ECHOES OF EXILE. Moscow Archives and the Arts in Paris 1933-1945

echoes of exile

Présentation et discussion avec  Ines Rotermund–Reynard, Isabelle le Masne de Chermont, Bénédicte Savoy, Sandra Dahlke et Didier Schulmann

MERCREDI, 17 DECEMBRE 2014

18H30

BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

Entrée libre sur réservation obligatoire à reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque sera délivrée lors de la confirmation de réservation)

A partir de 1933, le régime national-socialiste a poussé des milliers d’allemands sur les routes de l’exil. Paris devint alors la capitale de « la meilleure Allemagne », selon le mot de Heinrich Mann. Artistes, journalistes, écrivains, historiens, hommes politiques, sans parler de tous ceux qui fuirent parce que Juifs,  y exprimèrent librement, avec leurs moyens artistiques et intellectuels, leur opposition aux Nazis. Au début de la guerre la grande majorité des ces exilés furent internés dans des camps français. En 1940, l’armée allemande envahit la France : la documentation, les papiers et la correspondance des exilés constituèrent les premières cibles de l’Occupant. Tout ce matériel devint alors du « displaced object » – confisqués, déplacés, spoliés, mais aussi souvent miraculeusement préservés.

Depuis la fin de la guerre certaines de ces sources sont conservées dans les Archives spéciales/RGVA à Moscou. Confisqués par l’armée allemande à partir de 1940, ces fonds furent saisis au titre de trophées par l’Armée Rouge dans les ruines de l’IIIème Reich et transférés en Union soviétique. A Moscou, ils restèrent – jusqu’à la perestroïka – exclusivement accessibles aux membres du KGB. Leur existence, leur divulgation, leur exploration toute récente et l’insertion des données qu’ils révèlent constituent un évènement majeur de l’historiographie et de l’archivistique du mouvement des idées, au cours des années trente.

Le livre Echoes of Exile – Moscow Archives and the Arts in Paris 1933-1945 présente de nouvelles perspectives de recherche, qui résultent, entre autres, du dépouillement des documents conservés à Moscou et permettent de jeter un nouveau regard sur l’épicentre culturel que fut Paris pour ces exilés pendant les années 1930. Les contributions des onze auteurs français, russes, américains et allemands s’inscrivent dans le débat actuel autour des biens spoliés et de leur restitution ouvrant ainsi un large dialogue scientifique interdisciplinaire et transnational.

Ines Rotermund-Reynard, docteur en histoire de l’art, éditrice du livre «  Echoes of Exile. Moscow Archives and the Arts in Paris 1933-1945 », directrice du projet de recherche « Les Archives spéciales de Moscow et les arts à Paris 1933-1945 », organisé par l’Institut historique allemand de Moscou (DHI Moskau) en coopération avec le Centre allemand d’histoire de l’art à Paris.

Isabelle le Masne de Chermont, archiviste paléographe, directrice du département des manuscrits de la BNF, co-commissaire de l’exposition » A qui appartenaient ces tableaux ? » (2008), co-auteur avec Didier Schulmann du rapport « Le pillage de l’art en France pendant l’occupation et la situation des 2000 œuvres confiées aux Musées nationaux » (2000), co-éditrice de la nouvelle édition de « Rose Valland, Le Front de l’Art : Défense des collections françaises, 1939-1945 », Paris 2014.

Bénédicte Savoy, professeur d’histoire de l’art à l’Université TU Berlin, auteur de nombreux travaux consacrés à l’histoire des spoliations artistiques entre France et Allemagne (« Patrimoine annexé : les saisies de biens culturels opérées par la France en Allemagne autour de 1800 », Paris 2003), à la naissance des musées d’art en Europe et à la mise en place transnationale, aux XVIIIe et XIXe siècles, de disciplines universitaires telles l’archéologie et l’histoire de l’art.

Sandra Dahlke, directrice adjointe de l’Institut historique allemand à Moscou (DHI Moskau), historienne et spécialiste de l’histoire de l’Union soviétique, auteur du livre « Individuum und Herrschaft im Stalinismus : Emel’jan Jaroslavskij (1878- 1943 »), München 2010.

Didier Schulmann, Conservateur au Musée national d’art moderne, Bibliothèque Kandinsky, co-auteur avec Isabelle le Masne de Chermont du rapport « Le pillage de l’art en France pendant l’occupation et la situation des 2000 œuvres confiées aux Musées nationaux » (2000).

BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

Centre Pompidou, niveau 3, 75004, Paris

 

 

FABRIQUES DU CINÉMA EXPÉRIMENTAL

 

La Fabrique du cinéma experimental-Couv seule-web2

Dans le cadre du cycle de rencontres mensuelles autour de livres et de recherches en théorie et critique d’art, soutenus par le CNAP,

la BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY du Musée national d’art moderne/CCI, Centre Pompidou

et le CENTRE NATIONAL DES ARTS PLASTIQUES (CNAP) accueillent le lancement de :

FABRIQUES DU CINEMA EXPERIMENTAL

publié par PARIS EXPÉRIMENTAL

en présence de Christian Lebrat, Éric Thouvenel, Carole Contant

et des artistes Frédérique Devaux et Silvi Simon

MERCREDI 10 DECEMBRE 2014, 18h30

BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

Centre Pompidou, niveau 3

75004, Paris

 Entrée libre sur réservation obligatoire à reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque sera délivrée lors de la confirmation de la réservation)

 Comment vivent et travaillent, à l’ « ère du numérique », les cinéastes expérimentaux ? Qu’en est-il de leur attachement à la matérialité de l’objet-film ? Quels sont leurs outils, leurs rapports à la création, leurs manières de penser, de fabriquer et d’habiter les images et les sons ? Comment financent-ils leurs projets ? Quel regard portent-ils sur leur parcours et sur les mutations décisives que connait aujourd’hui le cinéma, y compris « expérimental », envisagé dans sa dimension esthétique, pratique, technique, économique et institutionnelle ?

