faire en sorte qu’un élément particulier du cinéma devienne le protagoniste de l’événement filmique ». Fujiko Nakaya connue pour ses sculptures de brouillard qui entraînent le visiteur dans un environnement enveloppant, de perte de référence, investit également l’image vidéo, pourtant medium frontal, nécessitant une certaine distance. « Elle développe avec des collectifs comme Video Hiroba, une approche fondée sur le document et la discussion immédiate des événements grâce au feed-back électronique, dans le cadre d’interventions sociales. Le contexte international est celui de l’après-68 et la « vidéo légère » est alors un instrument idéal pour engager un dialogue et témoigner, enregistrer au quotidien des situations et des paroles que les grands médias ignorent. »

Les documents exposés ici témoignent d’une part de la participation de ces artistes au projet d’anarchive et d’autre part s’efforcent de donner quelques éléments de réflexion supplémentaires qui traversent leur travail et qui affectent notamment leur approche de la vidéo, a fortiori des images en mouvement.

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Vers une géographie des reproductions photographiques : le cas d’une image-fétiche des publications d’avant-garde.

« La Tour Eiffel, ou l’histoire d’un cliché » est le titre d’une brève que le théoricien d’avant-garde tchèque Karel Teige consacre en 1929 à une vue photographique à vol d’oiseau de la Tour Eiffel, dans la revue ReD (Revue Devětsil)[1]. Il y recense les apparitions successives de la même image dans différentes publications françaises et tchèques, sur un laps de temps d’une vingtaine d’années. À l’époque déjà, le théoricien et chef de file du mouvement d’avant-garde Devětsil[2] pressentait que l’anecdote était symptomatique de la circulation des reproductions photographiques au sein des publications illustrés ; il ne se doutait pas à quel point elle nous apparaitrait aujourd’hui révélatrice de la densité des échanges internationaux entre les avant-gardes artistiques. Au gré des prélèvements successifs de Karel Teige et du Corbusier, en quête d’illustrations pour leurs ouvrages et revues, et même par le peintre Robert Delaunay cherchant l’inspiration, l’image change de contexte, subit des ajustements formels, retouches et recadrages, et voit sa signification infléchie par le discours qui l’accompagne. L’histoire des techniques de reproduction photomécanique constitue la toile de fond sur laquelle se déroulent ces transferts et nous permet de mieux appréhender les motivations d’ordre pratique des acteurs qui y prennent part.

 

Aux origines de la prise de vue

À l’origine, la vue de la Tour Eiffel avait été publiée dans un ouvrage de 1909 intitulé Paris vu en ballon et ses environs, avec une trentaine d’autres photographies aériennes prises par les photographes André Schelcher et Albert Omer-Décugis [ill.1][3]. Prise à cinquante mètres du sommet, à l’aide d’un appareil orienté presque perpendiculairement à la Tour, la photographie place sur un même plan la silhouette incurvée du monument et les arabesques que dessinent les allées sablonneuses des jardins du Champ de Mars. Comme le souligne l’historien de la photographie Thierry Gervais, l’attrait formel de la prise de vue, celui-là même qui éveillera l’intérêt des avant-gardes, répondait avant tout à des intérêts commerciaux[4]. Grâce à la prouesse technique et au caractère novateur de la vue aérienne ainsi qu’à un traitement formel pittoresque, l’image promettait en effet de faire sensation auprès du public. Elle connaîtra de fait une large diffusion.

[1] Anonyme [Karel Teige], « Eiffelka, čili historie jednoho klišé » [La Tour Eiffel, ou l’histoire d’un cliché], ReD, II, n°7, mars 1929, p.222.

[2] L’Union artistique « Devětsil » dont le nom veut littéralement dire « neuf forces », fut instituée le 5 octobre 1920 à Prague. Le poète Jaroslav Seifert, membre fondateur du groupe, explique, dans son autobiographie romancée (Toutes les beautés du monde: Souvenirs et histoires vécues, trad. Milena Braud, Paris, Belfond, 1991, p.258), que ce nom faisait référence à une plante médicinale, la pétasite en français, à laquelle la croyance populaire attribuait neuf vertus curatives. Devětsil était le groupe le plus radicalement avant-gardiste du nouvel état tchèque durant les années vingt, avant d’être dissous en 1930. Mais il fut frappé d’omerta durant la période communiste qui suivit le coup d’état de 1948 et possède de ce fait une historiographie récente: František Šmejkal (éd.), Devětsil: Czech avant-garde art, architecture and design of the 1920s and 30s, cat.exp., Oxford, Museum of Modern Art, 1990 ; Jaroslav Anděl (éd.), El arte de la vanguardia en Checoslovaquia 1918-1938 / The Art of the Avant-garde in Czechoslovakia 1918-1938, 10 fév.-11 avr. 1993, Valence, IVAM, Valence, IVAM, 1993 ; Jaroslav Anděl, Emmanuel Starcky (éd.), Prague 1900-1938, capitale secrète des avant-gardes, 15 juin-13 oct. 1997, Dijon, Musée des Beaux-Arts, Dijon, Musée des Beaux-Arts, 1997.

