IMAGE EMPLOYMENT

Mark Leckey, GreenScreenRefrigerator. 2010. Avec l’aimable autorisation de l’ artiste et de Gavin Brown' enterprise (NYC).
Mark Leckey, GreenScreenRefrigerator. 2010. Avec l’aimable autorisation de l’ artiste et de Gavin Brown’ enterprise (NYC).

 

La Bibliothèque Kandinsky du Musée national d’art moderne/CCI vous invite à la présentation de

IMAGE EMPLOYMENT

en présence de Aily Nash et Enrico Camporesi

Jeudi, 19 février 2015, à partir de 18h30

Entrée libre sur réservation obligatoire : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Image Employment est un programme de recherche interdisciplinaire qui explore l’image en mouvement pour révéler   la notion de force de travail dans le contexte contemporain et ses divers moyens de production dans ses registres les plus variés (industriel, sociétal, informationnel, consumériste). Le projet documente les situations multiples de générativité d’image et les formes d’autoreprésentation instrumentalisées par la société capitaliste. Le traitement qu’Aily Nash fait partager à partir de son corpus de films et de vidéos se place dans un entre-deux critique, entre distance objective et complicité avec les processus internes de représentation. L’analyse de la production de l’image crée à son tour des temporalités et des expériences du regard différentes.

Image Employment sera présenté par sa commissaire Aily Nash comme une conférence qui examine les œuvres et les idées explorées dans ce projet multiple. La présentation sera entrecoupée d’extraits par la plupart des images en mouvement évoquées.

Image Employment, organisée par Aily Nash et Andrew Norman Wilson, a pris la forme d’une exposition au MoMA PS1 (New York) à l’automne 2013 et de différents programmes à FACT Liverpool, Iowa Museum of Art, Import Art Projects (Berlin), Art Dubai et CCS Bard / Basilica Hudson. Au printemps de 2014, Image Employment a fait l’objet d’un séminaire à Parsons The New School for Design et Bruce High Quality Foundation University.

Le projet comprend des œuvres de Michael Bell-Smith, Neil Beloufa, Guy Ben-Ner, Ben Brown Thorp, DIS Magazine, Harm van den Dorpel, Daniel Eisenberg, Kevin Jerome Everson, Harun Farocki, Zachary Formwalt, Mark Leckey, Sharon Lockhart, frères Lumière, Lucy Raven, Ben Rivers, Hito Steyerl, Superflex, Pilvi Takala, Ryan Trecartin et Andrew Norman Wilson.

La conférence (en anglais) sera suivie par une discussion avec le public et modérée par Enrico Camporesi.

Aily Nash, commissaire d’exposition, vit et travaille entre Hudson et Brooklyn, New York. Elle est programmatrice pour Projections, la section des films et vidéos expérimentaux du New York Film Festival. Elle a conçu des programmes et des expositions pour MoMA PS1 (NYC), FACT (Liverpool), BAM Brooklyn Academy of Music (NYC), Anthology Film Archives (NYC), Northwest Film Center (Portland), Image Forum (Tokyo). Ses écrits ont paru dans Brooklyn Rail, Artforum.com, Film Comment, De Filmkrant. Actuellement elle est programmatrice des film et médias à Basilica Hudson, co-organise Talent Press, un programme de critique de cinéma à la Berlinale, et enseigne à Bruce High Quality Foundation University (NYC).

Enrico Camporesi, chercheur à l’Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3 et à l’Université de Bologne, prépare actuellement une thèse sur des problèmes de restauration et muséologie du film d’artiste et expérimental. Il écrit régulièrement sur l’image en mouvement pour plusieurs revues (Millennium Film Journal, Fata MorganaNecsus – European Journal of Media StudiesLa Furia Umana). Il a également conçu des programmations de films/vidéos pour, entre autres, le Centre Pompidou, Light Cone, Cineteca di Bologna, Millennium Film Workshop, et Microscope Gallery (NY).

La conférence a été organisée grâce au soutien du LIRA (Laboratoire International de Recherches en Arts) – Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3.

SCULPTURE IN REVERSE par Michael Heizer – Éditions Lutanie

 

sculpture reverse

Dans le cadre du cycle de rencontres mensuelles autour de livres et de recherches en théorie et critique d’art, soutenus par le CNAP,

La Bibliothèque Kandinsky du Musée national d’art moderne/CCI, Centre Pompidou et le Centre national des arts plastiques (CNAP) vous invitent à la présentation de Sculpture in Reverse, de Michael Heizer, en présence de Manon Lutanie, éditrice, et de Raphaëlle Brin, traductrice de l’ouvrage.

Mercredi 21 janvier 2015, à 18h30

Entrée libre sur réservation : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Paru à l’automne 2014 aux Editions Lutanie, Sculpture in Reverse est la réédition et la traduction d’un entretien conduit en novembre 1983 par Julia Brown, critique d’art et commissaire au Museum of Contemporary Art de Los Angeles et publié en 1984 dans le catalogue de l’exposition Michael Heizer, Sculpture in Reverse (MOCA, Los Angeles). L’entretien original est reproduit ici en fac-similé, et sa traduction est accompagnée d’autres images du catalogue initial, agencées dans un nouvel ordre élaboré en étroit échange entre Michael Heizer et Manon Lutanie. Lieu qui fait entendre la voix d’un artiste majeur du premier Land Art américain, lieu également d’une aventure de la recherche et de la réactivation éditoriale, Sculpture in Reverse est à la fois une réflexion sur les modalités de reproduction de l’art et sur les qualités typographiques d’un catalogue-clé de l’édition contemporaine.