Cet ouvrage s’attache à soulever ces questions à travers neuf entretiens menés avec des cinéastes de générations et d’horizons différents, mais qui ont en commun de porter un regard lucide et singulier sur leur propre travail, comme sur la façon dont le tournant numérique l’affecte – et pas nécessairement, comme le voudraient tant d’idées reçues, de manière négative – depuis près de quinze ans. De la survivance glorieuse de pratiques du film artisanales et sophistiquées, aux hybridations et métissages permis par les outils numériques comme par la délocalisation des images hors de la salle de cinéma, en passant par la nécessaire réflexion sur la maîtrise économique et politique des outils de production des films, se dessinent ainsi les formes vivantes d’un engagement qui n’a rien d’anachronique, mais demeure et insiste comme une lueur particulière, et nécessaire, dans le grand flou des images contemporaines. Pour cela, on a fait le choix de rester au plus près de la pratique de ces cinéastes pour qui faire un film est un acte du corps autant que de l’esprit, de la main autant que de l’œil, et qui considèrent que les manières de faire sont, aussi, des manières de penser.  Afin d’accompagner et de prolonger la parole des cinéastes, chaque entretien est suivi d’une filmographie complète et d’une iconographie contenant des reproductions de photogrammes, des photographies de leur matériel, des schémas préparatoires et des partitions visuelles, qui éclairent sous un autre angle la genèse de leurs travaux. L’ensemble est complété par un glossaire et une bibliographie.

 Entretiens avec Martin Arnold, Frédérique Devaux, Olivier Fouchard, Ken Jacobs, Christian Lebrat, Rose Lowder, Nicolas Rey, Silvi Simon, José Antonio Sistiaga.

Éric Thouvenel est maître de conférences en études cinématographiques à l’Université Rennes 2, où il enseigne principalement l’esthétique et les théories du cinéma. Auteur d’un essai sur Les images de l’eau dans le cinéma français des années 20 (Presses Universitaires de Rennes, 2010), il a codirigé l’ouvrage Agnès Varda : le cinéma et au-delà (PUR, 2009) et publié une trentaine de textes dans diverses revues et ouvrages collectifs. Il mène également une activité de programmateur, au sein de l’université, dans des lieux associatifs et des institutions muséales.

 Carole Contant est cinéaste. Membre du Collectif Jeune Cinéma depuis 1997, elle autoproduit de nombreux films en Super8, notamment au sein du groupe les petits films. Ses films sont fréquemment sélectionnés dans des festivals de cinéma documentaire, d’art vidéo et de cinéma expérimental. Depuis 2008, elle tourne des vidéos pour des compagnies de danse et des associations engagées dans une écologie locale et durable. Elle est également programmatrice au sein de l’association peti peti, où elle mène une activité pédagogique soutenue, en particulier autour des relations entre danse et cinéma.

 Fondées en 1983, les éditions Paris Expérimental se consacrent essentiellement au cinéma d’avant-garde et expérimental. Elles publient des livres de références ainsi que des essais sur des cinéastes, des films ou des points particuliers de l’histoire de cette forme de cinéma.

 http://www.paris-experimental.asso.fr

www.centrepompidou.fr

www.cnap.fr

ON KAWARA (1933, Kariya – 2014, New-York)

“I’m still alive”

Dès les années 1940, très jeune, On Kawara connait déjà un grand succès. Il est alors reconnu au Japon comme un artiste confirmé, ouvrant des perspectives à sa génération, en trouvant dans son art les formulations adéquates aux expériences traumatisantes de la guerre.

Il peint à cette période des toiles figuratives, de facture très graphique, dans un style pouvant s’apparenter au surréalisme. Ces œuvres évoquent souvent des personnages solitaires aux visages déformés, enfermés dans des pièces recouvertes de carrelage.
Il réalise notamment une série de portraits de japonais entre 1955 et 1956, au départ pour former un livre : Death masks.

Ces dessins, comme la plupart de ses œuvres de jeunesse sont marqués par la tragédie des bombardements nucléaires. Il en tire finalement un port-folio de 30 gravures publié en 1995 et intitulé Tanatophanies, ou Apparitions de la mort.

On Kawara voyage beaucoup toute sa vie, et c’est aussi ce qui détermine son mode de production. Il partage en quelque sorte sa vie avec son public, à la fois en tant qu’être subjectif qui prend connaissance des événements et des lieux, mais aussi en tant qu’observateur objectif de ses expériences dont il va commencer à enregistrer les données mesurables ainsi que les coordonnées avec la plus grande précision possible.

C’est le 4 Janvier 1966 qu’il peint sa première « Date painting », avec un procédé qu’il reproduira jusqu’à la fin de sa vie. Il s’agit d’un protocole assez rigoureux, avec la réalisation d’un monochrome foncé au centre duquel  est peinte en blanc la date du jour de la réalisation de la peinture dans la langue du pays dans lequel se trouve l’artiste ce jour la. Chaque peinture est conservée dans une boite en carton sur mesure, et accompagnée d’une page de journal local daté du jour de la réalisation.

Le format de ces toiles varie de 20,5 x 25,5 cm à 155 x 226 cm. Les toiles sont tendues sur des châssis de bois de 5 cm d’épaisseur et retournées sur les côtés du châssis pour être ensuite fixées au dos.
La face et les côtés sont ensuite recouverts de peinture acrylique, chaque toile étant peinte d’une couleur spécifique. Enfin, la date est peinte en blanc au centre de chaque toile.

Ce travail met en place l’enregistrement de données biographiques précises, comme des sortes de coordonnées temporelles et spatiales sur la durée et le caractère limité de sa vie.

Ces notes de la conscience du temps sont réalisées sous différentes formes et se réfèrent à différentes situations et activités en rapport avec son lieu de séjour du moment.

« Today, I read, I went, I met, I got up … ».

« Idéologies : des nouvelles de l’Antiquité » (Alexander Kluge) publié par le Théâtre Typographique TH.TY.

