Archives de catégorie : En vitrine

« Jean Prouvé, bâtisseur » par Olivier Cinqualbre, aux Éditions du patrimoine

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Mercredi 4 janvier 2017 à partir de 18h30 – en présence de l’auteur

Bibliothèque Kandinsky

Centre Pompidou

Niveau 3

Entrée libre sur réservation à : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

« L’œuvre de Jean Prouvé est d’une telle richesse que l’on est généralement obligé de l’aborder en privilégiant tel ou tel aspect, qu’il s’agisse d’une période, d’un domaine de création ou d’une nature d’intervention. Elle est de plus d’une rare originalité, notamment parce que le professionnel est multiple et s’est joué des étiquettes tout au long de sa carrière. » (Olivier Cinqualbre)

Figure cruciale de la modernité architecturale, Jean Prouvé (1901-1984) connecte cette exceptionnelle capacité d’invention aux évolutions techniques et de production de son temps. La rencontre sera l’occasion de revenir sur la qualité protéiforme de sa créativité, à travers la diversité des bâtiments conçus et de quelques moments d’invention constructive déclinés en prototypes et grandes familles structurelles : portiques centraux, noyaux porteurs, éléments-coque, béquilles; plus tard, les stations-service. En appoint révélateur, les importantes archives de Jean Prouvé conservées dans les collections de la Bibliothèque Kandinsky seront convoquées pour l’occasion. Les vitrines de la salle de lecture accueilleront un focus documentaire à partir d’une sélection de tirages photographiques, tapuscrits, calques, plans, cartes postales et éléments de correspondance qui dressent un ample paysage de la production de ce bâtisseur hors pair.

Olivier Cinqualbre, architecte et historien de l’architecture, est conservateur et chef du service architecture du Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle au Centre Pompidou. Il a été commissaire – et directeur de catalogue – de nombre d’expositions parmi lesquelles Pierre Chareau (1993), Renzo Piano (2000), Mallet–Stevens (2005), Richard Rogers (2007) et, associé à Frédéric Migayrou, Le Corbusier, Mesures de l’homme (2015). Il a assuré la direction d’ouvrage de Jean Prouvé, la Maison tropicale (2009) et du catalogue de la Collection d’architecture du Centre Pompidou (mai 2016), tous deux aux Éditions du Centre Pompidou.

La collection « Carnets d’architectes » est publiée en partenariat avec la direction générale des Patrimoines du ministère de la Culture et de la Communication.

www.centrepompidou.fr

www.editions-du-patrimoine.fr

 

 

 

 

« La Nouvelle Typographie» de Jan Tschichold, Editions Entremonde

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Une table ronde avec Robin Kinross, fondateur de la maison d’édition Hyphen Press, auteur de l’introduction de l’ouvrage, Philippe Buschinger, enseignant à l’École Estienne, traducteur du livre, et Victor Guégan, docteur en histoire de la typographie, auteur d’une thèse sur Jan Tschichold.
Mercredi 23 novembre 2016, à partir de 19h
Bibliothèque Kandinsky
Centre Pompidou
Niveau 3

Entrée libre sur réservation à : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

L’ouvrage emblématique de Tschichold, La Nouvelle Typographie (1928) est un véritable mani­feste pour la modernité, analogue dans son domaine au livre du Corbusier Vers une architecture. Prenant la forme d’un manuel, l’auteur y fait table rase de la typographie ancienne qui ne trouve grâce à ses yeux que dans son contexte historique, maintenant dépassé.

Pour concevoir son histoire de la typographie, Tschichold s’est d’abord tourné vers l’art moderne. Pour lui, l’ancienne ère, centrée sur l’individu, a laissé place à une nouvelle époque, celle de la reproductibilité et de la dissolution de l’art dans l’architecture et autres formes directement publiques. La vie ainsi bouleversée, mécanisée, urbanisée, accélérée, le centre de gravité s’est déplacé vers le social et le collectif. Il s’agit d’en prendre acte.