À cette occasion, Hard Core, le film réalisé par Walter de Maria en 1969 dans le désert Black Rock de Nevada et  auquel Michael Heizer contribue, sera projeté et présenté par le critique de cinéma Antoine Thirion.

Les vitrines de la Bibliothèque Kandinsky seront consacrées à Michael Heizer.

L’ouvrage a reçu le soutien du Centre national des arts plastiques (CNAP).

http://www.editionslutanie.fr/

http://www.centrepompidou.fr/

http://www.cnap.fr/

Gustave Miklos. Un grand œuvre caché, éd. Fata Libelli, 2013

Miklos

Danuta Cichocka, libraire, expert en livres de bibliophilie, offre un premier volume sur l’œuvre de l’artiste hongrois dans le domaine du livre et de la reliure, qui a pour mérite d’attribuer à leur véritable auteur les travaux que Miklos a effectués dans l’ombre pour François-Louis Schmied, Jean Dunand ou Jean Goulden.

Ce travail de restitution s’appuie en grande partie sur un cahier des « travaux exécutés pour François », conservé par ses ayants droit.

Gustave Miklos y apparaît comme le grand artiste du renouvellement de l’art du livre au XXe siècle dans la mouvance du cubisme et du style Art déco.

Ayant donné l’impression d’abandonner subitement la peinture en 1921, Miklos a en réalité mis son talent au service de l’atelier Schmied-Dunand, pour lequel il réalisa de somptueux livres de 1922 à 1941.

Le dessin est épuré, les compositions d’une construction très sûre dynamisées par les jeux géométriques et les aplats de couleur. Dans la lignée des Ateliers viennois, virtuosité décorative et richesse ornementale animent des sujets dont l’illustration puise à profusion dans les arts minoen, grec, byzantin, oriental, dans l’art populaire d’Europe de l’Est. L’audace formelle, structurelle, chromatique faisait dire à la critique de l’époque qu’on était en présence d’une « nouveauté d’aspect prodigieux ». Or des années de recherche montrent que l’éloge revient à Gustave Miklos. En fait, on comprend qu’il a financé sa pratique de sculpteur sur métal par la production de livres de bibliophilie.

Le 1er volume établit le catalogue raisonné de l’œuvre pour le livre et la reliure. Un 2e volume, catalogue raisonné de l’œuvre de sculpteur, peintre et décorateur, paru en septembre 2014, est dans nos listes d’acquisition.

The Art of the Adivasi, Musée d’art moderne, Hyogo, 1988

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Un catalogue d’exposition sur l’art des Adivasi est entré dans les collections. Les Adivasi sont un groupe ethnique autochtone de l’Inde. La question des contacts culturels étant un sujet universellement sensible, montrer leur production artistique au japon avait entraîné une polémique en Inde en raison des éventuels effets négatifs que ces contacts auraient sur la tribu : dénaturation de l’art, « spoliation déguisée ». Le commissaire contestait ce risque arguant du fait que nul n’est totalement coupé d’une influence extérieure et que le contact n’implique en rien l’abandon de sa culture d’origine.

Scènes de la vie domestique, scènes de la vie agricole, figures en bronze représentant la faune locale, masques, tuiles faîtières décoratives en argile, le sujet est inhabituel pour la Bibliothèque Kandinsky. Rentré dans les collections suite à l’exposition documentaire présentée Galerie du Musée, au Centre Pompidou, été 2014, pour les 25 ans des Magiciens de la Terre, ce catalogue pourra intéresser les historiens des arts primitifs. A notre connaissance le catalogue n’est dans aucune autre bibliothèque en Europe. Worldcat ne le localise qu’en Amérique du Nord.

Frédéric Bruly Bouabré, éd. X. Barral, 2013

 

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La bibliothèque a acquis en 2014 le précieux coffret des œuvres de Frédéric Bruly Bouabré. Edité conjointement par Agnès b et Xavier Barral, ces quatre volumes exhaussent le vœu de l’artiste de voir son œuvre publiée de son vivant.

Le 1er volume reproduit les pensées, songes, révélations consignés de 1945 à 1963 dans le Livre des lois divines révélées.

Le 2e compile l’alphabet bété mis au point à partir de 1950 par l’artiste pour offrir une écriture à sa culture d’origine, celle du peuple bété de Côte d’Ivoire, un alphabet dessiné, composé de syllabes, données avec leur prononciation.

Dans les années 1970 Bruly Bouabré développe sa manière de dessins au stylo-bille et crayons de couleur sur carton, entourés d’un texte en lettres capitales, dont le 3e volume donne deux exemples sous forme de contes, les formes primitives du conte et du dessin se trouvant soutenues par l’écriture en français, apprise à l’école française.

Tout l’œuvre de Bruly Bouabré est le fruit du souci de transmettre aux générations futures, sans rien y changer, le savoir qu’il a hérité des anciens, un patrimoine oral, véhiculé par des générations ; il consigne la tradition mise ainsi au service de l’éducation.

Le 4e volume rassemble photographies, autobiographie, correspondance, dans une langue imagée, savoureuse, qui traduit un esprit inspiré par l’amour qu’il a reçu.