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Dans le cadre du cycle de rencontres mensuelles autour de livres et de recherches en théorie et critique d’art, soutenus par le CNAP,

la BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY du Musée national d’art moderne/CCI au Centre Pompidou

et le CENTRE NATIONAL DES ARTS PLASTIQUES (CNAP) accueillent le lancement de :

« IDÉOLOGIES : DES NOUVELLES DE L’ANTIQUITÉ »

PUBLIÉ PAR LE THÉÂTRE TYPOGRAPHIQUE TH.TY

en présence des éditeurs Bernard Rival et Bénédicte Vilgrain, traductrice du livre.

L’occasion  d’une discussion sur le Théâtre Typographique avec ses cofondateurs et d’un échange autour de  «Nouvelles de l’Antiquité idéologique», le film d’Alexander Kluge et du livre qui lui est aujourd’hui consacré.

MERCREDI 19 NOVEMBRE 2014, 18h30, BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

Entrée libre sur réservation obligatoire à  reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque sera délivrée lors de la confirmation de la réservation)

« Idéologies : des nouvelles de l’Antiquité » : 128 pages d’entretiens, d’images, d’histoires et de « cartons » (comme dans le cinéma muet) extraits du film du réalisateur Alexander Kluge « Nachrichten aus der ideologischen Antike » (littéralement : « Nouvelles de l’Antiquité idéologique », 570 minutes, 2008.) Objet du film : ériger une stèle au projet qu’Eisenstein avait eu, en 1928-1929, de porter à l’écran Le Capital de Karl Marx. La crise de 1929 s’est invitée dans ce projet, peut-être en a-t-elle eu raison. Alexander Kluge s’interroge sur le rôle fantomatique des circonstances dans la construction mentale d’Eisenstein : « Même les commencements d’Eisenstein m’intéressent. Ce réalisateur hardi et entêté ne se contentait pas de vouloir « cinéfier » Le Capital, il projetait de renverser le cinéma en général et d’en fonder un autre. Ses propositions de « constellations visuelles », cette manière qu’il a de poursuivre le montage au-delà de ce qu’il atteint dans ses films, y intégrant réflexions et écrits, le recours aux séries et l’usage des demi-tons, des harmoniques, bref : la modernité d’Eisenstein est pertinente à notre époque, et pas seulement pour porter à l’écran Le Capital. » La profusion des entrées et des techniques, combinée à la force centripète du « sous-texte » invoqué par Alexander Kluge, font peut-être de ses « Nouvelles de l’Antiquité » le « livre sphérique » rêvé par Eisenstein.                                                                                                                   

Le Théâtre Typographique a bénéficié pour la publication de cet ouvrage de l’aide à l’édition du CNAP.

http://www.thty.fr

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BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

Centre Pompidou, niveau 3,

75004 Paris  

Stéphanie Solinas. Déserteurs – en toute chose il faut considérer la fin

deserteurs 

© Stéphanie Solinas, 2014

La Bibliothèque Idéale de Stéphanie Solinas

Jeudi, 6 novembre, à partir de 18h30                                                                                      à la BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

À l’invitation de la Bibliothèque Kandinsky, MNAM/ Centre Pompidou, Stéphanie Solinas a exploré la Réserve des ouvrages rares et précieux conservés dans ses collections. Déserteurs – en toute chose il faut considérer la fin, conférence – performance menée par l’artiste en collaboration avec les équipes de la Bibliothèque, est un parcours, une construction, une sélection de livres d’artistes et autres documents, dont l’ouvrage de Solinas, Déserteurs – Cent photographies, entré dans les collections de la Bibliothèque Kandinsky en 2013, constitue le seuil. Conçue en écho à l’exposition Déserteurs – il faut dormir comme un lion/sans fermer les yeux se déployant à la Société Française de Photographie et à l’église Saint-Eustache, la rencontre avec l’artiste au travers des ouvrages de la collection de la Bibliothèque Kandinsky est la troisième forme de Déserteurs proposée par Solinas pour le Mois de la Photo 2014. Elle recompose un cheminement au travers des imprimés, des images, l’élaboration d’un regard sur les archives de notre mémoire, artistique, individuelle, collective.

Formée à la photographie à l’ENS Louis Lumière, docteur en Arts Plastiques, Stéphanie Solinas développe une œuvre variée (images, livres, installations…), foncièrement photographique, qui n’a de cesse d’interroger ce médium. Au travers de dispositifs et autres systèmes élaborés, sa pratique, tournée vers la figure de l’Autre et sa définition, explore l’opération de « voir ». Son travail a fait l’objet d’expositions personnelles à La Maison Rouge (Paris), au FOAM Museum (Amsterdam), au J1 (Marseille-Provence 2013), à la Société Française de Photographie, à l’église Saint-Eustache (novembre 2014, Mois de la Photo 2014), etc. Il est présent dans les collections du Fonds National d’Art Contemporain, de la Bibliothèque Nationale de France, du CNAC Georges Pompidou/Bibliothèque Kandinsky, du Musée de L’Elysée, du Musée Nicéphore Niepce, de Pier 24 Photography, des collections particulières. En 2013, Stéphanie Solinas a reçu le Prix Edouard Barbe (Prix des Collectionneurs, remis par le CNAC Le Magasin). Elle enseigne à Sciences Po Paris, aux Beaux-Arts de Rouen & Le Havre (ESADHAR). Stéphanie Solinas vit et travaille à Paris. Elle est actuellement en résidence à La Villa Belleville.

Entrée libre sur réservation obligatoire à reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque sera délivrée lors de la confirmation de réservation)

BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY                                                            Centre Pompidou, niveau 3                                                                75004, Paris

 

 

 

 

 

 

 

Conférence Vidéo et après : Muntadas, propositions critiques.

Nouvelle image (1)Lundi 3 novembre à 19h00  

salle Cinéma 2

Présentée par  Antoni Muntadas

 

Dès ses premières vidéos, Muntadas a centré son activité artistique Nouvelle image (2)sur la critique des médias : la télévision, la presse, la publicité, mais aussi l’architecture, et celle, invisible, des réseaux de communication. Il est un des tout premiers artistes à avoir réalisé un travail pour Internet The File Room (1994), vaste base de données collective sur la censure. Il questionne les systèmes de pouvoir qui s’exercent à travers l’instauration des frontières, le processus de la traduction, les rituels sociaux et politiques, les rapports du public et du privé.