Les idées et le langage utilisés sont caractéristiques des textes modernistes de cette époque. Cette révolution agit comme une lame de fond dans tous les domaines de la création, de la nouvelle architecture au théâtre politique de Bertolt Brecht, du mobilier tubulaire au cinéma de Dziga Vertov et jusqu’à la littérature. Les avant-gardes, les futuristes, le mouvement Dada, le mouvement De Stijl, les constructivistes russes, le Bauhaus dessinent une véritable constellation internationale dont s’abreuvent les nouveaux typographes autant qu’ils y apportent leurs contributions.

Jan Tschichold (1902-74) a travaillé comme typographe et enseignant en Allemagne, en Suisse et en Angleterre. Il fut internationalement connu en 1925 avec la publication de la Typographie élémentaire et pour le renouvellement de la ligne graphique de Penguin Books.

Traduction de l’allemand par Françoise et Philippe Buschinger
Introduction de Robin Kinross

Ce livre a bénéficié du soutien à l’édition du Cnap.

www.cnap.fr

www.centrepompidou.fr

entremonde.net

 

anarchive 6 avec Masaki Fujihata

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Le Centre national des arts plastiques (Cnap) et la Bibliothèque Kandinsky du Musée national d’art moderne/CCI, Centre Pompidou sont heureux de vous convier au lancement d’anarchive 6 avec Masaki Fujihata – en présence de l’artiste avec la participation d’Anne-Marie Duguet, directrice de la collection anarchive et professeur émérite à l’Université Paris 1, de Jean-Louis Boissier, professeur émérite à l’Université Paris 8, et de Virginie Pringuet, conceptrice du projet AtlasMuseum.

Mercredi 13 avril 2016, à partir de 19h00

Bibliothèque Kandinsky, Centre Pompidou Niveau 3

Entrée libre sur réservation à : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Ce titre d’anarchive est la première monographie consacrée à Masaki FUJIHATA. Des premiers films d’animation et images de synthèse des années 1980 aux installations interactives et expérimentations actuelles avec le laser, le GPS ou Internet, il est possible de consulter, grâce à une application de Réalité Augmentée, 54 vidéos (films et documentations sur ses installations) et cinq modèles 3D qui sont autant d’interprétations de ses travaux. Des textes de l’artiste et des essais originaux d’auteurs japonais et français, éclairent les enjeux majeurs de ses recherches.

Masaki Fujihata est né à Tokyo en 1956. Après des études à l’Université des arts de Tokyo, il enseigne dans le département d’ « Environnement et Information » à l’Université Keio. Il développe ensuite un programme Intermedia et un département d’arts plastiques, et crée un cursus de master en cinéma et nouveaux médias à l’Université des arts de Tokyo. Artiste internationalement reconnu pour ses installations et ses recherches dans le domaine des médias, il obtient le Grand Prix Ars Electronica avec Global Interior Project #2 en 1996, et à nouveau en 2013 avec « Voices of Aliveness ». Son installation interactive « Beyond Pages » est conservé dans la collection du Musée des médias du Z.K.M. à Karlsruhe.

 Fondée à l’initiative d’Anne-Marie Duguet, anarchive est « une collection de projets multi-médias interactifs invitant à explorer l’ensemble de l’œuvre d’un artiste à partir d’archives multiples. »

La Bibliothèque Kandinsky conserve dans ses collections l’ensemble des éditions anarchive, monographies de Thierry Kuntzel, Jean Otth, Fujiko Nakaya, Michael Snow et Antonio Muntadas.

 Masaki Fujihata signera son ouvrage, à partir de 17h à la Librairie Flammarion du Centre Pompidou.

Anarchive, 2016

ISBN : 978-2-9518132-3-6

Trilingue: Français/Japonais, Anglais

Distribution : les presses du réel

Cet ouvrage a bénéficié du soutien à l’édition du Cnap.

Avec la participation du DICRéAM Centre national du cinéma et de l’image animée, de la Japan Foundation et la coopération du ZKM | Karlsruhe et de Ars Electronica

Coproduction : École supérieure des Beaux-Arts de Nantes

www.centrepompidou.fr

www.cnap.fr

http://www.anarchive.net/

http://carnetbk.hypotheses.org/333

The Shelf #4 — numéro spécial Bibliothèque Kandinsky

The Shelf Journal et la Bibliothèque Kandinsky vous invitent au lancement de

The Shelf #4 — numéro spécial Bibliothèque Kandinsky.