Bruly Bouabré délivre un message de sagesse, de bonté, qu’il nous enjoint à cultiver.

Son premier conseil : être concis.

ART BY TELEPHONE… RECALLED

Art by telephone

ART BY TELEPHONE … RECALLED

Vendredi 16 Janvier 2015, à 18h30

 

Entrée libre sur réservation obligatoire : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Commissaires des expositions/éditeurs du livre : Sébastien Pluot et Fabien Vallos.

Art by Telephone est une exposition conçue par Jan van der Marck, en 1969, au Museum of Contemporary Art de Chicago. Parmi la petite dizaine d’initiatives, fondatrices de la mise en espace de “l’art conceptuel“ de 1967 à 1970, elle est l’une des plus singulières. La description et la transmission des consignes des trente-sept artistes furent supportées par des enregistrements téléphoniques dont le transfert sur un disque microsillon 33 tours tint lieu de catalogue. Par ses références à Marcel Duchamp et aux Telephone Pictures de László Moholy- Nagy, elle est la seule à penser une généalogie des pratiques conceptuelles depuis les avant- gardes historiques.

Art by Telephone… Recalled a été initiée par le programme de recherche En Traduction codirigé par Sébastien Pluot et Fabien Vallos à l’Ecole des Beaux-arts d’Angers. Une série de séminaires ont été développés sur la remise en question de la notion d’original et d’autonomie de l’œuvre, la destitution de la figure de l’auteur, les conséquences éthiques des processus de délégation, de traductibilité et d’opérativité, les phénomènes de versionnage et de dissémination du sens.

De 2012 à 2014, une série d’expositions ont eu lieu simultanément à l’École Supérieure des Beaux-arts d’Angers, au cneai= à Paris, au Capc, musée d’art contemporain de Bordeaux, à la Emily Harvey Foundation de New York, au San Francisco Art Institute, à La Panacée, Centre de culture contemporaine de Montpellier. Chacune de ces expositions a été réalisée avec des étudiants et de jeunes diplômés des écoles d’art qui l’ont accueillie et avec des contributions d’étudiants de l’École d’Enseignement Supérieur d’Art de Bordeaux, de l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles, et du Barnard College, University of Columbia de New York. Par ailleurs, une série de discussions ont été organisées avec des artistes et des universitaires spécialistes de l’art contemporain. Le présent ouvrage est la somme des recherches théoriques et pratiques qui ont été produites durant ces quatre années. Il permet la redécouverte d’un projet d’exposition et contribue à une compréhension de la pratique artistique depuis les années 1960.

Art by Telephone… Recalled

With texts and works by / Avec les textes et les œuvres de : A Constructed World, The Big Conversation, Mel Bochner, Jean­Baptiste Carobolante, Dieudonné Cartier, Alessandro De Francesco, Jérémie Gaulin, Hans Haacke, Hannah Higgins, Silvia Kolbowski, Quentin Lannes, Nicolas Linel, Eve Meltzer, Brian O’Keeffe, Alice Pialoux, Sébastien Pluot, Julia Robinson, Aurélien Talbot, Fabien Vallos, Jan van der Marck, Chiara Vecchiarelli.

Editors / Directeurs de la publication : Sébastien Pluot & Fabien Vallos

Editorial coordination / Coordination éditoriale: Alice Pialoux Graphic design / Graphisme : Dieudonné Cartier

Page number / Nombre de pages : 502 pages

Distribution / Distribution: R-Diffusion

Co-edition / Co-édition : éditions Mix, La Panacée, cneai=, esba- Talm, Ebabx

BIBLIOTHEQUE KANDINSKY,  Centre  Pompidou, Niveau 3      75004, Paris

ECHOES OF EXILE. Moscow Archives and the Arts in Paris 1933-1945

echoes of exile

Présentation et discussion avec  Ines Rotermund–Reynard, Isabelle le Masne de Chermont, Bénédicte Savoy, Sandra Dahlke et Didier Schulmann

MERCREDI, 17 DECEMBRE 2014

18H30

BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

Entrée libre sur réservation obligatoire à reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque sera délivrée lors de la confirmation de réservation)

A partir de 1933, le régime national-socialiste a poussé des milliers d’allemands sur les routes de l’exil. Paris devint alors la capitale de « la meilleure Allemagne », selon le mot de Heinrich Mann. Artistes, journalistes, écrivains, historiens, hommes politiques, sans parler de tous ceux qui fuirent parce que Juifs,  y exprimèrent librement, avec leurs moyens artistiques et intellectuels, leur opposition aux Nazis. Au début de la guerre la grande majorité des ces exilés furent internés dans des camps français. En 1940, l’armée allemande envahit la France : la documentation, les papiers et la correspondance des exilés constituèrent les premières cibles de l’Occupant. Tout ce matériel devint alors du « displaced object » – confisqués, déplacés, spoliés, mais aussi souvent miraculeusement préservés.

Depuis la fin de la guerre certaines de ces sources sont conservées dans les Archives spéciales/RGVA à Moscou. Confisqués par l’armée allemande à partir de 1940, ces fonds furent saisis au titre de trophées par l’Armée Rouge dans les ruines de l’IIIème Reich et transférés en Union soviétique. A Moscou, ils restèrent – jusqu’à la perestroïka – exclusivement accessibles aux membres du KGB. Leur existence, leur divulgation, leur exploration toute récente et l’insertion des données qu’ils révèlent constituent un évènement majeur de l’historiographie et de l’archivistique du mouvement des idées, au cours des années trente.