[3] Albert Omer-Décugis, André Schelcher, Paris vu en ballon et ses environs, Paris, Hachette et Cie, 1909.

[4] Thierry Gervais, « Un basculement du regard », Études photographiques, mai 2001 : http://etudesphotographiques.revues.org/916. Consulté le 30 septembre 2014.

CINEPLASTIQUE

INTRODUCTION A LA CINEPLASTIQUE

LE GESTE GRAPHIQUE

VENDREDI 6 MARS – 12H – CINEMA 2 – ENTREE LIBRE

« Cinéplastique » est un cycle annuel de séances pédagogiques présentées par Arnaud Maillet, Maître de Conférences à l’UFR d’Art et d’Archéologie, conçu en partenariat avec l’Université Paris-Sorbonne et accompagnant la projection de films et de vidéos des trois collections du Musée National d’Art Moderne : la collection Film, la collection Nouveaux médias et la collection audiovisuelle de la Bibliothèque Kandinsky.

Hans Namuth, Jackson Pollock © Centre Pompidou, MNAM-CCI
Hans Namuth, Jackson Pollock © Centre Pompidou, MNAM-CCI

La prochaine séance portera sur le thème du geste graphique et la Bibliothèque Kandinsky programme, à cette occasion, quatre films ayant marqué l’histoire du film sur l’art :

-Visite à Picasso de Paul Haesert, réalisé en 1949, où la vie du peintre est portée à l’écran au moyen d’un ingénieux système permettant de suivre la gestualité et les mouvements de l’artiste aux prises avec la naissance d’une œuvre. Picasso y peint derrière une vitre dont la transparence nous permet d’observer l’évolution de sa composition.

-Jackson Pollock réalisé en 1951 par Paul Falkenberg et Hans Namuth. Le film reprend le système de visionnage à travers la vitre qui cette fois est placée au sol afin de respecter la technique du dripping de l’artiste qui plaçait ses toiles au sol au moment de les peindre. Chaque hésitation devient visible pour le spectateur : après une première tentative sur verre l’artiste insatisfait efface son tableau pour en recommencer un autre.

Henri Matisse de François Campaux réalisé en 1946. La caméra suit le processus créateur geste par geste et l’œuvre se crée sous le regard du spectateur pendant la fameuse séquence du ralenti. On peut ainsi ressentir jusqu’aux doutes, aux hésitations et aux repentirs de l’artiste.

-Enfin un film inédit sur Vassily Kandinsky, véritable témoignage historique, montrant l’artiste en train de peindre un tableau qui est montré fini en tout début de film.

Programme de la séance :

Hans NAMUTH & Paul FALKENBERG, Jackson Pollock, 1951
film 16 mm couleur, sonore, 10’14’’

François CAMPAUX, Henri Matisse, 1946
film 16 mm, noir et blanc, sonore, 22’

Paul HAESAERT, Visite à Picasso, 1949
film 16 mm, noir et blanc, sonore, 20’18’’

Anonyme, [Kandinsky en train de peindre], s.d.
film, noir et blanc, silencieux, 2’49’’

Gary HILL, Picture Story, 1979
vidéo, NTSC, couleur, sonore, 6’27’’.

Renseignements : valentina.valentini@centrepompidou.fr

IMAGE EMPLOYMENT

Mark Leckey, GreenScreenRefrigerator. 2010. Avec l’aimable autorisation de l’ artiste et de Gavin Brown' enterprise (NYC).
Mark Leckey, GreenScreenRefrigerator. 2010. Avec l’aimable autorisation de l’ artiste et de Gavin Brown’ enterprise (NYC).

 

La Bibliothèque Kandinsky du Musée national d’art moderne/CCI vous invite à la présentation de

IMAGE EMPLOYMENT

en présence de Aily Nash et Enrico Camporesi

Jeudi, 19 février 2015, à partir de 18h30

Entrée libre sur réservation obligatoire : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Image Employment est un programme de recherche interdisciplinaire qui explore l’image en mouvement pour révéler   la notion de force de travail dans le contexte contemporain et ses divers moyens de production dans ses registres les plus variés (industriel, sociétal, informationnel, consumériste). Le projet documente les situations multiples de générativité d’image et les formes d’autoreprésentation instrumentalisées par la société capitaliste. Le traitement qu’Aily Nash fait partager à partir de son corpus de films et de vidéos se place dans un entre-deux critique, entre distance objective et complicité avec les processus internes de représentation. L’analyse de la production de l’image crée à son tour des temporalités et des expériences du regard différentes.