 Jeudi 10 mars 2016, à partir de 18h30

 

Entrée libre sur réservation à : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

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La Bibliothèque Kandinsky a donné carte blanche à la revue de design éditorial The Shelf Journal pour explorer ses rayonnages. Quoi de plus naturel et excitant pour un périodique qui se revendique du “culte de l’étagère” !?

À l’occasion de son lancement, le contenu du numéro sera exposé grandeur nature : livres d’artistes, livres-objets, maquettes d’artistes et revues d’avant-garde dont les reproductions sont déployées dans la revue seront mis en scène dans les vitrines de la Bibliothèque Kandinsky.

Un jeu de ping-pong visuel entre ce qui est exposé et ce qui est reproduit alimentera les débats de la soirée : la présence tangible des objets choisis dans les collections et les fonds de la Bibliothèque prolongera la réflexion des auteurs sur ces derniers, délivrée tout au long des articles de la revue.

Les équipes de la Bibliothèque et de The Shelf Journal présenteront brièvement leur collaboration et l’exposition. S’en suivra un cocktail-bavardage.

The Shelf #4 — numéro spécial Bibliothèque Kandinsky —
140 pages – 21 x 31 cm – français/anglais

Auteurs : Dr. Hugo Heyrman, Océane Delleaux, Émeline Jaret, Sébastien Hayez, Stéphanie Rivoire, Jérôme Dupeyrat, Lou Marin, Didier Schulmann, Mica Gherghescu, Pierre Leguillon, Aurélien Bernard, Sylvia Bozan, Valérie Gross, Dominique Liquois, Christian Lebrat et Brigitte Vincens

Design graphique : The Shelf Company

ISBN : 978-2-9540656-3-2

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Créée en 2011 par les graphistes et dessinateurs de caractères Morgane Rébulard et Colin Caradec, la revue annuelle The Shelf Journal est entièrement dédiée aux livres et à ceux qui les aiment, qui les collectionnent et les lisent. Lieu de réflexion sur le lien entre le fond et la forme des objets imprimés, les pages de The Shelf ont accueilli auteurs et textes sur de nombreux sujets liés aux étagères des passionnés : de la mise en forme spécifique des spécimens typographiques décortiquée par Nick Sherman, aux discussions sur les club de livres français des années 1950, en passant par l’Encyclopédie des guerres de Jean-Yves Jouannais, par laquelle collectionner des livres peut en soi être la genèse d’une œuvre d’art.

Dector & Dupuy aux éditions Captures

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Le Centre national des arts plastiques (Cnap) et la Bibliothèque Kandinsky du Musée national d’art moderne/CCI, Centre Pompidou, vous invitent au lancement du livre Dector & Dupuy publié par Captures éditions et suivi d’une visite-performance jusqu’à Contexts/ Belleville.

Mercredi 13 janvier 2016, à partir de 18h30

Bibliothèque Kandinsky/ Centre Pompidou

Niveau 3

Entrée libre sur réservation à : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Programme de la soirée

18h30 : présentation du travail des artistes Dector & Dupuy par les auteurs Keren Detton, Jean-Marc Huitorel et Christophe Domino.

19h45 : visite-performance Ghosts, départ du Centre Pompidou

20 heures : Métro Rambuteau

20h15 : Métro Belleville

20h30 : Contexts, vernissage de l’exposition PaCo2016 en résonance avec la monographie

Exposition du 14 janvier au 6 février.  CONTEXTS • 49 rue Ramponeau • 75020 Paris • www.contexts.fr du mercredi au samedi de 14h à 19h ou sur rendez-vous • contact@contexts.fr

Dector & Dupuy, Captures éditions, 2015

Textes : Dector & Dupuy, Keren Detton, Jean_Marc Huitorel

Entretien : Christophe Domino

Conception graphique : Jocelyne Fracheboud, Fanette Mellier (tiré à part SONG)

16,5 x 24 cm (dos carré cousu collé)

248 pages, illustration couleur, noir & blanc
ISBN : 978-2-9533912-7-5

 

La publication monographique consacrée au travail de Dector & Dupuy entend révéler la densité d’une recherche artistique qui a pris pour sujet la ville, les espaces qu’elle réserve à l’improvisation et aux lignes de fuite.