Muntadas présentera quelques-unes de ses installations et interventions ainsi que des vidéos telles que les actions corporelles de 1971, Media Ecology Ads (1982), Video is Television ? (1989) ou Alphaville (2011).

Nota bene : exceptionnellement, l’entrée au cinéma 2 se fera depuis la piazza, à droite de l’entrée principale, suivre signalétique.

Projection/conférence organisée dans le cadre du programme de recherche Cinéma/vidéo, art et politique en France depuis 1968 : dispositifs, archives, numérique du Labex Arts-H2H en partenariat avec l’Université Paris 8 et la BnF

Vidéo et après est un cycle de rencontres avec des artistes et des historiens de l’art proposant projections, conférences, performances et discussions. Parcourant l’histoire des pratiques artistiques liées à la vidéo et au son, depuis le début des années 1960 jusqu’à nos jours, «Vidéo et après» se consacre essentiellement aux vidéos d’artistes de la collection du Musée national d’art moderne.

Contact : videoetapres@centrepompidou.fr

La vidéo au Centre Pompidou : les premières années, pistes de recherche

Cette synthèse a été établie par Camille Martin, stagiaire dans le cadre du programme Cinéma/vidéo, art et politique en France depuis 1968,  en partenariat avec le Labex Arts H2H

Afin de faire un état des lieux de l’ensemble de la documentation sur la vidéo présente au Centre Pompidou, nous avons cherché tout d’abord à référencer les différentes sources d’informations disponibles, le but étant dans un premier temps de définir et cartographier notre domaine de recherche. Le premier problème repose sur la difficulté à isoler et identifier la documentation sur « la vidéo », notamment parce que les sources consultées ne font généralement pas cette distinction. Elles réfèrent leurs informations le plus souvent par titre ou nom de l’artiste et non par « médium » ou « domaine artistique ». On comprend alors qu’une recherche exhaustive demanderait donc de reprendre l’ensemble de l’histoire des manifestations de l’établissement.

Une autre spécificité de cette recherche est que l’émergence de la vidéo dans cette période correspond au début du Centre Pompidou. Ainsi, on remarque que comme « nouveau médium», la vidéo et les usages qui lui étaient associés (expérimentation, performance, militantisme, éducation populaire…) trouvaient d’avantage leur place dans des événements courts et de natures assez hétérogènes (projections, colloques, publications, ateliers pour le public, productions d’artistes…) que dans les espaces d’expositions à proprement parler. Ainsi une première recherche montre qu’à ce moment-là la vidéo est plutôt présentée dans les espaces de projection du 3ème étage, dans le forum ou encore au fil de la programmation de la BPI. Par ailleurs on remarque que ces événements sont souvent organisés à l’initiative de plusieurs acteurs, entre autres : le « service audiovisuel », la « coordination des manifestations » ou encore la BPI.

Cette recherche s’étend donc sur une histoire plus large de l’institution, relevant des usages et des préoccupations que la vidéo soulevait à l’époque. Ainsi il semble indispensable au regard des multiples dimensions et domaines que la vidéo pouvait toucher de commencer tout d’abord par une recherche très large reprenant l’ensemble des événements ayant un rapport avec ce médium. Continuer la lecture de La vidéo au Centre Pompidou : les premières années, pistes de recherche

Erika Balsom, Exhibiting Cinema in Contemporary Art

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Dans le cadre de la programmation « Duchamp du Film » (du 24 sept. au 29 oct. 2014), la Bibliothèque Kandinsky en collaboration avec le département Film du Musée National d’Art Moderne accueille ERIKA BALSOM pour une présentation de son volume Exhibiting Cinema in Contemporary Art (Amsterdam University Press, 2013)

le jeudi, 9 octobre,  à partir de 18h30

L’ouvrage est rapidement devenu un livre de référence sur la question de l’image en mouvement dans le contexte muséal et des expositions. Exhibiting Cinema in Contemporary Art explore l’émergence du cinéma comme médium primaire de production artistique, tout en offrant une investigation détaillée de sa genèse, de ses caractéristiques principales, de ses dérives et ramifications. L’auteure interroge aussi le point nodal des études cinématographiques – la nature du cinéma, son passé, son présent et son devenir à l’ère du tournant numérique. Riche en réflexions théoriques et dans les analyses critiques, Exhibiting Cinema in Contemporary Art tourne son regard vers l’histoire du cinéma du point de vue de l’art d’aujourd’hui.

La conférence (en anglais) sera suivie par une discussion avec le public et modérée par Enrico Camporesi.

Erika Balsom enseigne la théorie et l’histoire du cinéma au King’s College à Londres. Après avoir obtenu son doctorat à Brown University, elle a été Mellon postdoctoral fellow à l’Université de Californie (Berkeley). Elle a également enseigné à Carleton University (Ottawa). Ses publications ont paru dans Artforum, Screen, Cinema  Journal, et elle travaille en ce moment sur un livre dédié aux stratégies de distribution et de diffusion du film d’artiste et expérimental.

Enrico Camporesi, chercheur au Centre Pompidou, prépare actuellement une thèse sur des problèmes de restauration et muséologie du film d’artiste et expérimental à l’Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3 et à l’Université de Bologne. Il écrit régulièrement sur l’image en mouvement pour plusieurs revues (Fata Morgana, Necsus – European Journal of Media Studies, La Furia Umana). Il est également commissaire de programmes de films et avec Jonathan Pouthier il présente en ce moment le cycle « Duchamp du film » au Centre Pompidou.

Entrée libre sur réservation obligatoire à reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque sera délivrée lors de la confirmation de réservation)

BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY

Centre Pompidou, niveau 3

75004, Paris

Parcours dans les collections imprimées de la Bibliothèque Kandinsky

Valdimir Maïakowski, El Lissitzky, 1923
Valdimir Maïakowski, El Lissitzky, 1923

 

 

Avant-gardes artistiques en Europe et graphisme : 1917-1940

La Bibliothèque Kandinsky propose une version numérisée d’une sélection d’objets imprimés, livres et revues, issus de ses collections, illustrant les expérimentations visuelles auxquelles se sont adonnés quelques artistes européens au lendemain de la première Guerre mondiale jusqu’aux années 30. Il s’agit d’artistes appartenant aux courants des avant-gardes : futuristes, Dada, constructivistes principalement, qui rompent avec les anciennes règles typographiques, transgressent les conventions en matière d’édition et proposent de nouvelles lectures plus optiques que phonétiques.

