Aux éditions P

Non pas un livre mais « Une livre », de 420 gr., résultat des travaux de l’atelier de recherche consacré aux pratiques éditoriales dans le domaine de l’art de l’Institut supérieur des arts de Toulouse, dont l’acronyme IsdaT, par une coïncidence tout opportune, signifie « éditer » en russe.

A noter qu’on y trouve trois entretiens réalisés par Jérôme Dupeyrat et Olivier Huz avec des personnalités du monde du livre d’artiste, exerçant des fonctions différentes :

  • Didier Mathieu, directeur du Centre des livres d’artistes à Saint-Yrieix-la Perche;
  • Jérôme Saint-Loubert-Bié, designer graphique ;
  • Marc Camille Chaimowicz, artiste, auteur de livres et autres publications d’artiste.

Une livre

The Demarco Archive

Richard Demarco et Joseph Beuys devant les diagrammes théoriques « Kunst Ist Kapital ».  Edinburgh Festival 1980. Photo Sean Hudson.  Repris dans « The Demarco Collection & Archive : An Introduction », 2009
Richard Demarco et Joseph Beuys devant les diagrammes théoriques « Kunst Ist Kapital ».
Edinburgh Festival 1980. Photo Sean Hudson.
Repris dans « The Demarco Collection & Archive : An Introduction », 2009

La BIBLIOTHEQUE KANDINSKY du Musée national d’art moderne/CCI, Centre Pompidou reçoit, à l’occasion de sa présence à Paris,

RICHARD DEMARCO

pour une discussion autour de son parcours, sa collection et le projet The Demarco Archive :

le LUNDI, 22 JUIN, à partir de 18h30

 

Entrée libre sur réservation à reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque vous sera délivrée lors de la confirmation d’inscription)

« You cannot miss the Richard Demarco Gallery in Melville Crescent. It is the only building where the lights do not go off at 5.30 p.m. » L’affiche de l’exposition “New Directions” inaugurée en août 1970 pendant le festival d’Edinbourg résume bien l’esprit effervescent, créatif et fédérateur des événements organisés par l’infatigable Richard Demarco. Artiste, fondateur de théâtre, galeriste curieux, formidable imprésario et agrégateur des pratiques artistiques expérimentales, il transforme, dès la fin des années 1960, la scène écossaise en épicentre connecté aux milieux artistiques les plus variés allant de l’Amérique Latine à l’Europe Centrale et de l’Est. Le festival d’Edinbourg deviendra la plateforme d’élection, intermédiale et pluridisciplinaire avant la lettre, de la rencontre entre artistes, galeristes et performeurs comme Joseph Beuys, Marina Abramovic, Ida Biard, Sanja Ivekovic, Goran Trbuljak, Wiesław Borowski, Tadeusz Kantor, Paul Neagu, Günther Uecker, Arnulf Rainer ou Ian Hamilton Finlay. « Strategy : Get Arts » en 1970, « Romanian Art Today » en 1971, « Atelier ’72 Exhibition of 43 Polish artists » en 1972, « Austrian Exhibition » en 1973 ou bien « Aspects ’75. 49 Yougoslav artists » et les actions « Passepart » en 1975 sont autant de repères clé pour comprendre les pratiques alternatives sur les scènes locales et de moments d’échange international qui décloisonnent des situations politiques et territoriales complexes.

La rencontre avec Richard Demarco sera l’occasion de revenir sur son parcours à la fois de galeriste explorateur et d’archiviste méticuleux, auteur d’une foisonnante base documentaire et photographique.

 

 

« You cannot miss the Richard Demarco Gallery in Melville Crescent. It is the only building where the lights do not go off at 5.30 p.m. » announced the poster for the “New Directions” exhibition in august 1970 during the Edinburgh Festival. This little phrase alone sums up the lively, creative and federative mood of the events organised by the ever-active Richard Demarco. Artist, theatre founder, curious gallery owner, formidable impresario and aggregator of experimental artistic practices, Demarco will soon transform, starting with the end of 1960s, the Scottish art scene into a connected hub of various artistic milieus, going from Latin America to Central and Eastern Europe. The Edinburgh Festival will soon become the intermedial, interdisciplinary platform, bringing together artists and performers alike as Joseph Beuys, Marina Abramovic, Ida Biard, Sanja Ivekovic, Goran Trbuljak, Wiesław Borowski, Tadeusz Kantor, Paul Neagu, Günther Uecker, Arnulf Rainer or Ian Hamilton Finlay. « Strategy : Get Arts » in 1970, « Romanian Art Today » in 1971, « Atelier ’72 Exhibition of 43 Polish artists » in 1972, « Austrian Exhibition » in 1973 or « Aspects ’75. 49 Yougoslav artists » and « Passepart » actions in 1975 became landmark events in understanding alternative local practices and the quality of international exchange that broke down territorial and political barriers.

The evening will bring the occasion of going back to Richard Demarco’s trajectory as both prospective gallery-maker and minute archive-gatherer, author of an impressive documentary and photographic database.

 

BIBLIOTHEQUE KANDINSKY – CENTRE POMPIDOU

Niveau 3

 

La galerie Lara Vincy : quelques pépites.

Le 13 mai 1955, Lara Vincy inaugurait sa galerie au 47 rue de Seine à Paris. Ses choix se portaient alors sur les artistes suivants, témoins de l’abstraction des années 1960 : René Allio, Kito, Raza, Wostan et aussi Munford, Peter Clough, Seundja Rhee. En 1970, sa fille Liliane Vincy-Leiboviche en prend la direction, et s’est attachée depuis à explorer les nouveaux champs d’expérimentation de l’art.