Le livre Echoes of Exile – Moscow Archives and the Arts in Paris 1933-1945 présente de nouvelles perspectives de recherche, qui résultent, entre autres, du dépouillement des documents conservés à Moscou et permettent de jeter un nouveau regard sur l’épicentre culturel que fut Paris pour ces exilés pendant les années 1930. Les contributions des onze auteurs français, russes, américains et allemands s’inscrivent dans le débat actuel autour des biens spoliés et de leur restitution ouvrant ainsi un large dialogue scientifique interdisciplinaire et transnational.

Ines Rotermund-Reynard, docteur en histoire de l’art, éditrice du livre «  Echoes of Exile. Moscow Archives and the Arts in Paris 1933-1945 », directrice du projet de recherche « Les Archives spéciales de Moscow et les arts à Paris 1933-1945 », organisé par l’Institut historique allemand de Moscou (DHI Moskau) en coopération avec le Centre allemand d’histoire de l’art à Paris.

Isabelle le Masne de Chermont, archiviste paléographe, directrice du département des manuscrits de la BNF, co-commissaire de l’exposition » A qui appartenaient ces tableaux ? » (2008), co-auteur avec Didier Schulmann du rapport « Le pillage de l’art en France pendant l’occupation et la situation des 2000 œuvres confiées aux Musées nationaux » (2000), co-éditrice de la nouvelle édition de « Rose Valland, Le Front de l’Art : Défense des collections françaises, 1939-1945 », Paris 2014.

Bénédicte Savoy, professeur d’histoire de l’art à l’Université TU Berlin, auteur de nombreux travaux consacrés à l’histoire des spoliations artistiques entre France et Allemagne (« Patrimoine annexé : les saisies de biens culturels opérées par la France en Allemagne autour de 1800 », Paris 2003), à la naissance des musées d’art en Europe et à la mise en place transnationale, aux XVIIIe et XIXe siècles, de disciplines universitaires telles l’archéologie et l’histoire de l’art.

Sandra Dahlke, directrice adjointe de l’Institut historique allemand à Moscou (DHI Moskau), historienne et spécialiste de l’histoire de l’Union soviétique, auteur du livre « Individuum und Herrschaft im Stalinismus : Emel’jan Jaroslavskij (1878- 1943 »), München 2010.

Didier Schulmann, Conservateur au Musée national d’art moderne, Bibliothèque Kandinsky, co-auteur avec Isabelle le Masne de Chermont du rapport « Le pillage de l’art en France pendant l’occupation et la situation des 2000 œuvres confiées aux Musées nationaux » (2000).

BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

Centre Pompidou, niveau 3, 75004, Paris

 

 

FABRIQUES DU CINÉMA EXPÉRIMENTAL

 

La Fabrique du cinéma experimental-Couv seule-web2

Dans le cadre du cycle de rencontres mensuelles autour de livres et de recherches en théorie et critique d’art, soutenus par le CNAP,

la BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY du Musée national d’art moderne/CCI, Centre Pompidou

et le CENTRE NATIONAL DES ARTS PLASTIQUES (CNAP) accueillent le lancement de :

FABRIQUES DU CINEMA EXPERIMENTAL

publié par PARIS EXPÉRIMENTAL

en présence de Christian Lebrat, Éric Thouvenel, Carole Contant

et des artistes Frédérique Devaux et Silvi Simon

MERCREDI 10 DECEMBRE 2014, 18h30

BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

Centre Pompidou, niveau 3

75004, Paris

 Entrée libre sur réservation obligatoire à reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque sera délivrée lors de la confirmation de la réservation)

 Comment vivent et travaillent, à l’ « ère du numérique », les cinéastes expérimentaux ? Qu’en est-il de leur attachement à la matérialité de l’objet-film ? Quels sont leurs outils, leurs rapports à la création, leurs manières de penser, de fabriquer et d’habiter les images et les sons ? Comment financent-ils leurs projets ? Quel regard portent-ils sur leur parcours et sur les mutations décisives que connait aujourd’hui le cinéma, y compris « expérimental », envisagé dans sa dimension esthétique, pratique, technique, économique et institutionnelle ?

Cet ouvrage s’attache à soulever ces questions à travers neuf entretiens menés avec des cinéastes de générations et d’horizons différents, mais qui ont en commun de porter un regard lucide et singulier sur leur propre travail, comme sur la façon dont le tournant numérique l’affecte – et pas nécessairement, comme le voudraient tant d’idées reçues, de manière négative – depuis près de quinze ans. De la survivance glorieuse de pratiques du film artisanales et sophistiquées, aux hybridations et métissages permis par les outils numériques comme par la délocalisation des images hors de la salle de cinéma, en passant par la nécessaire réflexion sur la maîtrise économique et politique des outils de production des films, se dessinent ainsi les formes vivantes d’un engagement qui n’a rien d’anachronique, mais demeure et insiste comme une lueur particulière, et nécessaire, dans le grand flou des images contemporaines. Pour cela, on a fait le choix de rester au plus près de la pratique de ces cinéastes pour qui faire un film est un acte du corps autant que de l’esprit, de la main autant que de l’œil, et qui considèrent que les manières de faire sont, aussi, des manières de penser.  Afin d’accompagner et de prolonger la parole des cinéastes, chaque entretien est suivi d’une filmographie complète et d’une iconographie contenant des reproductions de photogrammes, des photographies de leur matériel, des schémas préparatoires et des partitions visuelles, qui éclairent sous un autre angle la genèse de leurs travaux. L’ensemble est complété par un glossaire et une bibliographie.