Ainsi, le futuriste napolitain, Francisco Cangiullo (1888-1977) dans Caffeconcerto qui paraît en 1919, carnet imprimés sur différentes couleurs, présente des figures composées de chiffres de lettres et d’autres éléments tirés de la casse d’imprimerie, accompagnées de dessins.

La même année, dans La Fin du Monde filmée par l’Ange N. D. : roman, écrit par Blaise Cendrars et illustré par Fernand Léger, c’est la technique du pochoir qui est employée pour poser les couleurs sur le texte.

Dans l’anthologie de poèmes de Vladimir Maïakovski, Dlja golosa (Pour la voix) parue en 1923 à Berlin et qui demeure l’oeuvre graphique la plus connue d’El Lissitzky (1890-1941), ce sont les éléments typographiques qui contribuent à une perception accrue des poèmes et la présence d’un système tout à fait original d’onglets remplaçant le sommaire qui sont innovants.

Dans Die Scheuche (L’Epouvantail) écrit par Kurt Schwitters (1887-1948) en 1925, Theo Van Doesburg (1883-1931) construit les personnages à partir des lettres de l’alphabet tandis que John Heartfield (1891-1968) en 1929, en pleine République de Weimar, ajoutera dans son Deutschland Deutschland über alles est, best-seller de Kurt Tucholsky, au jeu sur les éléments typographiques, les images photographiques.

De photographie, il est essentiellement question dans la Foto-Auge de Jan Tschichold, paru en 1929 au format A4, et qui constitue un autre exemple de cette Nouvelle Typographie : mise en page asymétrique, emploi exclusif des bas de casse, une reliure à la japonaise pour donner du volume à l’ouvrage en raison d’un nombre limité de pages (94).

Enfin dans ce parcours, Piet Zwart (1895-1977), graphiste néerlandais et figure de l’avant-garde graphiste internationale des années 20-30, membre du Cercle des nouveaux graphistes publicitaires avec Kurt Schwitters et Jan Tschichold, utilise le photomontage pour la page de couverture de Het Linnen Venster, premier numéro de la série sur le cinéma édité à Rotterdam à partir de 1931.

C’est en tout plus de vingt livres et quinze revues qui ont été sélectionnés dans nos collections pour illustrer les innovations en matière de conception graphique en Europe dans la première moitié du 20e siècle, où aux artistes déjà cités, s’ajoutent bien sûr les noms de Marinetti, Karel Teige, Laszlo Moholy-Nagy, etc.

A l’issue de ce parcours, qui n’a pas la prétention de faire le tour complet du sujet, nous ne saurions trop vous recommander de vous replonger dans l’excellente histoire du design graphique de Philip B. Meggs, de lire ou relire Jaroslav Andel, Avant-garde design : 1900-1950, de parcourir Le livre des livres : graphisme des livres au fil du temps de Mathieu Lommen (éditions Pyramid, 2012) et surtout de visiter la Bibliothèque Kandinsky dont la collection constitue une base de réflexion très pertinente pour tout chercheur, enseignant ou étudiant dans le domaine du design graphique.

Pour plus d’information sur la sélection opérée pour la numérisation des livres et revues, ainsi que pour les références bibliographiques, consulter notre portail : Parcours dans les collections imprimées : Avant-gardes et graphisme

Cinéplastique

INTRODUCTION A LA CINEPLASTIQUE
REFLETS, SCINTILLEMENTS ET CLIGNOTEMENTS
VENDREDI 3 OCTOBRE – 12H – CINEMA 2 – ENTREE LIBRE

Cinéplastique est un cycle annuel de séances pédagogiques présentées par Arnaud Maillet, Maître de conférences à l’Université Paris-Sorbonne, accompagnant la projection de films et de vidéos des trois collections du Musée National d’Art Moderne : la collection Film, la collection Nouveaux médias et la collection audiovisuelle de la Bibliothèque Kandinsky.

Nouvelle image

A l’occasion de la première séance, la Bibliothèque Kandinsky programme le film 16 mm, Martha Boto et Gregorio Vardanega de 1969.  A mi-chemin entre le film d’auteur et le film documentaire, ce document véritable témoin de l’œuvre cinétique, rejoint ce premier programme du cycle dédié aux reflets, scintillements et clignotements de l’image en mouvement.  Il fut probablement réalisé par Gregorio Vardanega à l’occasion de la grande rétrospective organisée en 1969 à la Galerie Denise René.

Les séances auront lieu dans la salle Cinéma 2 (niveau -1) du Centre Pompidou, Place Georges Pompidou, 75004 Paris, à partir de 12 h. Entrée libre (dans la limite des places disponibles).  

Programme détaillé des séances

Séance 1 : Vendredi 3 octobre 2014, de 12h à 15h 
Reflets, scintillements et clignotements

  • Joris Ivens, Regen (La pluie), 1929, film 35 mm, noir et blanc, silencieux, 14’42’’.
  • Henri Chomette, Jeux de reflets et de la vitesse, 1923-1925, film 35 m, noir et blanc, silencieux, 07’23’’.
  • Martha Boto, Gregorio Vardanega, Vues d’œuvres de Martha Boto et Gregorio Vardanega, vers 1969, 16 mm, couleur, silencieux, 10’.
  • Hi Hirsh, Automn Spectrum, 1957, 16 mm couleur, sonore, 6’04’’.
  • Gary Hill, Mirror Road, 1975-1976, video, NTSC, couleur, silencieux, 6’27’’.
  • Joan Jonas, Left Side, Right Side, video, NTSC, noir et blanc, sonore, 8’54’’.
  • Bill Viola, The Reflecting Pool, 1977-1979, video, NTSC, couleur, son, 7’.