"Inter Etrennes", intervention d'Alex Mlynarcik et Pierre Restany, du 8 au 16 décembre 1972
« Inter Etrennes », intervention d’Alex Mlynarcik et Pierre Restany, du 8 au 16 décembre 1972

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De nombreuses expositions, vidéos et installations sonores sont présentées, notamment « Le massacre de la Saint-Barthélémy » de Bertrand Lavier en 1973, ou l’exposition « Boites et idées » de Ben en 1983, à l’occasion de laquelle il recouvre la totalité de la façade de la galerie d’écritures-graffitis multicolores. Une importante exposition de Mail Art « International Mail Art Fair » en collaboration avec Julien Blaine et Pierre Restany a également lieu en 1979, rassemblant plus de 400 envois du monde entier. Des actions à caractère sociologique sont organisées en collaboration avec Pierre Restany et Alex Mlynarcik : « Inter Etrennes » en 1972, « Argillia » en 1977 et « Le Temps de l’ailleurs » en 1994.

"Le Royaume d'Argillia", projet d'Alex Mlynarcik en collaboration avec Pierre Restany et Liliane Vincy, du 20 septembre au 31 octobre 1977.
« Le Royaume d’Argillia », projet d’Alex Mlynarcik en collaboration avec Pierre Restany et Liliane Vincy, du 20 septembre au 31 octobre 1977.

Ces collaborations sont documentées par le petit fonds d’archives conservé à la Bibliothèque Kandinsky, inventaire à découvrir ici.

Cinéplastique

INTRODUCTION A LA CINEPLASTIQUE

ANIMATION ET BRICOLAGE

VENDREDI 15  MAI – 12H – CINEMA 2 – ENTREE LIBRE

« Cinéplastique » est un cycle annuel de séances pédagogiques présentées par Arnaud Maillet, Maître de Conférences à l’UFR d’Art et d’Archéologie, conçu en partenariat avec l’Université Paris-Sorbonne et accompagnant la projection de films et de vidéos des trois collections du Musée National d’Art Moderne : la collection Film, la collection Nouveaux médias et la collection audiovisuelle de la Bibliothèque Kandinsky.

15maiRobert Breer, TZ (c) Centre Pompidou, MNAM-CCI

La dernière séance de « Cinéplastique » prévue le 15 mai 2015 portera sur le thème de l’animation et du bricolage et la Bibliothèque Kandinsky programme,  à cette occasion, le film « Une semaine de bonté ou les sept éléments capitaux » réalisé par Jean Desvilles entre 1961 et 1965.  Film d’animation d’une histoire gothique d’après les collages de gravures anciennes du roman surréaliste de Max Ernst conçu et publié par l’artiste en 1933 pendant un voyage en Italie.

La séance aura lieu dans la salle Cinéma 2 (niveau -1) du Centre Pompidou, Place Georges Pompidou, 75004 Paris, à partir de 12 h. Entrée libre (dans la limite des places disponibles).

Vous trouvez ici le programme complet et détaillé :

Len Lye, Experimental Animation, 1933, film 35 mm noir et blanc, sonore, 2’07’’.

Oskar Fischinger, Komposition in Blau, 1935, film 35 mm couleur, sonore, 3’30”.

Alexandre Alexeieff, Claire Parker, Night on Bald Mountain (Une nuit sur le mont Chauve), 1933, film 35 mm noir et blanc, sonore, 9’.

Jean Desvilles, Une semaine de bonté ou les sept éléments capitaux, entre 1961-1965, film 16 mm noir et blanc, sonore, 18’.

Robert Breer, TZ, 1979, film 16 mm couleur, sonore, 9’

Robert Breer, Sparkill Ave!, 1992, film 16 mm couleur, sonore, 5’

Karo Goldt, Subrosa, 2004, video, couleur, sonore, 3’.

Michel Gondry, Human Behaviour, 1994, vidéo, couleur, sonore, 4’12’’.

Michel Gondry, Jöga, 1997, vidéo, couleur, sonore, 3’24’’.

TAYFUN SERTTAS

15042015

 

La Bibliothèque Kandinsky accueille Tayfun Serttas, jeune artiste stambouliote, pour une conférence où il présentera trois projets qu’il a réalisés autour des archives photographiques dans l’objectif de rétablir la mémoire des minorités non-musulmanes d’Istanbul.

 MERCREDI 15 AVRIL à 18h30

La conférence sera l’occasion de revenir sur trois chantiers archivistiques que Tayfun Serttas a mis en place autour de la mémoire de Pera, quartier greco-arménien d’Istanbul :

Les archives d’Osep Minasoglu : Photographe de studio, Osep Minasoglu documente la vie nocturne du quartier qui se transforme au fur et à mesure des départs de ses habitants.

Les archives de Maryam Sahinyan : Sans jamais abandonner une certaine distance bienveillante, travaillant pendant cinq décennies dans un petit studio de 18 m², la photographe Maryam Sahinyan dessine le portrait démographique de Pera.

Le cimetière d’architectes : Les bâtiments construits par les architectes grecs et arméniens pendant les dernières décennies de l’Empire Ottoman et les premières années de la République de Turquie sont démolis sous prétexte de nouveaux plans d’urbanisme. Tayfun Serttas essaie de trouver une solution pour en garder au moins quelques traces.