 Entretiens avec Martin Arnold, Frédérique Devaux, Olivier Fouchard, Ken Jacobs, Christian Lebrat, Rose Lowder, Nicolas Rey, Silvi Simon, José Antonio Sistiaga.

Éric Thouvenel est maître de conférences en études cinématographiques à l’Université Rennes 2, où il enseigne principalement l’esthétique et les théories du cinéma. Auteur d’un essai sur Les images de l’eau dans le cinéma français des années 20 (Presses Universitaires de Rennes, 2010), il a codirigé l’ouvrage Agnès Varda : le cinéma et au-delà (PUR, 2009) et publié une trentaine de textes dans diverses revues et ouvrages collectifs. Il mène également une activité de programmateur, au sein de l’université, dans des lieux associatifs et des institutions muséales.

 Carole Contant est cinéaste. Membre du Collectif Jeune Cinéma depuis 1997, elle autoproduit de nombreux films en Super8, notamment au sein du groupe les petits films. Ses films sont fréquemment sélectionnés dans des festivals de cinéma documentaire, d’art vidéo et de cinéma expérimental. Depuis 2008, elle tourne des vidéos pour des compagnies de danse et des associations engagées dans une écologie locale et durable. Elle est également programmatrice au sein de l’association peti peti, où elle mène une activité pédagogique soutenue, en particulier autour des relations entre danse et cinéma.

 Fondées en 1983, les éditions Paris Expérimental se consacrent essentiellement au cinéma d’avant-garde et expérimental. Elles publient des livres de références ainsi que des essais sur des cinéastes, des films ou des points particuliers de l’histoire de cette forme de cinéma.

 http://www.paris-experimental.asso.fr

www.centrepompidou.fr

www.cnap.fr

ON KAWARA (1933, Kariya – 2014, New-York)

“I’m still alive”

Dès les années 1940, très jeune, On Kawara connait déjà un grand succès. Il est alors reconnu au Japon comme un artiste confirmé, ouvrant des perspectives à sa génération, en trouvant dans son art les formulations adéquates aux expériences traumatisantes de la guerre.

Il peint à cette période des toiles figuratives, de facture très graphique, dans un style pouvant s’apparenter au surréalisme. Ces œuvres évoquent souvent des personnages solitaires aux visages déformés, enfermés dans des pièces recouvertes de carrelage.
Il réalise notamment une série de portraits de japonais entre 1955 et 1956, au départ pour former un livre : Death masks.

Ces dessins, comme la plupart de ses œuvres de jeunesse sont marqués par la tragédie des bombardements nucléaires. Il en tire finalement un port-folio de 30 gravures publié en 1995 et intitulé Tanatophanies, ou Apparitions de la mort.

On Kawara voyage beaucoup toute sa vie, et c’est aussi ce qui détermine son mode de production. Il partage en quelque sorte sa vie avec son public, à la fois en tant qu’être subjectif qui prend connaissance des événements et des lieux, mais aussi en tant qu’observateur objectif de ses expériences dont il va commencer à enregistrer les données mesurables ainsi que les coordonnées avec la plus grande précision possible.

C’est le 4 Janvier 1966 qu’il peint sa première « Date painting », avec un procédé qu’il reproduira jusqu’à la fin de sa vie. Il s’agit d’un protocole assez rigoureux, avec la réalisation d’un monochrome foncé au centre duquel  est peinte en blanc la date du jour de la réalisation de la peinture dans la langue du pays dans lequel se trouve l’artiste ce jour la. Chaque peinture est conservée dans une boite en carton sur mesure, et accompagnée d’une page de journal local daté du jour de la réalisation.

Le format de ces toiles varie de 20,5 x 25,5 cm à 155 x 226 cm. Les toiles sont tendues sur des châssis de bois de 5 cm d’épaisseur et retournées sur les côtés du châssis pour être ensuite fixées au dos.
La face et les côtés sont ensuite recouverts de peinture acrylique, chaque toile étant peinte d’une couleur spécifique. Enfin, la date est peinte en blanc au centre de chaque toile.

Ce travail met en place l’enregistrement de données biographiques précises, comme des sortes de coordonnées temporelles et spatiales sur la durée et le caractère limité de sa vie.

Ces notes de la conscience du temps sont réalisées sous différentes formes et se réfèrent à différentes situations et activités en rapport avec son lieu de séjour du moment.

« Today, I read, I went, I met, I got up … ».

« Idéologies : des nouvelles de l’Antiquité » (Alexander Kluge) publié par le Théâtre Typographique TH.TY.

KlugeTHTY

Dans le cadre du cycle de rencontres mensuelles autour de livres et de recherches en théorie et critique d’art, soutenus par le CNAP,

la BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY du Musée national d’art moderne/CCI au Centre Pompidou

et le CENTRE NATIONAL DES ARTS PLASTIQUES (CNAP) accueillent le lancement de :

« IDÉOLOGIES : DES NOUVELLES DE L’ANTIQUITÉ »

PUBLIÉ PAR LE THÉÂTRE TYPOGRAPHIQUE TH.TY

en présence des éditeurs Bernard Rival et Bénédicte Vilgrain, traductrice du livre.