Image Employment sera présenté par sa commissaire Aily Nash comme une conférence qui examine les œuvres et les idées explorées dans ce projet multiple. La présentation sera entrecoupée d’extraits par la plupart des images en mouvement évoquées.

Image Employment, organisée par Aily Nash et Andrew Norman Wilson, a pris la forme d’une exposition au MoMA PS1 (New York) à l’automne 2013 et de différents programmes à FACT Liverpool, Iowa Museum of Art, Import Art Projects (Berlin), Art Dubai et CCS Bard / Basilica Hudson. Au printemps de 2014, Image Employment a fait l’objet d’un séminaire à Parsons The New School for Design et Bruce High Quality Foundation University.

Le projet comprend des œuvres de Michael Bell-Smith, Neil Beloufa, Guy Ben-Ner, Ben Brown Thorp, DIS Magazine, Harm van den Dorpel, Daniel Eisenberg, Kevin Jerome Everson, Harun Farocki, Zachary Formwalt, Mark Leckey, Sharon Lockhart, frères Lumière, Lucy Raven, Ben Rivers, Hito Steyerl, Superflex, Pilvi Takala, Ryan Trecartin et Andrew Norman Wilson.

La conférence (en anglais) sera suivie par une discussion avec le public et modérée par Enrico Camporesi.

Aily Nash, commissaire d’exposition, vit et travaille entre Hudson et Brooklyn, New York. Elle est programmatrice pour Projections, la section des films et vidéos expérimentaux du New York Film Festival. Elle a conçu des programmes et des expositions pour MoMA PS1 (NYC), FACT (Liverpool), BAM Brooklyn Academy of Music (NYC), Anthology Film Archives (NYC), Northwest Film Center (Portland), Image Forum (Tokyo). Ses écrits ont paru dans Brooklyn Rail, Artforum.com, Film Comment, De Filmkrant. Actuellement elle est programmatrice des film et médias à Basilica Hudson, co-organise Talent Press, un programme de critique de cinéma à la Berlinale, et enseigne à Bruce High Quality Foundation University (NYC).

Enrico Camporesi, chercheur à l’Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3 et à l’Université de Bologne, prépare actuellement une thèse sur des problèmes de restauration et muséologie du film d’artiste et expérimental. Il écrit régulièrement sur l’image en mouvement pour plusieurs revues (Millennium Film Journal, Fata MorganaNecsus – European Journal of Media StudiesLa Furia Umana). Il a également conçu des programmations de films/vidéos pour, entre autres, le Centre Pompidou, Light Cone, Cineteca di Bologna, Millennium Film Workshop, et Microscope Gallery (NY).

La conférence a été organisée grâce au soutien du LIRA (Laboratoire International de Recherches en Arts) – Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3.

SCULPTURE IN REVERSE par Michael Heizer – Éditions Lutanie

 

sculpture reverse

Dans le cadre du cycle de rencontres mensuelles autour de livres et de recherches en théorie et critique d’art, soutenus par le CNAP,

La Bibliothèque Kandinsky du Musée national d’art moderne/CCI, Centre Pompidou et le Centre national des arts plastiques (CNAP) vous invitent à la présentation de Sculpture in Reverse, de Michael Heizer, en présence de Manon Lutanie, éditrice, et de Raphaëlle Brin, traductrice de l’ouvrage.

Mercredi 21 janvier 2015, à 18h30

Entrée libre sur réservation : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Paru à l’automne 2014 aux Editions Lutanie, Sculpture in Reverse est la réédition et la traduction d’un entretien conduit en novembre 1983 par Julia Brown, critique d’art et commissaire au Museum of Contemporary Art de Los Angeles et publié en 1984 dans le catalogue de l’exposition Michael Heizer, Sculpture in Reverse (MOCA, Los Angeles). L’entretien original est reproduit ici en fac-similé, et sa traduction est accompagnée d’autres images du catalogue initial, agencées dans un nouvel ordre élaboré en étroit échange entre Michael Heizer et Manon Lutanie. Lieu qui fait entendre la voix d’un artiste majeur du premier Land Art américain, lieu également d’une aventure de la recherche et de la réactivation éditoriale, Sculpture in Reverse est à la fois une réflexion sur les modalités de reproduction de l’art et sur les qualités typographiques d’un catalogue-clé de l’édition contemporaine.

À cette occasion, Hard Core, le film réalisé par Walter de Maria en 1969 dans le désert Black Rock de Nevada et  auquel Michael Heizer contribue, sera projeté et présenté par le critique de cinéma Antoine Thirion.