Séance 2 : Vendredi 14 novembre 2014, de 12h à 15h
Cinéma, vidéo et peinture : citation, traduction, transposition

  • Michael Mazière, Cezanne’s Eye ii, 1982-1988, film 16 mm noir et blanc et couleur, sonore, 23’27’’.
  • Ian Ladislav Galeta, Water Pulu, 1987-1988, film 35 mm, couleur, sonore, 09’19’’.
  • Gary Hill, Bathing, 1977, vidéo, NTSC, couleur, sonore, 4’ 31’’.
  • Andrea Kirsch, Dreaming in Yellow While Searching for Carpaccio Gold, 1990, film Super 8, couleur, sonore, 8’ 23’’.
  • Malcolm LeGrice, Berlin Horse, 1970, film 16 mm, couleur, sonore, 06’52’’ (copie Béta numérique).

Séance 3 : Vendredi 5 décembre 2014, de 12h à 15h
Kenneth Anger : couleur et musique      

  • Kenneth Anger, Eaux d’artifice, 1953, film 16 mm, couleur, sonore, 13’.
  • Kenneth Anger, Inauguration of the Pleasure Dome, 1954-1978, film 16 mm, couleur, sonore, 35’.

Séance 4 : Vendredi 13 février 2015, de 12h à 15h
Le geste graphique            

  • Hans Namuth & Paul Falkenberg, Jackson Pollock, 1951, film 16 mm couleur, sonore, 10’14’’.
  • François Campaux, Henri Matisse, 1946, film 16 mm, noir et blanc, sonore, 22’.
  • Paul Haesaert, Visite à Picasso, 1949, film 16 mm, noir et blanc, sonore, 20’18’’.
  • Anonyme, [Kandinsky en train de peindre], s.d., film, noir et blanc, silencieux, 2’49’’.
  • Gary Hill, Picture Story, 1979, vidéo, NTSC, couleur, sonore, 6’27’’.

 Séance 5 : Vendredi 6 mars 2015, 12h-15h
Métamorphoses      

  • Oskar Fischinger, Seelische Konstruktionen, vers 1927, film 35 mm, noir et blanc, sonore, 9’.
  • Oskar Fischinger, Wachs Experimente, 1923, film 35 mm noir et blanc et couleur, silencieux, 10’.
  • Pol Bury, Clovis Prévost, 8500 tonnes de fer, 1972, film 16 mm noir et blanc, sonore, 13’46”.
  • Tony Hill, Expanded Movie, 1990, film 16 mm couleur, sonore, 13’04’’.
  • Gary Hill, Happenstance (Part One of Many Parts), 1983, video, NTSC, noir et blanc, sonore, 6’49’’. 

Séance 6 : Vendredi 17 avril 2015, de 12h à 15h
Animation graphique          

  • Harry Smith, Early Abstractions, 1939-1956, film 16 mm, couleur, sonore, 23’.
  • Norman McLaren, Synchromy, 1971, film 35 mm, couleur, sonore, 7’27”.
  • Thierry Vincens, Giraglia, 1968, film 35 mm, couleur, sonore, 5’37”.
  • Jordan Belson, Allures, 1961, film 16 mm couleur, sonore, 7’27”.
  • James Whitney, Lapis, 1963, film 16 mm, couleur, sonore, 9’20’’.

Séance 7 : Vendredi 15 mai 2015, de 12h à 15h
Animation et bricolage       

  • Len Lye, Experimental Animation, 1933, film 35 mm, noir et blanc, sonore, 2’07’’.
  • Oskar Fischinger, Komposition in Blau, 1935, film 35 mm couleur, sonore, 3’30”.
  • Alexandre Alexeieff, Claire Parker, Night on Bald Mountain (Une nuit sur le mont Chauve), 1933, film 35 mm noir et blanc, sonore, 9’.
  • Jean Desvilles, Une semaine de bonté ou les sept éléments capitaux, entre 1961-1965, 16 mm, noir et blanc, sonore, 18’.
  • Robert Breer, TZ, 1979, film 16 mm, couleur, sonore, 9’
  • Robert Breer, Sparkill Ave !, 1992, film 16 mm couleur, sonore, 5’
  • Karo Goldt, Subrosa, 2004, video, PAL, couleur, sonore, 3’.
  • Michel Gondry, Human Behaviour, 1994, video, PAL, couleur, sonore, 4’12’’.
  • Michel Gondry, Jöga, 1997, video, PAL, couleur, sonore, 3’24’’.

Renseignements : valentina.valentini@centrepompidou.fr

Qu’est-ce qu’une exposition ontographique? Vincent Normand

© Is it a duck ? Is it a rabbit ? Joseph Jastrow, Popular Science Monthly, 1899

Dans le cadre du cycle de rencontres qu’ils organisent, la Bibliothèque Kandinsky et le Centre national des arts plastiques ont le plaisir de vous inviter à la présentation de

VINCENT NORMAND

mercredi 8 octobre, à partir de 18h30 à la Bibliothèque Kandinsky

Qu’est-ce qu’une exposition ontographique ?

L’histoire des expositions fait actuellement l’objet d’un regain d’intérêt, dans un mouvement d’introspection sous-tendu par la spécialisation du rôle du commissaire d’exposition et la définition de sa fonction auteur. Le médium de l’exposition est cependant problématique à différents égards, symptomatique de divers processus d’institutionnalisation et des néo-positivismes que ceux-ci produisent. La recherche dont cette présentation rendra compte propose de considérer l’exposition comme un genre en soi, et d’en retracer la constitution historique en l’inscrivant d’une part dans l’histoire plus large du modernisme et d’autre part dans la matrice anthropologique de la modernité. À partir du médium de l’exposition, et à travers une sélection d’images et de diagrammes reconstituant quelques aspects de cette recherche, il s’agira de réinscrire l’espace de l’art dans une géographie des frontières conceptuelles et des lignes de partages que la modernité a simultanément imprimé dans le monde et naturalisé comme sol ontologique. Le médium de l’exposition peut être considéré comme un genre qui, du fait de son histoire institutionnelle (le musée), est constitué par la dialectique qui articule les opérations d’objectification aux processus de subjectivation, les sujets aux objets, et le discours des uns aux modes d’existence des autres. Le médium de l’exposition peut alors être décrit comme une « pratique de la limite » située à la charnière entre les fonds et les figures, consacré à la scénographie de leur séparation conceptuelle, politique et ontologique, mais où le clivage binaire que cette séparation implique est suspendu, rendu explicite, soumis à un processus de « dé-monstration », et transformé en un regard stéréoscopique sur sa construction historique. Cette scénographie de la limite, qu’on qualifiera d’ « ontographique », est une définition de l’exposition qui implique d’abandonner les histoires de l’art formalistes et les subjectivités artistiques comme principales ressources de légitimation de l’espace de l’art. En retour, elle permet de saisir les frontières et limites qui, dans leurs formes structurales présentes comme dans leurs ombres portées historiques, constituent les bordures ontologiques de cet espace, afin de situer le rôle de l’exposition dans la transformation de ses opérations conceptuelles et politiques.