L’occasion  d’une discussion sur le Théâtre Typographique avec ses cofondateurs et d’un échange autour de  «Nouvelles de l’Antiquité idéologique», le film d’Alexander Kluge et du livre qui lui est aujourd’hui consacré.

MERCREDI 19 NOVEMBRE 2014, 18h30, BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

Entrée libre sur réservation obligatoire à  reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque sera délivrée lors de la confirmation de la réservation)

« Idéologies : des nouvelles de l’Antiquité » : 128 pages d’entretiens, d’images, d’histoires et de « cartons » (comme dans le cinéma muet) extraits du film du réalisateur Alexander Kluge « Nachrichten aus der ideologischen Antike » (littéralement : « Nouvelles de l’Antiquité idéologique », 570 minutes, 2008.) Objet du film : ériger une stèle au projet qu’Eisenstein avait eu, en 1928-1929, de porter à l’écran Le Capital de Karl Marx. La crise de 1929 s’est invitée dans ce projet, peut-être en a-t-elle eu raison. Alexander Kluge s’interroge sur le rôle fantomatique des circonstances dans la construction mentale d’Eisenstein : « Même les commencements d’Eisenstein m’intéressent. Ce réalisateur hardi et entêté ne se contentait pas de vouloir « cinéfier » Le Capital, il projetait de renverser le cinéma en général et d’en fonder un autre. Ses propositions de « constellations visuelles », cette manière qu’il a de poursuivre le montage au-delà de ce qu’il atteint dans ses films, y intégrant réflexions et écrits, le recours aux séries et l’usage des demi-tons, des harmoniques, bref : la modernité d’Eisenstein est pertinente à notre époque, et pas seulement pour porter à l’écran Le Capital. » La profusion des entrées et des techniques, combinée à la force centripète du « sous-texte » invoqué par Alexander Kluge, font peut-être de ses « Nouvelles de l’Antiquité » le « livre sphérique » rêvé par Eisenstein.                                                                                                                   

Le Théâtre Typographique a bénéficié pour la publication de cet ouvrage de l’aide à l’édition du CNAP.

http://www.thty.fr

http://www.centrepompidou.fr

http://www.cnap.fr

BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

Centre Pompidou, niveau 3,

75004 Paris  

Stéphanie Solinas. Déserteurs – en toute chose il faut considérer la fin

deserteurs 

© Stéphanie Solinas, 2014

La Bibliothèque Idéale de Stéphanie Solinas

Jeudi, 6 novembre, à partir de 18h30                                                                                      à la BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

À l’invitation de la Bibliothèque Kandinsky, MNAM/ Centre Pompidou, Stéphanie Solinas a exploré la Réserve des ouvrages rares et précieux conservés dans ses collections. Déserteurs – en toute chose il faut considérer la fin, conférence – performance menée par l’artiste en collaboration avec les équipes de la Bibliothèque, est un parcours, une construction, une sélection de livres d’artistes et autres documents, dont l’ouvrage de Solinas, Déserteurs – Cent photographies, entré dans les collections de la Bibliothèque Kandinsky en 2013, constitue le seuil. Conçue en écho à l’exposition Déserteurs – il faut dormir comme un lion/sans fermer les yeux se déployant à la Société Française de Photographie et à l’église Saint-Eustache, la rencontre avec l’artiste au travers des ouvrages de la collection de la Bibliothèque Kandinsky est la troisième forme de Déserteurs proposée par Solinas pour le Mois de la Photo 2014. Elle recompose un cheminement au travers des imprimés, des images, l’élaboration d’un regard sur les archives de notre mémoire, artistique, individuelle, collective.

Formée à la photographie à l’ENS Louis Lumière, docteur en Arts Plastiques, Stéphanie Solinas développe une œuvre variée (images, livres, installations…), foncièrement photographique, qui n’a de cesse d’interroger ce médium. Au travers de dispositifs et autres systèmes élaborés, sa pratique, tournée vers la figure de l’Autre et sa définition, explore l’opération de « voir ». Son travail a fait l’objet d’expositions personnelles à La Maison Rouge (Paris), au FOAM Museum (Amsterdam), au J1 (Marseille-Provence 2013), à la Société Française de Photographie, à l’église Saint-Eustache (novembre 2014, Mois de la Photo 2014), etc. Il est présent dans les collections du Fonds National d’Art Contemporain, de la Bibliothèque Nationale de France, du CNAC Georges Pompidou/Bibliothèque Kandinsky, du Musée de L’Elysée, du Musée Nicéphore Niepce, de Pier 24 Photography, des collections particulières. En 2013, Stéphanie Solinas a reçu le Prix Edouard Barbe (Prix des Collectionneurs, remis par le CNAC Le Magasin). Elle enseigne à Sciences Po Paris, aux Beaux-Arts de Rouen & Le Havre (ESADHAR). Stéphanie Solinas vit et travaille à Paris. Elle est actuellement en résidence à La Villa Belleville.