Tayfun Serttas (1982) vit et travaille à Istanbul. Il compléta ses études d’anthropologie avec un programme de master interdisciplinaire et un mémoire sur « Photographie et minorités à Istanbul dans le contexte du modernisme et de la représentation culturelle ». Sa pratique artistique en garde la trace ; son travail est imprégné des sujets comme l’anthropologie urbaine, l’égalité sociale, le patrimoine culturel et altérité, la critique de la société civile, la sociologie de la vie quotidienne, les minorités, la transformation urbaine, et les stratégies socio – politiques. Ses installations se composent souvent de divers médias comme les objets trouvés, les sculptures, les photographies, les dessins ou encore la vidéo. En variant ses points de vue, Serttas critique la mémoire normative des sociétés modernes. A mi-chemin entre sociologue et artiste, à travers expérimentations et recherches interdisciplinaires il interroge l’écriture de l’histoire officielle.

Entrée libre sur réservation obligatoire par courriel : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

BIBLIOTHEQUE KANDINSKY – CENTRE POMPIDOU Niveau 3

BIBLIOTHEQUE KANDINSKY’S SUMMER UNIVERSITY 2 – 11 July 2015, CENTRE POMPIDOU

Vue de la salle dite « des martyrs » au Musée du Jeu de Paume, Paris. Négatif n/b sur planfilm 20 x 25 cm. Partie gauche de deux prises de vues réalisées à la chambre photographique au printemps 1942 par le service photographique allemand du ERR (Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg). Ces négatifs ont servi ces dernières années à une identification quasi complète des oeuvres spoliées et exposées dans les salles du Jeu de Paume à l’époque : http://www.culture.gouv.fr/documentation/mnr/MnR-jdp.htm
Caption of the « Martyrs » room, Musée du Jeu de Paume, Paris. Négative b/w sur planfilm 20 x 25 cm. Left side of the two captions taken by photographic chamber on spring 1942 by the  ERR (Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg) Photo service. These negatives were recently used to almost completely identify the looted works of art exhibited in the Jeu de Paume spaces at the time : http://www.culture.gouv.fr/documentation/mnr/MnR-jdp.htm

 

PRIMARY SOURCES AT WORK

Nazi Looted Art – the Parisian scene

 CALL FOR PARTICIPATION

The Bibliothèque Kandinsky’s Summer University is a Centre Pompidou research program installed on the very premises of the museum. It focuses on modern and contemporary art primary sources: archives, documentary materials (both written and visual), interviews, records and appropriations. As interdisciplinary initiative, the Summer University brings together young researchers: historians, art historians, anthropologists, sociologists, artists, critics and curators which share a collective reflection with art professionals and various scholars around source materials. It will be held in the museum’s space all around a conference table acting at the same time as an exhibition device displaying documents until September 2015. The space will be invested with facsimiles, reproductions and archival material invoked during the working sessions. Conceived following the Atlas model, it will be photographed each day. The working material will be annotated and commented by the participants during writing workshops. The editorial production of this material will be assembled in the format of a journal – « Journal de l’Université d’été de la Bibliothèque Kandinsky »- as a critical anthology registering the debates during the sessions and as a graphic production.

During the last twenty years, the crimes of plundered art and its subsequent restitutions were the object of various forms of discourse: historical, institutional, juridical or artistic. Numerous symposia as well as artistic projects are permeated by the crucial, even though technical, question of patrimonial legacy. For the next edition of its Summer University, the Bibliothèque Kandinsky will re-examine this question going along the primary sources.

Getting back to the topic of primary sources convokes the entire spectrum of their meanings and uses. Sources have a pivotal role in the writing and understanding of history. They also shed light on the often tortuous trajectory of some objects and on the legitimacy of restitution requests. They are frequently invested by complex intellectual and artistic operations seeking to find out the right distance in bringing up this phenomenon and the meanings of a past which inscribes itself in our present.

Nevertheless, a source “in itself” says very little. To make sense, it has to be articulated by multiple contextual connectors capable of conveying the stakes, scale and layers of the plundering process. A selection of sources will be available during the Summer University; participants are invited to bring up and contribute with their own resources, used in their research. Confronted to a diverse repertoire of sources, each participant will be expected to put together historiographical thinking, critical sense and inventiveness. The Bibliothèque Kandinsky Summer University 2015 edition will give the opportunity to put the sources “at work” and to bring together young researchers, curators and artists around the poignant subject of Nazi looted art on the Parisian scene.

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UNIVERSITÉ D’ÉTÉ DE LA BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY, 2-11 juillet 2015, Centre Pompidou

Vue de la salle dite « des martyrs » au Musée du Jeu de Paume, Paris. Négatif n/b sur planfilm 20 x 25 cm. Partie gauche de deux prises de vues réalisées à la chambre photographique au printemps 1942 par le service photographique allemand du ERR (Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg). Ces négatifs ont servi ces dernières années à une identification quasi complète des oeuvres spoliées et exposées dans les salles du Jeu de Paume à l’époque : http://www.culture.gouv.fr/documentation/mnr/MnR-jdp.htm
Vue de la salle dite « des martyrs » au Musée du Jeu de Paume, Paris. Négatif n/b sur planfilm 20 x 25 cm. Partie gauche de deux prises de vues réalisées à la chambre photographique au  printemps 1942 par le service photographique allemand du ERR (Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg). Ces négatifs ont servi ces dernières années à une identification quasi complète
des oeuvres spoliées et exposées dans les salles du Jeu de Paume à l’époque : 
http://www.culture.gouv.fr/documentation/mnr/MnR-jdp.htm

LES SOURCES AU TRAVAIL
Les spoliations d’oeuvres d’art par les nazis – la scène parisienne

APPEL A CANDIDATURE

L’Université d’été de la Bibliothèque Kandinsky est un programme du  Centre Pompidou qui se déroule dans l’espace public du musée. Elle a pour objet les sources de l’art moderne et contemporain : archives, documentation écrite, photographique ou filmique, témoignages et appropriations. Initiative interdisciplinaire, l’Université d’été de la
Bibliothèque Kandinsky réunit des jeunes chercheurs : historiens et historiens de l’art, anthropologues et sociologues, artistes, critiques, commissaires d’expositions, etc., qui partagent un travail collectif sur les sources avec des professionnels de l’art et des universitaires.