Les vitrines de la Bibliothèque Kandinsky seront consacrées à Michael Heizer.

L’ouvrage a reçu le soutien du Centre national des arts plastiques (CNAP).

http://www.editionslutanie.fr/

http://www.centrepompidou.fr/

http://www.cnap.fr/

Gustave Miklos. Un grand œuvre caché, éd. Fata Libelli, 2013

Miklos

Danuta Cichocka, libraire, expert en livres de bibliophilie, offre un premier volume sur l’œuvre de l’artiste hongrois dans le domaine du livre et de la reliure, qui a pour mérite d’attribuer à leur véritable auteur les travaux que Miklos a effectués dans l’ombre pour François-Louis Schmied, Jean Dunand ou Jean Goulden.

Ce travail de restitution s’appuie en grande partie sur un cahier des « travaux exécutés pour François », conservé par ses ayants droit.

Gustave Miklos y apparaît comme le grand artiste du renouvellement de l’art du livre au XXe siècle dans la mouvance du cubisme et du style Art déco.

Ayant donné l’impression d’abandonner subitement la peinture en 1921, Miklos a en réalité mis son talent au service de l’atelier Schmied-Dunand, pour lequel il réalisa de somptueux livres de 1922 à 1941.

Le dessin est épuré, les compositions d’une construction très sûre dynamisées par les jeux géométriques et les aplats de couleur. Dans la lignée des Ateliers viennois, virtuosité décorative et richesse ornementale animent des sujets dont l’illustration puise à profusion dans les arts minoen, grec, byzantin, oriental, dans l’art populaire d’Europe de l’Est. L’audace formelle, structurelle, chromatique faisait dire à la critique de l’époque qu’on était en présence d’une « nouveauté d’aspect prodigieux ». Or des années de recherche montrent que l’éloge revient à Gustave Miklos. En fait, on comprend qu’il a financé sa pratique de sculpteur sur métal par la production de livres de bibliophilie.

Le 1er volume établit le catalogue raisonné de l’œuvre pour le livre et la reliure. Un 2e volume, catalogue raisonné de l’œuvre de sculpteur, peintre et décorateur, paru en septembre 2014, est dans nos listes d’acquisition.

The Art of the Adivasi, Musée d’art moderne, Hyogo, 1988

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Un catalogue d’exposition sur l’art des Adivasi est entré dans les collections. Les Adivasi sont un groupe ethnique autochtone de l’Inde. La question des contacts culturels étant un sujet universellement sensible, montrer leur production artistique au japon avait entraîné une polémique en Inde en raison des éventuels effets négatifs que ces contacts auraient sur la tribu : dénaturation de l’art, « spoliation déguisée ». Le commissaire contestait ce risque arguant du fait que nul n’est totalement coupé d’une influence extérieure et que le contact n’implique en rien l’abandon de sa culture d’origine.

Scènes de la vie domestique, scènes de la vie agricole, figures en bronze représentant la faune locale, masques, tuiles faîtières décoratives en argile, le sujet est inhabituel pour la Bibliothèque Kandinsky. Rentré dans les collections suite à l’exposition documentaire présentée Galerie du Musée, au Centre Pompidou, été 2014, pour les 25 ans des Magiciens de la Terre, ce catalogue pourra intéresser les historiens des arts primitifs. A notre connaissance le catalogue n’est dans aucune autre bibliothèque en Europe. Worldcat ne le localise qu’en Amérique du Nord.

Frédéric Bruly Bouabré, éd. X. Barral, 2013

 

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La bibliothèque a acquis en 2014 le précieux coffret des œuvres de Frédéric Bruly Bouabré. Edité conjointement par Agnès b et Xavier Barral, ces quatre volumes exhaussent le vœu de l’artiste de voir son œuvre publiée de son vivant.

Le 1er volume reproduit les pensées, songes, révélations consignés de 1945 à 1963 dans le Livre des lois divines révélées.

Le 2e compile l’alphabet bété mis au point à partir de 1950 par l’artiste pour offrir une écriture à sa culture d’origine, celle du peuple bété de Côte d’Ivoire, un alphabet dessiné, composé de syllabes, données avec leur prononciation.

Dans les années 1970 Bruly Bouabré développe sa manière de dessins au stylo-bille et crayons de couleur sur carton, entourés d’un texte en lettres capitales, dont le 3e volume donne deux exemples sous forme de contes, les formes primitives du conte et du dessin se trouvant soutenues par l’écriture en français, apprise à l’école française.

Tout l’œuvre de Bruly Bouabré est le fruit du souci de transmettre aux générations futures, sans rien y changer, le savoir qu’il a hérité des anciens, un patrimoine oral, véhiculé par des générations ; il consigne la tradition mise ainsi au service de l’éducation.