Entrée libre sur réservation obligatoire à reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque sera délivrée lors de la confirmation de réservation)

BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY                                                            Centre Pompidou, niveau 3                                                                75004, Paris

 

 

 

 

 

 

 

Conférence Vidéo et après : Muntadas, propositions critiques.

Nouvelle image (1)Lundi 3 novembre à 19h00  

salle Cinéma 2

Présentée par  Antoni Muntadas

 

Dès ses premières vidéos, Muntadas a centré son activité artistique Nouvelle image (2)sur la critique des médias : la télévision, la presse, la publicité, mais aussi l’architecture, et celle, invisible, des réseaux de communication. Il est un des tout premiers artistes à avoir réalisé un travail pour Internet The File Room (1994), vaste base de données collective sur la censure. Il questionne les systèmes de pouvoir qui s’exercent à travers l’instauration des frontières, le processus de la traduction, les rituels sociaux et politiques, les rapports du public et du privé.

Muntadas présentera quelques-unes de ses installations et interventions ainsi que des vidéos telles que les actions corporelles de 1971, Media Ecology Ads (1982), Video is Television ? (1989) ou Alphaville (2011).

Nota bene : exceptionnellement, l’entrée au cinéma 2 se fera depuis la piazza, à droite de l’entrée principale, suivre signalétique.

Projection/conférence organisée dans le cadre du programme de recherche Cinéma/vidéo, art et politique en France depuis 1968 : dispositifs, archives, numérique du Labex Arts-H2H en partenariat avec l’Université Paris 8 et la BnF

Vidéo et après est un cycle de rencontres avec des artistes et des historiens de l’art proposant projections, conférences, performances et discussions. Parcourant l’histoire des pratiques artistiques liées à la vidéo et au son, depuis le début des années 1960 jusqu’à nos jours, «Vidéo et après» se consacre essentiellement aux vidéos d’artistes de la collection du Musée national d’art moderne.

Contact : videoetapres@centrepompidou.fr

La vidéo au Centre Pompidou : les premières années, pistes de recherche

Cette synthèse a été établie par Camille Martin, stagiaire dans le cadre du programme Cinéma/vidéo, art et politique en France depuis 1968,  en partenariat avec le Labex Arts H2H

Afin de faire un état des lieux de l’ensemble de la documentation sur la vidéo présente au Centre Pompidou, nous avons cherché tout d’abord à référencer les différentes sources d’informations disponibles, le but étant dans un premier temps de définir et cartographier notre domaine de recherche. Le premier problème repose sur la difficulté à isoler et identifier la documentation sur « la vidéo », notamment parce que les sources consultées ne font généralement pas cette distinction. Elles réfèrent leurs informations le plus souvent par titre ou nom de l’artiste et non par « médium » ou « domaine artistique ». On comprend alors qu’une recherche exhaustive demanderait donc de reprendre l’ensemble de l’histoire des manifestations de l’établissement.

Une autre spécificité de cette recherche est que l’émergence de la vidéo dans cette période correspond au début du Centre Pompidou. Ainsi, on remarque que comme « nouveau médium», la vidéo et les usages qui lui étaient associés (expérimentation, performance, militantisme, éducation populaire…) trouvaient d’avantage leur place dans des événements courts et de natures assez hétérogènes (projections, colloques, publications, ateliers pour le public, productions d’artistes…) que dans les espaces d’expositions à proprement parler. Ainsi une première recherche montre qu’à ce moment-là la vidéo est plutôt présentée dans les espaces de projection du 3ème étage, dans le forum ou encore au fil de la programmation de la BPI. Par ailleurs on remarque que ces événements sont souvent organisés à l’initiative de plusieurs acteurs, entre autres : le « service audiovisuel », la « coordination des manifestations » ou encore la BPI.

Cette recherche s’étend donc sur une histoire plus large de l’institution, relevant des usages et des préoccupations que la vidéo soulevait à l’époque. Ainsi il semble indispensable au regard des multiples dimensions et domaines que la vidéo pouvait toucher de commencer tout d’abord par une recherche très large reprenant l’ensemble des événements ayant un rapport avec ce médium. Continuer la lecture de La vidéo au Centre Pompidou : les premières années, pistes de recherche

Erika Balsom, Exhibiting Cinema in Contemporary Art

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Dans le cadre de la programmation « Duchamp du Film » (du 24 sept. au 29 oct. 2014), la Bibliothèque Kandinsky en collaboration avec le département Film du Musée National d’Art Moderne accueille ERIKA BALSOM pour une présentation de son volume Exhibiting Cinema in Contemporary Art (Amsterdam University Press, 2013)

le jeudi, 9 octobre,  à partir de 18h30

L’ouvrage est rapidement devenu un livre de référence sur la question de l’image en mouvement dans le contexte muséal et des expositions. Exhibiting Cinema in Contemporary Art explore l’émergence du cinéma comme médium primaire de production artistique, tout en offrant une investigation détaillée de sa genèse, de ses caractéristiques principales, de ses dérives et ramifications. L’auteure interroge aussi le point nodal des études cinématographiques – la nature du cinéma, son passé, son présent et son devenir à l’ère du tournant numérique. Riche en réflexions théoriques et dans les analyses critiques, Exhibiting Cinema in Contemporary Art tourne son regard vers l’histoire du cinéma du point de vue de l’art d’aujourd’hui.

La conférence (en anglais) sera suivie par une discussion avec le public et modérée par Enrico Camporesi.