Implantée dans une salle du musée, la grande table-vitrine autour de
laquelle s’assemblera l’Université d’été sera constamment visitable jusqu’en septembre, au-delà des dix journées de son déroulement. Les cimaises dont la table-vitrine est entourée recueilleront les fac-similés, ou les reproductions, des sources archivistiques et des documents proposés ou évoqués au cours des séances. A l’issue de chaque étape du déroulement du programme de l’Université d’été, ces planches seront photographiées. Dans le cadre d’ateliers
d’écriture, les planches seront annotées, commentées et assorties de notices par les participants et les intervenants, sous la conduite d’une direction artistique et avec l’aide de graphistes qui en assurent la mise en page. La production éditoriale de ces échanges, le « Journal de l’Université d’été de la Bibliothèque Kandinsky », sera alors, tout à la fois, un recueil de sources, un reflet du travail accompli et des questionnements partagés, et une création graphique.

Le crime des spoliations et la politique de restitutions qui lui a répondu ont fait l’objet, depuis une vingtaine d’années, d’importants investissements, historiographiques, institutionnels, juridiques ou même artistiques. De nombreux colloques ou propositions artistiques récentes montrent à l’envie les enjeux brûlants qui se profilent derrière cette question patrimoniale qui n’est technique qu’en apparence. Dans la nouvelle édition de son Université d’été, la
Bibliothèque Kandinsky propose de procéder à un réexamen du dossier en revenant au point de départ, c’est-à-dire aux sources.

Les sources ? On n’insiste jamais assez sur la multiplicité de leur sens et de leurs usages. Elles servent à écrire et comprendre l’histoire de ce qui s’est passé. Dans le cas présent, ce sont elles également qui permettent de débrouiller le parcours tortueux des oeuvres et la légitimité des éventuelles demandes de restitution. Elles peuvent enfin servir de support à des opérations intellectuelles plus complexes, celles d’artistes contemporains dont les oeuvres, se référant à celles que les nazis ont ciblées du fait de leur auteur ou de leur propriétaire, disent quelque chose de la manière dont ce
passé est partie prenante de notre présent. Or une source, en elle-même, à elle seule, ne dit rien ou si peu. Ce qui fait sens, c’est la manière dont nous sommes capables de les articuler les unes aux autres, de procéder à des raccords contextuels multiples et de donner à voir la stratification des enjeux de la spoliation.

L’Université d’été mettra un choix de sources à disposition des participants qui sont, pour leur part, invités à enrichir cet ensemble en apportant les sources utilisées dans leurs travaux. Il s’agira certes, par un travail collectif, de mettre en oeuvre un répertoire d’opérations historiographiques, mais aussi d’exercer son sens critique et sa capacité d’inventivité. L’Université d’été de la Bibliothèque Kandinsky 2015 sera donc l’occasion de mettre les sources « au travail » – de mettre au travail de jeunes chercheurs, étudiants conservateurs ou artistes sur les sources des spoliations d’oeuvres d’art par les nazis sur la scène parisienne.

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ARTPOOL ACTIVE ARCHIVE avec Julia Klaniczay

julia klaniczay

La BIBLIOTHEQUE KANDINSKY du Musée national d’art moderne/CCI, Centre Pompidou reçoit, à l’occasion de sa présence à Paris, JÚLIA KLANICZAY, pour une discussion autour du projet d’ « archives actives » ARTPOOL,

le Mercredi 1 avril 2015, à partir de 18h30

BIBLIOTHEQUE KANDINSKY

(en Anglais)

Entrée libre sur réservation à reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque vous sera délivrée lors de la confirmation d’inscription)

Fondé en 1979 à Budapest par l’artiste György Galántai et Júlia Klaniczay, ARTPOOL est devenu vite le point nodal des pratiques artistiques alternatives dans l’Europe Centrale et de l’Est et une plaque tournante internationale, conçue à la fois comme une énorme base documentaire évolutive et un institut de recherche. Bâties sur le principe d’une « archive active », les collections Artpool connectent de manière rhizomatique et expérimentale artistes Fluxus, art vidéo, performance, installation, poésie visuelle et sonore, mail art, art conceptuel, publications samizdat et pratiques artistiques underground, art Xerox, computer art et musique contemporaine. Editrice chez Akadémiai Kiadó entre 1977 -1992, Júlia Klaniczay est l’auteure de plusieurs articles sur les scènes artistiques alternatives des années 1970 et 1980. Depuis 1992, elle est la directrice de l’institution non – profit Artpool Art Research Center à Budapest.

Júlia Klaniczay interviendra le 2 avril dans le cadre de « Ressourcer l’archive. L’exemple de l’art américain (1945-1980) », journée d’études organisée par Rachel Stella sous l’égide de la Terra Foundation for American Art en partenariat avec l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris (programme dans la pièce-jointe).