Le 4e volume rassemble photographies, autobiographie, correspondance, dans une langue imagée, savoureuse, qui traduit un esprit inspiré par l’amour qu’il a reçu.

Bruly Bouabré délivre un message de sagesse, de bonté, qu’il nous enjoint à cultiver.

Son premier conseil : être concis.

ART BY TELEPHONE… RECALLED

Art by telephone

ART BY TELEPHONE … RECALLED

Vendredi 16 Janvier 2015, à 18h30

 

Entrée libre sur réservation obligatoire : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Commissaires des expositions/éditeurs du livre : Sébastien Pluot et Fabien Vallos.

Art by Telephone est une exposition conçue par Jan van der Marck, en 1969, au Museum of Contemporary Art de Chicago. Parmi la petite dizaine d’initiatives, fondatrices de la mise en espace de “l’art conceptuel“ de 1967 à 1970, elle est l’une des plus singulières. La description et la transmission des consignes des trente-sept artistes furent supportées par des enregistrements téléphoniques dont le transfert sur un disque microsillon 33 tours tint lieu de catalogue. Par ses références à Marcel Duchamp et aux Telephone Pictures de László Moholy- Nagy, elle est la seule à penser une généalogie des pratiques conceptuelles depuis les avant- gardes historiques.

Art by Telephone… Recalled a été initiée par le programme de recherche En Traduction codirigé par Sébastien Pluot et Fabien Vallos à l’Ecole des Beaux-arts d’Angers. Une série de séminaires ont été développés sur la remise en question de la notion d’original et d’autonomie de l’œuvre, la destitution de la figure de l’auteur, les conséquences éthiques des processus de délégation, de traductibilité et d’opérativité, les phénomènes de versionnage et de dissémination du sens.

De 2012 à 2014, une série d’expositions ont eu lieu simultanément à l’École Supérieure des Beaux-arts d’Angers, au cneai= à Paris, au Capc, musée d’art contemporain de Bordeaux, à la Emily Harvey Foundation de New York, au San Francisco Art Institute, à La Panacée, Centre de culture contemporaine de Montpellier. Chacune de ces expositions a été réalisée avec des étudiants et de jeunes diplômés des écoles d’art qui l’ont accueillie et avec des contributions d’étudiants de l’École d’Enseignement Supérieur d’Art de Bordeaux, de l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles, et du Barnard College, University of Columbia de New York. Par ailleurs, une série de discussions ont été organisées avec des artistes et des universitaires spécialistes de l’art contemporain. Le présent ouvrage est la somme des recherches théoriques et pratiques qui ont été produites durant ces quatre années. Il permet la redécouverte d’un projet d’exposition et contribue à une compréhension de la pratique artistique depuis les années 1960.

Art by Telephone… Recalled

With texts and works by / Avec les textes et les œuvres de : A Constructed World, The Big Conversation, Mel Bochner, Jean­Baptiste Carobolante, Dieudonné Cartier, Alessandro De Francesco, Jérémie Gaulin, Hans Haacke, Hannah Higgins, Silvia Kolbowski, Quentin Lannes, Nicolas Linel, Eve Meltzer, Brian O’Keeffe, Alice Pialoux, Sébastien Pluot, Julia Robinson, Aurélien Talbot, Fabien Vallos, Jan van der Marck, Chiara Vecchiarelli.

Editors / Directeurs de la publication : Sébastien Pluot & Fabien Vallos

Editorial coordination / Coordination éditoriale: Alice Pialoux Graphic design / Graphisme : Dieudonné Cartier

Page number / Nombre de pages : 502 pages

Distribution / Distribution: R-Diffusion

Co-edition / Co-édition : éditions Mix, La Panacée, cneai=, esba- Talm, Ebabx

BIBLIOTHEQUE KANDINSKY,  Centre  Pompidou, Niveau 3      75004, Paris

ECHOES OF EXILE. Moscow Archives and the Arts in Paris 1933-1945

echoes of exile

Présentation et discussion avec  Ines Rotermund–Reynard, Isabelle le Masne de Chermont, Bénédicte Savoy, Sandra Dahlke et Didier Schulmann

MERCREDI, 17 DECEMBRE 2014

18H30

BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

Entrée libre sur réservation obligatoire à reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque sera délivrée lors de la confirmation de réservation)

A partir de 1933, le régime national-socialiste a poussé des milliers d’allemands sur les routes de l’exil. Paris devint alors la capitale de « la meilleure Allemagne », selon le mot de Heinrich Mann. Artistes, journalistes, écrivains, historiens, hommes politiques, sans parler de tous ceux qui fuirent parce que Juifs,  y exprimèrent librement, avec leurs moyens artistiques et intellectuels, leur opposition aux Nazis. Au début de la guerre la grande majorité des ces exilés furent internés dans des camps français. En 1940, l’armée allemande envahit la France : la documentation, les papiers et la correspondance des exilés constituèrent les premières cibles de l’Occupant. Tout ce matériel devint alors du « displaced object » – confisqués, déplacés, spoliés, mais aussi souvent miraculeusement préservés.