Biographie : Vincent Normand est auteur et commissaire d’expositions. Ses projets d’expositions incluent Sinking Islands (Mexico City : LABOR, 2012), Fun Palace (Paris : Centre Pompidou, 2010) ainsi que le triptyque The Sirens’ Stage / Le Stade des Sirènes / Lo Stato delle sirene (Londres : David Roberts Art Foundation ; Paris : Fondation Kadist ; Rome : Fondazione Nomas, 2010). Il est co-auteur du film Contre-Histoire de la Séparation (avec Etienne Chambaud, 2010). De 2010 à 2012 il a co-édité la revue Criticism et co-dirigé le centre d’art Forde à Genève. Il co-dirige désormais le journal et plateforme de recherche Glass Bead (glass-bead.org), et enseigne à l’Ecole Cantonnale d’Art de Lausanne (ECAL). Sa recherche a notamment fait l’objet de conférences au Centre Pompidou (Paris), au Banff Center (Banff, Canada), à Artist’s Institute (New York), ou au Witte de With (Rotterdam). Il est par ailleurs membre de Synapse – International Curators Network au Haus der Kulturen der Welt, Berlin. Ses textes récents comprennent Echiquiers et Ronciers (in Pierre Huyghe, Paris : Centre Pompidou ; Cologne : Ludwig Museum ; Los Angeles : LACMA, 2013), The Unlimited Realm of the Limit: Objectivity and Schizophrenia (wdwreview.org) et In the Planetarium (in Art in the Anthropocene: Encounters Among Aesthetics, Politics, Environments and Epistemologies, Open Humanities Press, 2014, ed. Heather Davis and Etienne Turpin).

En 2013, il a bénéficié du soutien à la théorie et critique d’art du Centre national des arts plastiques pour son projet de recherche “The mute things speak to me”: géologie de l’exposition.

Entrée libre sur réservation obligatoire à reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque sera délivrée lors de la confirmation de réservation)

BIBLIOTHÈQUE KANDINSKY                                                            Centre Pompidou, niveau 3, 75004, Paris

 

Conférence Vidéo et après : la Vidéo à Vincennes, centre universitaire expérimental, 1969/1980

La Bibliothèque Kandinsky est associée au programme de recherche « Cinéma/vidéo, art et politique en France depuis 1968 : dispositifs, archives, numérique » dans le cadre du Labex Arts H2H.  Le Centre Pompidou propose ainsi plusieurs fois par an des séances dédiées aux vidéos conservées dans la collection du Musée national d’art moderne ou à des problématiques touchant à l’émergence de l’art vidéo. 


Videovincennes

 

 

 

Revues en ligne

 

Depuis Septembre 2014,  plusieurs revues en abonnement à la Bibliothèque Kandinsky sont désormais disponibles en version électronique en accès libre depuis un poste de travail du Centre Pompidou.

La version électronique de ces revues permet une recherche par mot dans l’ensemble du texte des articles parus ces dernières années.  Les articles sont disponibles au format PDF et sont également téléchargeables.

revues en ligne

Anabases d’Eric Baudelaire

Dans le cadre du cycle de rencontres mensuelles autour de livres et de recherches en théorie et critique d’art, soutenus par le CNAP, la BIBLIOTHEQUE KANDINSKY  du Musée national d’art moderne/CCI au Centre Pompidou  et le CENTRE NATIONAL DES ARTS PLASTIQUES (CNAP) accueillent le mercredi 24 septembre, à partir de 18h30 le lancement de :

ANABASES

Publié par Archive Books

L’occasion d’une discussion rythmée par l’idée de l’Anabase, où l’ouvrage prend sa source, qui permettra d’évoquer tour à tour les enjeux graphiques posés par cette monographie d’artiste, mais également les liens entre cinéma et littérature, ou plus spécifiquement la place de « l’espace littéraire » au cinéma.

En présence de :

Eric Baudelaire, artiste

Jean-Pierre Rehm, critique d’art et directeur du FIDMarseille

Jean-Marie Courant (Regular), designer graphique

Entrée libre sur réservation obligatoire à reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

(une contremarque sera délivrée lors de la confirmation de la réservation)

 BIBLIOTHEQUE KANDINSKY

Centre Pompidou, niveau 3,

75004 Paris

Ettore Sottsass

Grâce à la très belle donation consentie en juillet 2013 par  Madame Barbara Radice Sottsass, le Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle conserve les archives du grand designer italien dont quelques pièces sont présentées actuellement dans les vitrines de la Bibliothèque Kandinsky. Alors que la collection du musée comportait déjà 431 pièces (dessins et objets), cette donation permet désormais de mettre à disposition des chercheurs et spécialistes du design des ensembles essentiels à la connaissance et à la compréhension du travail de l’artiste.