The Bibliothèque Kandinsky, National Museum of Modern Art/CCI, Centre Pompidou welcomes JÚLIA KLANICZAY’s talk around the ARTPOOL “active archive” project

Wednesday, the 1st of April 2015, 18h30

BIBLIOTHEQUE KANDINSKY

(in English)

 

Free entrance. RSVP required at reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Founded in Budapest in 1979 by artist György Galántai and Júlia Klaniczay, ARTPOOL became the main hub of alternative artistic practices in Central and Eastern Europe. Structured as an international network, it encompasses at the same time an ongoing documentary database and a research institute. Following the “active archive” concept, Artpool collections interconnect Fluxus artists, video art, performance and installation, visual and sound poetry, mail art, conceptual art, zines production and underground artistic practices, copy art, computer art and contemporary music. Editor at Akadémiai Kiadó between 1977-1992, Júlia Klaniczay signed numerous articles on alternative art scenes of the 70s and 80s. Since 1992 she is the director of the non-profit organisation Artpool Art Research Center in Budapest.

Júlia Klaniczay will give a talk on the 2nd of April at the « Ressourcer l’archive. L’exemple de l’art américain (1945-1980) » symposia organized by Rachel Stella (Terra Foundation for American Art in partnership with École nationale supérieure des beaux-arts de Paris).

BIBLIOTHEQUE KANDINSKY – CENTRE POMPIDOU

Niveau 3

 

 

TRAFIC 93. DOSSIER « HARUN FAROCKI »

farocki

Le 37e Cinéma du réel, en collaboration avec la Bibliothèque Kandinsky présentent 

le Numéro 93 de la revue TRAFIC (printemps 2015) consacré à Harun Farocki.

 

 

 

VENDREDI 27 MARS à 18h30 à la Bibliothèque Kandinsky

En présence de Raymond Bellour, Sylvie Pierre, Patrice Rollet et Christa Blümlinger.

Entrée libre sur réservation obligatoire par courriel : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque vous sera délivrée lors de la confirmation d’inscription)

BIBLIOTHEQUE KANDINSKY – CENTRE POMPIDOU- Niveau 3

A quoi tient le design

A quoi tient le design ?

 

 

Dans le cadre du cycle de rencontres mensuelles autour de livres et de recherches en théorie et critique d’art, soutenus par le CNAP, la BIBLIOTHEQUE KANDINSKY du Musée national d’art moderne/CCI au Centre Pompidou

et le CENTRE NATIONAL DES ARTS PLASTIQUES (CNAP) présentent :

À QUOI TIENT LE DESIGN publié par De L’Incidence Éditeur

en présence de l’auteur Pierre-Damien Huyghe et d’Olivier Koettliz

MERCREDI 18 MARS 2015, 18H30

BIBLIOTHEQUE KANDINSKY

Entrée libre sur réservation à reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque vous sera délivrée lors de la confirmation d’inscription)

« À quoi tient le design », cette phrase est dite d’abord pour affirmer que le design fut une attitude historiquement décidée à l’articulation des XIXe et XXe siècle au sein même de la société industrielle. Mais celles et ceux qui aujourd’hui entreprennent d’inscrire quelque chose de leur personne et de leur existence au nom du design tiennent-ils toujours à cette attitude ? Leur paraît-elle seulement plausible ? Ce qui procéda certes d’un élan et d’une conviction, mais sut aussi marquer l’époque de quelques faits décisifs (accrochés à la mémoire en tout cas, comme le Bauhaus) est peut-être en train de perdre quelques traits essentiels de son caractère. Peut-être sommes-nous à un tournant, mais peut-être seulement. Faut-il se presser de conclure sur ce point ? Rien n’est moins sûr. En étudiant, par divers biais et de diverses manières les engagements du design historique, ce livre doute qu’une autre époque nous concerne substantiellement. « À quoi tient le design » n’est donc pas exactement – ou pas seulement – une affaire d’histoire. Même sans savoir précisément en quoi, attendant sans doute une philosophie à la fois précise et inquiète quant à ce qui se joue, nous tenons encore à ce à quoi le design a tenu, nous sommes toujours concernés par ses conditions de possibilité. Aux poussées techniques industrielles qui motivèrent autrefois le design se sont substituées des poussées techniques qui n’ont pas la même nature matérielle. Mais ce sont toujours des poussées techniques, et prises comme avant dans une économie. Si le design tient, c’est, ce sera pour qu’elles ne soient pas seulement ainsi prises, mais pour qu’elles parviennent à un mieux naguère appelé « forme » et qu’ainsi parvenues, elles prennent davantage d’allure.

Cet ouvrage a bénéficié de l’aide à l’édition du CNAP.
Essai en six fascicules, 490 pages // réparties en 6 fascicules // décembre 2014

 

anarchivistes

Faisant écho aux célébrations du 20ème anniversaire d’anarchive, la Bibliothèque Kandinsky dédie une exposition documentaire au parcours des artistes collaborateurs de cette collection unique.

Fondée à l’initiative d’Anne-Marie Duguet anarchive, est « une collection de projets multi-médias interactifs invitant à explorer l’ensemble de l’œuvre d’un artiste à partir d’archives multiples. » Si, aujourd’hui, les archives d’artiste attisent de plus en plus la curiosité, voire l’intérêt, les cinq éditions d’anarchive paraissent totalement précurseurs. Ces cinq ouvrages déjà publiés et les trois prochains qui verront bientôt le jour sont autant de tentatives non seulement de documenter d’une manière originale l’œuvre de l’artiste concerné, fournissant à son lecteur d’innombrables possibilités d’approche, mais également de constituer un vocabulaire artistique critique par les artistes qui y prêtent/dévoilent leurs archives. Ces artistes associés sont particulièrement sensibles à la rigidité/sévérité des systèmes de représentation et élaborent des techniques d’expression insubordonnées pour appréhender le monde qui les entoure, au moment où les images et surtout les images en mouvement commencent à occuper toute une nouvelle place dans la culture contemporaine. Ce n’est donc certainement pas un hasard que tous les artistes participants aient utilisé la vidéo, nouveau medium inexploré et dont les limites et les contours restent à être expérimentés.