Depuis la fin de la guerre certaines de ces sources sont conservées dans les Archives spéciales/RGVA à Moscou. Confisqués par l’armée allemande à partir de 1940, ces fonds furent saisis au titre de trophées par l’Armée Rouge dans les ruines de l’IIIème Reich et transférés en Union soviétique. A Moscou, ils restèrent – jusqu’à la perestroïka – exclusivement accessibles aux membres du KGB. Leur existence, leur divulgation, leur exploration toute récente et l’insertion des données qu’ils révèlent constituent un évènement majeur de l’historiographie et de l’archivistique du mouvement des idées, au cours des années trente.

Le livre Echoes of Exile – Moscow Archives and the Arts in Paris 1933-1945 présente de nouvelles perspectives de recherche, qui résultent, entre autres, du dépouillement des documents conservés à Moscou et permettent de jeter un nouveau regard sur l’épicentre culturel que fut Paris pour ces exilés pendant les années 1930. Les contributions des onze auteurs français, russes, américains et allemands s’inscrivent dans le débat actuel autour des biens spoliés et de leur restitution ouvrant ainsi un large dialogue scientifique interdisciplinaire et transnational.

Ines Rotermund-Reynard, docteur en histoire de l’art, éditrice du livre «  Echoes of Exile. Moscow Archives and the Arts in Paris 1933-1945 », directrice du projet de recherche « Les Archives spéciales de Moscow et les arts à Paris 1933-1945 », organisé par l’Institut historique allemand de Moscou (DHI Moskau) en coopération avec le Centre allemand d’histoire de l’art à Paris.

Isabelle le Masne de Chermont, archiviste paléographe, directrice du département des manuscrits de la BNF, co-commissaire de l’exposition » A qui appartenaient ces tableaux ? » (2008), co-auteur avec Didier Schulmann du rapport « Le pillage de l’art en France pendant l’occupation et la situation des 2000 œuvres confiées aux Musées nationaux » (2000), co-éditrice de la nouvelle édition de « Rose Valland, Le Front de l’Art : Défense des collections françaises, 1939-1945 », Paris 2014.

Bénédicte Savoy, professeur d’histoire de l’art à l’Université TU Berlin, auteur de nombreux travaux consacrés à l’histoire des spoliations artistiques entre France et Allemagne (« Patrimoine annexé : les saisies de biens culturels opérées par la France en Allemagne autour de 1800 », Paris 2003), à la naissance des musées d’art en Europe et à la mise en place transnationale, aux XVIIIe et XIXe siècles, de disciplines universitaires telles l’archéologie et l’histoire de l’art.

Sandra Dahlke, directrice adjointe de l’Institut historique allemand à Moscou (DHI Moskau), historienne et spécialiste de l’histoire de l’Union soviétique, auteur du livre « Individuum und Herrschaft im Stalinismus : Emel’jan Jaroslavskij (1878- 1943 »), München 2010.

Didier Schulmann, Conservateur au Musée national d’art moderne, Bibliothèque Kandinsky, co-auteur avec Isabelle le Masne de Chermont du rapport « Le pillage de l’art en France pendant l’occupation et la situation des 2000 œuvres confiées aux Musées nationaux » (2000).

BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

Centre Pompidou, niveau 3, 75004, Paris

 

 

FABRIQUES DU CINÉMA EXPÉRIMENTAL

 

La Fabrique du cinéma experimental-Couv seule-web2

Dans le cadre du cycle de rencontres mensuelles autour de livres et de recherches en théorie et critique d’art, soutenus par le CNAP,

la BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY du Musée national d’art moderne/CCI, Centre Pompidou

et le CENTRE NATIONAL DES ARTS PLASTIQUES (CNAP) accueillent le lancement de :

FABRIQUES DU CINEMA EXPERIMENTAL

publié par PARIS EXPÉRIMENTAL

en présence de Christian Lebrat, Éric Thouvenel, Carole Contant

et des artistes Frédérique Devaux et Silvi Simon

MERCREDI 10 DECEMBRE 2014, 18h30

BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

Centre Pompidou, niveau 3

75004, Paris

 Entrée libre sur réservation obligatoire à reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque sera délivrée lors de la confirmation de la réservation)

 Comment vivent et travaillent, à l’ « ère du numérique », les cinéastes expérimentaux ? Qu’en est-il de leur attachement à la matérialité de l’objet-film ? Quels sont leurs outils, leurs rapports à la création, leurs manières de penser, de fabriquer et d’habiter les images et les sons ? Comment financent-ils leurs projets ? Quel regard portent-ils sur leur parcours et sur les mutations décisives que connait aujourd’hui le cinéma, y compris « expérimental », envisagé dans sa dimension esthétique, pratique, technique, économique et institutionnelle ?