Erika Balsom enseigne la théorie et l’histoire du cinéma au King’s College à Londres. Après avoir obtenu son doctorat à Brown University, elle a été Mellon postdoctoral fellow à l’Université de Californie (Berkeley). Elle a également enseigné à Carleton University (Ottawa). Ses publications ont paru dans Artforum, Screen, Cinema  Journal, et elle travaille en ce moment sur un livre dédié aux stratégies de distribution et de diffusion du film d’artiste et expérimental.

Enrico Camporesi, chercheur au Centre Pompidou, prépare actuellement une thèse sur des problèmes de restauration et muséologie du film d’artiste et expérimental à l’Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3 et à l’Université de Bologne. Il écrit régulièrement sur l’image en mouvement pour plusieurs revues (Fata Morgana, Necsus – European Journal of Media Studies, La Furia Umana). Il est également commissaire de programmes de films et avec Jonathan Pouthier il présente en ce moment le cycle « Duchamp du film » au Centre Pompidou.

Entrée libre sur réservation obligatoire à reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque sera délivrée lors de la confirmation de réservation)

BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

Centre Pompidou, niveau 3

75004, Paris

Parcours dans les collections imprimées de la Bibliothèque Kandinsky

Valdimir Maïakowski, El Lissitzky, 1923
Valdimir Maïakowski, El Lissitzky, 1923

 

 

Avant-gardes artistiques en Europe et graphisme : 1917-1940

La Bibliothèque Kandinsky propose une version numérisée d’une sélection d’objets imprimés, livres et revues, issus de ses collections, illustrant les expérimentations visuelles auxquelles se sont adonnés quelques artistes européens au lendemain de la première Guerre mondiale jusqu’aux années 30. Il s’agit d’artistes appartenant aux courants des avant-gardes : futuristes, Dada, constructivistes principalement, qui rompent avec les anciennes règles typographiques, transgressent les conventions en matière d’édition et proposent de nouvelles lectures plus optiques que phonétiques.

Ainsi, le futuriste napolitain, Francisco Cangiullo (1888-1977) dans Caffeconcerto qui paraît en 1919, carnet imprimés sur différentes couleurs, présente des figures composées de chiffres de lettres et d’autres éléments tirés de la casse d’imprimerie, accompagnées de dessins.

La même année, dans La Fin du Monde filmée par l’Ange N. D. : roman, écrit par Blaise Cendrars et illustré par Fernand Léger, c’est la technique du pochoir qui est employée pour poser les couleurs sur le texte.

Dans l’anthologie de poèmes de Vladimir Maïakovski, Dlja golosa (Pour la voix) parue en 1923 à Berlin et qui demeure l’oeuvre graphique la plus connue d’El Lissitzky (1890-1941), ce sont les éléments typographiques qui contribuent à une perception accrue des poèmes et la présence d’un système tout à fait original d’onglets remplaçant le sommaire qui sont innovants.

Dans Die Scheuche (L’Epouvantail) écrit par Kurt Schwitters (1887-1948) en 1925, Theo Van Doesburg (1883-1931) construit les personnages à partir des lettres de l’alphabet tandis que John Heartfield (1891-1968) en 1929, en pleine République de Weimar, ajoutera dans son Deutschland Deutschland über alles est, best-seller de Kurt Tucholsky, au jeu sur les éléments typographiques, les images photographiques.

De photographie, il est essentiellement question dans la Foto-Auge de Jan Tschichold, paru en 1929 au format A4, et qui constitue un autre exemple de cette Nouvelle Typographie : mise en page asymétrique, emploi exclusif des bas de casse, une reliure à la japonaise pour donner du volume à l’ouvrage en raison d’un nombre limité de pages (94).

Enfin dans ce parcours, Piet Zwart (1895-1977), graphiste néerlandais et figure de l’avant-garde graphiste internationale des années 20-30, membre du Cercle des nouveaux graphistes publicitaires avec Kurt Schwitters et Jan Tschichold, utilise le photomontage pour la page de couverture de Het Linnen Venster, premier numéro de la série sur le cinéma édité à Rotterdam à partir de 1931.

C’est en tout plus de vingt livres et quinze revues qui ont été sélectionnés dans nos collections pour illustrer les innovations en matière de conception graphique en Europe dans la première moitié du 20e siècle, où aux artistes déjà cités, s’ajoutent bien sûr les noms de Marinetti, Karel Teige, Laszlo Moholy-Nagy, etc.

A l’issue de ce parcours, qui n’a pas la prétention de faire le tour complet du sujet, nous ne saurions trop vous recommander de vous replonger dans l’excellente histoire du design graphique de Philip B. Meggs, de lire ou relire Jaroslav Andel, Avant-garde design : 1900-1950, de parcourir Le livre des livres : graphisme des livres au fil du temps de Mathieu Lommen (éditions Pyramid, 2012) et surtout de visiter la Bibliothèque Kandinsky dont la collection constitue une base de réflexion très pertinente pour tout chercheur, enseignant ou étudiant dans le domaine du design graphique.

Pour plus d’information sur la sélection opérée pour la numérisation des livres et revues, ainsi que pour les références bibliographiques, consulter notre portail : Parcours dans les collections imprimées : Avant-gardes et graphisme

Le carnet de recherche de la Bibliothèque Kandinsky, Musée National d'Art Moderne, Centre Pompidou, Paris