De la vidéo, les anarchivistes font un terrain d’expérimentation sémiologique. A l’opposé des systèmes de signifiants dominants, bien établis dont les artistes critiquent la structure, le langage de la vidéo n’est pas encore fixé, ni défini au moment où ils l’investissent. Profitant de cette période de passage, les artistes en interrogent les possibilités plastiques et esthétiques afin de mettre en place de nouvelles stratégies d’image, libres et libérées. Antonio Muntadas « lit entre les lignes pour saisir les significations objectives et subjectives des images », il dévoile les « mécanismes invisibles » des systèmes de représentation et d’information tel que les médias, la télévision et la publicité, en mettant en place des « stratégies d’appropriation, de fragmentation, de décomposition, d’isolement, de recadrage ». Jean Otth perturbe l’espace TV qui commence à occuper de plus en plus nos vies, et propose un scénario pour rendre visibles « les esthétiques sous jacentes du langage télévisuel [qui] ont plus d’importance que les esthétiques consenties et assumées par les producteurs d’images ». Thierry Kuntzel « traverse le paradoxe » pour se placer dans un environnement où l’absence est au moins l’égale de la présence. Dans son imagerie, la « représentation se joue sur le mode de l’épuisement. Elle devient le lieu d’une tension vers l’absence, mais une absence « chauffée à blanc », incandescente, qui résiste. » Et « dans Nostos II, l’image brûle dans son être même, retour du retour de la nostalgie, jusqu’à l’insoutenable […] travail sur la trace, l’effacement, les ressaisies de la mémoire. Il nous montre aujourd’hui comment une mémoire brûle ». Michael Snow se veut sans système et volontiers amateur pour s’éloigner des sentiers battus de l’art. Ses expérimentations poussent les mouvements de caméra et le langage cinématographique jusqu’à leur extrême, jusqu’à ce qu’ils perdent toute référence habituelle et il essaie « de faire en sorte qu’un élément particulier du cinéma devienne le protagoniste de l’événement filmique ». Fujiko Nakaya connue pour ses sculptures de brouillard qui entraînent le visiteur dans un environnement enveloppant, de perte de référence, investit également l’image vidéo, pourtant medium frontal, nécessitant une certaine distance. « Elle développe avec des collectifs comme Video Hiroba, une approche fondée sur le document et la discussion immédiate des événements grâce au feed-back électronique, dans le cadre d’interventions sociales. Le contexte international est celui de l’après-68 et la « vidéo légère » est alors un instrument idéal pour engager un dialogue et témoigner, enregistrer au quotidien des situations et des paroles que les grands médias ignorent. »

Les documents exposés ici témoignent d’une part de la participation de ces artistes au projet d’anarchive et d’autre part s’efforcent de donner quelques éléments de réflexion supplémentaires qui traversent leur travail et qui affectent notamment leur approche de la vidéo, a fortiori des images en mouvement.

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Vers une géographie des reproductions photographiques : le cas d’une image-fétiche des publications d’avant-garde.

« La Tour Eiffel, ou l’histoire d’un cliché » est le titre d’une brève que le théoricien d’avant-garde tchèque Karel Teige consacre en 1929 à une vue photographique à vol d’oiseau de la Tour Eiffel, dans la revue ReD (Revue Devětsil)[1]. Il y recense les apparitions successives de la même image dans différentes publications françaises et tchèques, sur un laps de temps d’une vingtaine d’années. À l’époque déjà, le théoricien et chef de file du mouvement d’avant-garde Devětsil[2] pressentait que l’anecdote était symptomatique de la circulation des reproductions photographiques au sein des publications illustrés ; il ne se doutait pas à quel point elle nous apparaitrait aujourd’hui révélatrice de la densité des échanges internationaux entre les avant-gardes artistiques. Au gré des prélèvements successifs de Karel Teige et du Corbusier, en quête d’illustrations pour leurs ouvrages et revues, et même par le peintre Robert Delaunay cherchant l’inspiration, l’image change de contexte, subit des ajustements formels, retouches et recadrages, et voit sa signification infléchie par le discours qui l’accompagne. L’histoire des techniques de reproduction photomécanique constitue la toile de fond sur laquelle se déroulent ces transferts et nous permet de mieux appréhender les motivations d’ordre pratique des acteurs qui y prennent part.

 

Aux origines de la prise de vue

À l’origine, la vue de la Tour Eiffel avait été publiée dans un ouvrage de 1909 intitulé Paris vu en ballon et ses environs, avec une trentaine d’autres photographies aériennes prises par les photographes André Schelcher et Albert Omer-Décugis [ill.1][3]. Prise à cinquante mètres du sommet, à l’aide d’un appareil orienté presque perpendiculairement à la Tour, la photographie place sur un même plan la silhouette incurvée du monument et les arabesques que dessinent les allées sablonneuses des jardins du Champ de Mars. Comme le souligne l’historien de la photographie Thierry Gervais, l’attrait formel de la prise de vue, celui-là même qui éveillera l’intérêt des avant-gardes, répondait avant tout à des intérêts commerciaux[4]. Grâce à la prouesse technique et au caractère novateur de la vue aérienne ainsi qu’à un traitement formel pittoresque, l’image promettait en effet de faire sensation auprès du public. Elle connaîtra de fait une large diffusion.