Cet ouvrage s’attache à soulever ces questions à travers neuf entretiens menés avec des cinéastes de générations et d’horizons différents, mais qui ont en commun de porter un regard lucide et singulier sur leur propre travail, comme sur la façon dont le tournant numérique l’affecte – et pas nécessairement, comme le voudraient tant d’idées reçues, de manière négative – depuis près de quinze ans. De la survivance glorieuse de pratiques du film artisanales et sophistiquées, aux hybridations et métissages permis par les outils numériques comme par la délocalisation des images hors de la salle de cinéma, en passant par la nécessaire réflexion sur la maîtrise économique et politique des outils de production des films, se dessinent ainsi les formes vivantes d’un engagement qui n’a rien d’anachronique, mais demeure et insiste comme une lueur particulière, et nécessaire, dans le grand flou des images contemporaines. Pour cela, on a fait le choix de rester au plus près de la pratique de ces cinéastes pour qui faire un film est un acte du corps autant que de l’esprit, de la main autant que de l’œil, et qui considèrent que les manières de faire sont, aussi, des manières de penser.  Afin d’accompagner et de prolonger la parole des cinéastes, chaque entretien est suivi d’une filmographie complète et d’une iconographie contenant des reproductions de photogrammes, des photographies de leur matériel, des schémas préparatoires et des partitions visuelles, qui éclairent sous un autre angle la genèse de leurs travaux. L’ensemble est complété par un glossaire et une bibliographie.

 Entretiens avec Martin Arnold, Frédérique Devaux, Olivier Fouchard, Ken Jacobs, Christian Lebrat, Rose Lowder, Nicolas Rey, Silvi Simon, José Antonio Sistiaga.

Éric Thouvenel est maître de conférences en études cinématographiques à l’Université Rennes 2, où il enseigne principalement l’esthétique et les théories du cinéma. Auteur d’un essai sur Les images de l’eau dans le cinéma français des années 20 (Presses Universitaires de Rennes, 2010), il a codirigé l’ouvrage Agnès Varda : le cinéma et au-delà (PUR, 2009) et publié une trentaine de textes dans diverses revues et ouvrages collectifs. Il mène également une activité de programmateur, au sein de l’université, dans des lieux associatifs et des institutions muséales.

 Carole Contant est cinéaste. Membre du Collectif Jeune Cinéma depuis 1997, elle autoproduit de nombreux films en Super8, notamment au sein du groupe les petits films. Ses films sont fréquemment sélectionnés dans des festivals de cinéma documentaire, d’art vidéo et de cinéma expérimental. Depuis 2008, elle tourne des vidéos pour des compagnies de danse et des associations engagées dans une écologie locale et durable. Elle est également programmatrice au sein de l’association peti peti, où elle mène une activité pédagogique soutenue, en particulier autour des relations entre danse et cinéma.

 Fondées en 1983, les éditions Paris Expérimental se consacrent essentiellement au cinéma d’avant-garde et expérimental. Elles publient des livres de références ainsi que des essais sur des cinéastes, des films ou des points particuliers de l’histoire de cette forme de cinéma.

 http://www.paris-experimental.asso.fr

www.centrepompidou.fr

www.cnap.fr

ON KAWARA (1933, Kariya – 2014, New-York)

“I’m still alive”

Dès les années 1940, très jeune, On Kawara connait déjà un grand succès. Il est alors reconnu au Japon comme un artiste confirmé, ouvrant des perspectives à sa génération, en trouvant dans son art les formulations adéquates aux expériences traumatisantes de la guerre.

Il peint à cette période des toiles figuratives, de facture très graphique, dans un style pouvant s’apparenter au surréalisme. Ces œuvres évoquent souvent des personnages solitaires aux visages déformés, enfermés dans des pièces recouvertes de carrelage.
Il réalise notamment une série de portraits de japonais entre 1955 et 1956, au départ pour former un livre : Death masks.

Ces dessins, comme la plupart de ses œuvres de jeunesse sont marqués par la tragédie des bombardements nucléaires. Il en tire finalement un port-folio de 30 gravures publié en 1995 et intitulé Tanatophanies, ou Apparitions de la mort.