©Hervé Véronèse Centre Pompidou
©Hervé Véronèse Centre Pompidou
Les quelques 120 carnets de dessins et agendas contenus dans le fonds vont prochainement être numérisés, facilitant les recherches sur la gestation des projets de Sottsass en matière de design industriel, de céramiques, de mobiliers, de bijoux, d’architecture imaginaire… 10.000 photographies d’objets et de présentations pour des expositions des années 1950 à la fin de sa vie montrent également la diversité de sa production qui donna lieu à de multiples catalogues et articles de revues, déjà présents dans les collections de la Bibliothèque Kandinsky.  Par ailleurs, des années 1930 aux années 1950, alors qu’il était difficile de se procurer des livres illustrés, rares et chers, Ettore Sottsass a rassemblé et classé dans des boites diverses collections : cartes postales, illustrations découpées dans des magazines, ou prélevées sur des emballages d’objets, affiches politiques, touristiques, publicitaires… constituant un répertoire iconographique et typographique auquel il s’est référé tout au long de sa vie.   
©Hervé Véronèse Centre Pompidou
©Hervé Véronèse Centre Pompidou

Sa pratique systématique de la photographie se rapproche de cette même logique : 100.000 vues sous forme de négatifs et planches-contact ont ainsi été réalisées entre 1950 et 2007, classées et organisées par ses soins et ceux de ses assistants. Utilisée ainsi de manière systématique pendant un demi-siècle, la photographie constitue une sorte de carnet de notes, témoignage de ses voyages, de ses rencontres, des vernissages et autres évènements auxquels il participe. On accompagne ainsi ce voyageur infatigable dans tous les pays d’Europe, aux Etats-Unis, en Inde, au Yémen, au Japon, en Chine, au Vénézuela… on découvre un œil attentif aux paysages, aux détails architecturaux, aux enseignes, aux matériaux mais aussi aux hommes et femmes dont il réalise les portraits ou qu’il photographie au cours de performances, de manifestations etc… dans la revue Terrazzo qu’il contribue à fonder, Ettore Sottsass disposera d’une rubrique intitulée Travel notes dans laquelle il associe texte et photographies, montrant que le geste photographique est aussi pensé comme partie intégrante de son œuvre.

©Hervé Véronèse Centre Pompidou
©Hervé Véronèse Centre Pompidou

 

Ettore Sottsass fut aussi un collectionneur de livres, sa bibliothèque personnelle, riche de près de 6.000 ouvrages, comme ses textes manuscrits et certains dossiers de projets, font également partie de la donation consentie par Mme Barbara Radice Sottsass au profit du Centre Pompidou. Ces parties du fonds rejoindront la Bibliothèque Kandinsky dans les années à venir.     

 

Repères biographiques

14 sept. 1917   Naissance à Innsbrück

1939                     Diplôme d’architecture au Politecnico de Turin

 1946-1947     Démarre sa carrière d’architecte, participe au plan Marshall pour la reconstruction des villes de Savona et Novara

1956                     Voyage aux Etats-Unis où il travaille avec George Nelson, découvre le travail de Charles Eames et la peinture informelle de Pollock, De Kooning, Gorky. Voyage à San Juan, Porto Rico ; à Haiti ; à Cuba ; à Saint-Domingue et en Dominique.

1958                     Début de la collaboration avec Olivetti. Conçoit des machines à écrire, et calculatrices (« Elea 9003 » 1958, « Tekne 3 » 1958-1960, « Praxis 48 » 1962-1963, « Valentine » 1969). Il reçoit le Compasso d’oro en 1959 pour Elea 9003.

1961                     Voyage en Inde où les couleurs, les modes de vie et le rapport à la mort bouleversent sa vision du monde. (Inde à New Delhi, Khajurâho, Agra, Fatehpur Sikri, Amber, Jaipur, Gwalior, Mahabalipuram, Madras, Konarak, Bhubaneswar, Benares, Bhopal, Sanci, Bombay ; en Thailande à Bangkok ; sur l’Ile de Ceylan ; au Népal à Katmandou, Patan ; en Birmanie ; au Pakistan à Karachi).

 1962                     Se rend à Palo Alto en Californie aux États-Unis pour se faire soigner d’une grave maladie. Il y découvre les mouvements underground américains : la contestation étudiante, le Pop Art, la Beat Generation. De ses voyages, naissent les séries Céramiques des ténèbres (1963) et Céramiques des lumières (1964).

1976                     Exposition Ettore Sottsas Jr : de l’objet fini à la fin de l’objet, Centre Georges Pompidou – Centre de création industrielle, commissaire : François Burkhardt.

1981                     Fonde le groupe Memphis. Il obtient l’appui financier d’Ernesto Gismondi, patron d’Artémide, société italienne d’art de la table et de luminaires, l’assistance commerciale du magasin Godani et l’aide technique de l’ébéniste Renzo Brugola et s’entoure également de jeunes designers comme Matteo Thun, Aldo Cibic ou Michele De Lucchi et de Barbara Radice, journaliste et critique d’art qui prend la direction artistique du groupe. Il quittera Memphis en 1985. Fonde la société Sottsass Associati avec Marco Zanini et Aldo Cibic et se consacre à des travaux de design industriel et d’architecture pour des clients tels Apple, Phillips…

1987-1989             Réalise la maison Wolf, au Colorado, Etats-Unis.

1992                      Expose une collection de mobilier Memphis lors de l’exposition « Rovine » à la Design Gallery Milano, à Milan. Réalise la maison Yuko, à Tokyo, Japon.

1994                      Ettore Sottsass, rétrospective, Centre Georges Pompidou – MNAM-CCI, commissaire Marie-Laure Jousset.

[…] Imprégné des éléments de la vie quotidienne, issu de toute une série de fragments d’images, de souvenirs de voyages, de cultures exotiques, tout le travail de Sottsass donne l’idée d’un grand collage spatial. Sa démarche ne suit pas, en effet, des lois strictes de composition, et ses projets procèdent souvent de l’assemblage de formes archétypes et de figures simples, cylindres, sphères, carrés…, s’opposant dans l’esprit à tout processus rationnel. in Brigitte Fitoussi, Le Magazine, n°80, 15 mars-15 mai 1994.

2005                      Rétrospective au Musée d’Art moderne et contemporain de Trento et Rovereto, Italie. 

 31 déc. 2007  Décès à Milan.

Le carnet de recherche de la Bibliothèque Kandinsky, Musée National d'Art Moderne, Centre Pompidou, Paris