[1] Anonyme [Karel Teige], « Eiffelka, čili historie jednoho klišé » [La Tour Eiffel, ou l’histoire d’un cliché], ReD, II, n°7, mars 1929, p.222.

[2] L’Union artistique « Devětsil » dont le nom veut littéralement dire « neuf forces », fut instituée le 5 octobre 1920 à Prague. Le poète Jaroslav Seifert, membre fondateur du groupe, explique, dans son autobiographie romancée (Toutes les beautés du monde: Souvenirs et histoires vécues, trad. Milena Braud, Paris, Belfond, 1991, p.258), que ce nom faisait référence à une plante médicinale, la pétasite en français, à laquelle la croyance populaire attribuait neuf vertus curatives. Devětsil était le groupe le plus radicalement avant-gardiste du nouvel état tchèque durant les années vingt, avant d’être dissous en 1930. Mais il fut frappé d’omerta durant la période communiste qui suivit le coup d’état de 1948 et possède de ce fait une historiographie récente: František Šmejkal (éd.), Devětsil: Czech avant-garde art, architecture and design of the 1920s and 30s, cat.exp., Oxford, Museum of Modern Art, 1990 ; Jaroslav Anděl (éd.), El arte de la vanguardia en Checoslovaquia 1918-1938 / The Art of the Avant-garde in Czechoslovakia 1918-1938, 10 fév.-11 avr. 1993, Valence, IVAM, Valence, IVAM, 1993 ; Jaroslav Anděl, Emmanuel Starcky (éd.), Prague 1900-1938, capitale secrète des avant-gardes, 15 juin-13 oct. 1997, Dijon, Musée des Beaux-Arts, Dijon, Musée des Beaux-Arts, 1997.

[3] Albert Omer-Décugis, André Schelcher, Paris vu en ballon et ses environs, Paris, Hachette et Cie, 1909.

[4] Thierry Gervais, « Un basculement du regard », Études photographiques, mai 2001 : http://etudesphotographiques.revues.org/916. Consulté le 30 septembre 2014.

CINEPLASTIQUE

INTRODUCTION A LA CINEPLASTIQUE

LE GESTE GRAPHIQUE

VENDREDI 6 MARS – 12H – CINEMA 2 – ENTREE LIBRE

« Cinéplastique » est un cycle annuel de séances pédagogiques présentées par Arnaud Maillet, Maître de Conférences à l’UFR d’Art et d’Archéologie, conçu en partenariat avec l’Université Paris-Sorbonne et accompagnant la projection de films et de vidéos des trois collections du Musée National d’Art Moderne : la collection Film, la collection Nouveaux médias et la collection audiovisuelle de la Bibliothèque Kandinsky.

Hans Namuth, Jackson Pollock © Centre Pompidou, MNAM-CCI
Hans Namuth, Jackson Pollock © Centre Pompidou, MNAM-CCI

La prochaine séance portera sur le thème du geste graphique et la Bibliothèque Kandinsky programme, à cette occasion, quatre films ayant marqué l’histoire du film sur l’art :

-Visite à Picasso de Paul Haesert, réalisé en 1949, où la vie du peintre est portée à l’écran au moyen d’un ingénieux système permettant de suivre la gestualité et les mouvements de l’artiste aux prises avec la naissance d’une œuvre. Picasso y peint derrière une vitre dont la transparence nous permet d’observer l’évolution de sa composition.

-Jackson Pollock réalisé en 1951 par Paul Falkenberg et Hans Namuth. Le film reprend le système de visionnage à travers la vitre qui cette fois est placée au sol afin de respecter la technique du dripping de l’artiste qui plaçait ses toiles au sol au moment de les peindre. Chaque hésitation devient visible pour le spectateur : après une première tentative sur verre l’artiste insatisfait efface son tableau pour en recommencer un autre.

Henri Matisse de François Campaux réalisé en 1946. La caméra suit le processus créateur geste par geste et l’œuvre se crée sous le regard du spectateur pendant la fameuse séquence du ralenti. On peut ainsi ressentir jusqu’aux doutes, aux hésitations et aux repentirs de l’artiste.

-Enfin un film inédit sur Vassily Kandinsky, véritable témoignage historique, montrant l’artiste en train de peindre un tableau qui est montré fini en tout début de film.

Programme de la séance :

Hans NAMUTH & Paul FALKENBERG, Jackson Pollock, 1951
film 16 mm couleur, sonore, 10’14’’

François CAMPAUX, Henri Matisse, 1946
film 16 mm, noir et blanc, sonore, 22’

Paul HAESAERT, Visite à Picasso, 1949
film 16 mm, noir et blanc, sonore, 20’18’’

Anonyme, [Kandinsky en train de peindre], s.d.
film, noir et blanc, silencieux, 2’49’’

Gary HILL, Picture Story, 1979
vidéo, NTSC, couleur, sonore, 6’27’’.

Renseignements : valentina.valentini@centrepompidou.fr

IMAGE EMPLOYMENT

Mark Leckey, GreenScreenRefrigerator. 2010. Avec l’aimable autorisation de l’ artiste et de Gavin Brown' enterprise (NYC).
Mark Leckey, GreenScreenRefrigerator. 2010. Avec l’aimable autorisation de l’ artiste et de Gavin Brown’ enterprise (NYC).