On Kawara voyage beaucoup toute sa vie, et c’est aussi ce qui détermine son mode de production. Il partage en quelque sorte sa vie avec son public, à la fois en tant qu’être subjectif qui prend connaissance des événements et des lieux, mais aussi en tant qu’observateur objectif de ses expériences dont il va commencer à enregistrer les données mesurables ainsi que les coordonnées avec la plus grande précision possible.

C’est le 4 Janvier 1966 qu’il peint sa première « Date painting », avec un procédé qu’il reproduira jusqu’à la fin de sa vie. Il s’agit d’un protocole assez rigoureux, avec la réalisation d’un monochrome foncé au centre duquel  est peinte en blanc la date du jour de la réalisation de la peinture dans la langue du pays dans lequel se trouve l’artiste ce jour la. Chaque peinture est conservée dans une boite en carton sur mesure, et accompagnée d’une page de journal local daté du jour de la réalisation.

Le format de ces toiles varie de 20,5 x 25,5 cm à 155 x 226 cm. Les toiles sont tendues sur des châssis de bois de 5 cm d’épaisseur et retournées sur les côtés du châssis pour être ensuite fixées au dos.
La face et les côtés sont ensuite recouverts de peinture acrylique, chaque toile étant peinte d’une couleur spécifique. Enfin, la date est peinte en blanc au centre de chaque toile.

Ce travail met en place l’enregistrement de données biographiques précises, comme des sortes de coordonnées temporelles et spatiales sur la durée et le caractère limité de sa vie.

Ces notes de la conscience du temps sont réalisées sous différentes formes et se réfèrent à différentes situations et activités en rapport avec son lieu de séjour du moment.

« Today, I read, I went, I met, I got up … ».

« Idéologies : des nouvelles de l’Antiquité » (Alexander Kluge) publié par le Théâtre Typographique TH.TY.

KlugeTHTY

Dans le cadre du cycle de rencontres mensuelles autour de livres et de recherches en théorie et critique d’art, soutenus par le CNAP,

la BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY du Musée national d’art moderne/CCI au Centre Pompidou

et le CENTRE NATIONAL DES ARTS PLASTIQUES (CNAP) accueillent le lancement de :

« IDÉOLOGIES : DES NOUVELLES DE L’ANTIQUITÉ »

PUBLIÉ PAR LE THÉÂTRE TYPOGRAPHIQUE TH.TY

en présence des éditeurs Bernard Rival et Bénédicte Vilgrain, traductrice du livre.

L’occasion  d’une discussion sur le Théâtre Typographique avec ses cofondateurs et d’un échange autour de  «Nouvelles de l’Antiquité idéologique», le film d’Alexander Kluge et du livre qui lui est aujourd’hui consacré.

MERCREDI 19 NOVEMBRE 2014, 18h30, BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

Entrée libre sur réservation obligatoire à  reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque sera délivrée lors de la confirmation de la réservation)

« Idéologies : des nouvelles de l’Antiquité » : 128 pages d’entretiens, d’images, d’histoires et de « cartons » (comme dans le cinéma muet) extraits du film du réalisateur Alexander Kluge « Nachrichten aus der ideologischen Antike » (littéralement : « Nouvelles de l’Antiquité idéologique », 570 minutes, 2008.) Objet du film : ériger une stèle au projet qu’Eisenstein avait eu, en 1928-1929, de porter à l’écran Le Capital de Karl Marx. La crise de 1929 s’est invitée dans ce projet, peut-être en a-t-elle eu raison. Alexander Kluge s’interroge sur le rôle fantomatique des circonstances dans la construction mentale d’Eisenstein : « Même les commencements d’Eisenstein m’intéressent. Ce réalisateur hardi et entêté ne se contentait pas de vouloir « cinéfier » Le Capital, il projetait de renverser le cinéma en général et d’en fonder un autre. Ses propositions de « constellations visuelles », cette manière qu’il a de poursuivre le montage au-delà de ce qu’il atteint dans ses films, y intégrant réflexions et écrits, le recours aux séries et l’usage des demi-tons, des harmoniques, bref : la modernité d’Eisenstein est pertinente à notre époque, et pas seulement pour porter à l’écran Le Capital. » La profusion des entrées et des techniques, combinée à la force centripète du « sous-texte » invoqué par Alexander Kluge, font peut-être de ses « Nouvelles de l’Antiquité » le « livre sphérique » rêvé par Eisenstein.                                                                                                                   

Le Théâtre Typographique a bénéficié pour la publication de cet ouvrage de l’aide à l’édition du CNAP.

http://www.thty.fr

http://www.centrepompidou.fr

http://www.cnap.fr

BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

Centre Pompidou, niveau 3,

75004 Paris  

Le carnet de recherche de la Bibliothèque Kandinsky, Musée National d'Art Moderne, Centre Pompidou, Paris