 

La Bibliothèque Kandinsky du Musée national d’art moderne/CCI vous invite à la présentation de

IMAGE EMPLOYMENT

en présence de Aily Nash et Enrico Camporesi

Jeudi, 19 février 2015, à partir de 18h30

Entrée libre sur réservation obligatoire : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Image Employment est un programme de recherche interdisciplinaire qui explore l’image en mouvement pour révéler   la notion de force de travail dans le contexte contemporain et ses divers moyens de production dans ses registres les plus variés (industriel, sociétal, informationnel, consumériste). Le projet documente les situations multiples de générativité d’image et les formes d’autoreprésentation instrumentalisées par la société capitaliste. Le traitement qu’Aily Nash fait partager à partir de son corpus de films et de vidéos se place dans un entre-deux critique, entre distance objective et complicité avec les processus internes de représentation. L’analyse de la production de l’image crée à son tour des temporalités et des expériences du regard différentes.

Image Employment sera présenté par sa commissaire Aily Nash comme une conférence qui examine les œuvres et les idées explorées dans ce projet multiple. La présentation sera entrecoupée d’extraits par la plupart des images en mouvement évoquées.

Image Employment, organisée par Aily Nash et Andrew Norman Wilson, a pris la forme d’une exposition au MoMA PS1 (New York) à l’automne 2013 et de différents programmes à FACT Liverpool, Iowa Museum of Art, Import Art Projects (Berlin), Art Dubai et CCS Bard / Basilica Hudson. Au printemps de 2014, Image Employment a fait l’objet d’un séminaire à Parsons The New School for Design et Bruce High Quality Foundation University.

Le projet comprend des œuvres de Michael Bell-Smith, Neil Beloufa, Guy Ben-Ner, Ben Brown Thorp, DIS Magazine, Harm van den Dorpel, Daniel Eisenberg, Kevin Jerome Everson, Harun Farocki, Zachary Formwalt, Mark Leckey, Sharon Lockhart, frères Lumière, Lucy Raven, Ben Rivers, Hito Steyerl, Superflex, Pilvi Takala, Ryan Trecartin et Andrew Norman Wilson.

La conférence (en anglais) sera suivie par une discussion avec le public et modérée par Enrico Camporesi.

Aily Nash, commissaire d’exposition, vit et travaille entre Hudson et Brooklyn, New York. Elle est programmatrice pour Projections, la section des films et vidéos expérimentaux du New York Film Festival. Elle a conçu des programmes et des expositions pour MoMA PS1 (NYC), FACT (Liverpool), BAM Brooklyn Academy of Music (NYC), Anthology Film Archives (NYC), Northwest Film Center (Portland), Image Forum (Tokyo). Ses écrits ont paru dans Brooklyn Rail, Artforum.com, Film Comment, De Filmkrant. Actuellement elle est programmatrice des film et médias à Basilica Hudson, co-organise Talent Press, un programme de critique de cinéma à la Berlinale, et enseigne à Bruce High Quality Foundation University (NYC).

Enrico Camporesi, chercheur à l’Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3 et à l’Université de Bologne, prépare actuellement une thèse sur des problèmes de restauration et muséologie du film d’artiste et expérimental. Il écrit régulièrement sur l’image en mouvement pour plusieurs revues (Millennium Film Journal, Fata MorganaNecsus – European Journal of Media StudiesLa Furia Umana). Il a également conçu des programmations de films/vidéos pour, entre autres, le Centre Pompidou, Light Cone, Cineteca di Bologna, Millennium Film Workshop, et Microscope Gallery (NY).

La conférence a été organisée grâce au soutien du LIRA (Laboratoire International de Recherches en Arts) – Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3.

SCULPTURE IN REVERSE par Michael Heizer – Éditions Lutanie

 

sculpture reverse

Dans le cadre du cycle de rencontres mensuelles autour de livres et de recherches en théorie et critique d’art, soutenus par le CNAP,

La Bibliothèque Kandinsky du Musée national d’art moderne/CCI, Centre Pompidou et le Centre national des arts plastiques (CNAP) vous invitent à la présentation de Sculpture in Reverse, de Michael Heizer, en présence de Manon Lutanie, éditrice, et de Raphaëlle Brin, traductrice de l’ouvrage.

Mercredi 21 janvier 2015, à 18h30

Entrée libre sur réservation : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Paru à l’automne 2014 aux Editions Lutanie, Sculpture in Reverse est la réédition et la traduction d’un entretien conduit en novembre 1983 par Julia Brown, critique d’art et commissaire au Museum of Contemporary Art de Los Angeles et publié en 1984 dans le catalogue de l’exposition Michael Heizer, Sculpture in Reverse (MOCA, Los Angeles). L’entretien original est reproduit ici en fac-similé, et sa traduction est accompagnée d’autres images du catalogue initial, agencées dans un nouvel ordre élaboré en étroit échange entre Michael Heizer et Manon Lutanie. Lieu qui fait entendre la voix d’un artiste majeur du premier Land Art américain, lieu également d’une aventure de la recherche et de la réactivation éditoriale, Sculpture in Reverse est à la fois une réflexion sur les modalités de reproduction de l’art et sur les qualités typographiques d’un catalogue-clé de l’édition contemporaine.

À cette occasion, Hard Core, le film réalisé par Walter de Maria en 1969 dans le désert Black Rock de Nevada et  auquel Michael Heizer contribue, sera projeté et présenté par le critique de cinéma Antoine Thirion.

Les vitrines de la Bibliothèque Kandinsky seront consacrées à Michael Heizer.

L’ouvrage a reçu le soutien du Centre national des arts plastiques (CNAP).

http://www.editionslutanie.fr/

http://www.centrepompidou.fr/

http://www.cnap.fr/

Le carnet de recherche de la Bibliothèque Kandinsky, Musée National d'Art Moderne, Centre Pompidou, Paris