Au moment de la conception de l’ouvrage les artistes ont imaginé une classification de leur travail qui s’affranchit de la présentation chronologique en usage par l’utilisation d’une liste de titres des œuvres accompagnés d’un code indiquant la date et leur origine. Ladite liste constitue la colonne vertébrale du livre. Elle indique l’état intermédiaire d’une production qui ne cesse d’être revisitée et réinterprétée, structure l’entrée dans les clusters et les textes critiques indexés à partir de leur titre.  Elle impulse un rythme continu, se déploie dès la première de couverture et s’interrompt – plus qu’elle ne s’achève… – en quatrième de couverture. Les clusters – au nombre de quinze, seules entrées dépourvues d’un code – rassemblent sous leur vocable un ensemble d’œuvres reproduites en couleur qui sont ensuite documentées par de courtes notices et des photographies en noir et blanc. Ils facilitent à la fois la lecture transversale de la production et son archivage.

Afin de révéler une composante essentielle dans la pratique de Dector & Dupuy, à savoir  l’édition de publications sous différentes formes et formats, les artistes ont été invités à penser un tiré à part inséré au sein de la monographie. « Song » est le premier numéro d’un journal dont la parution aura lieu à l’occasion d’une invitation à venir ou de la propre initiative de Dector & Dupuy ; il prend d’emblée sa place dans la liste et peut faire fonction de marque page. D’une conception graphique différente, il vient ouvrir la monographie classiquement rétrospective vers un devenir.

L’impression de la couverture reprend un détail de la photographie d’une peinture en usage dans l’espace public « pour empêcher de coller des affiches ». La pose d’un vernis gonflant en accentue les aspérités sans pour autant nuire à la lecture des premiers et derniers éléments de la liste. Imprimée en bold (police de caractère District) tout au long de l’ouvrage, celle-ci revêt au final un caractère performatif, tel un long poème appelant une lecture à voix haute, porte-voix des multiples « braconnages poétiques » que Dector & Dupuy nous invitent à observer.

 

Captures éditions

Depuis 2008, Captures éditions a régulièrement publié des livres d’artistes ou des livres conçus avec des artistes et/ou des auteurs invités. Deux orientations ont été privilégiées, la première est une association libre de toute contrainte entre l’éditeur et les artistes ; elle a pu conduire à la production de tirages de tête en relation avec la publication initiale. La deuxième s’inscrit dans une démarche collective ou émane d’une commande à plusieurs voix, le livre devient lieu d’échange et de débat ou trace d’une expérience. Mais quel que soit le parti pris, la forme doit révéler un contenu souvent discursif, une esthétique, une pratique artistique et seule une réelle collaboration à chaque étape du processus avec les graphistes, photograveurs, imprimeurs permet de respecter cette exigence.

La publication réalisée avec Dector & Dupuy est un projet inédit puisqu’il nous a conduit à concevoir une monographie. L’ambition de cet ouvrage a été de rendre lisible l’arborescence de ce travail poétique à connotation politique ainsi que le mouvement et le déplacement des limites de l’œuvre de ce duo d’artistes.

 

Le livre a bénéficié du soutien à l’édition du Cnap.

 

Claude Rutault. D’où je viens, où je suis, où je vais.

En liaison avec l’exposition présentée à la galerie du Musée jusqu’au 11 janvier prochain (commissaire Michel Gauthier), la Bibliothèque Kandinsky propose de découvrir une sélection de pièces extraites du fonds d’archives de l’artiste.  Le fonds actuellement en cours de classement a fait l’objet d’un descriptif préalable par Marie-Hélène Breuil, qui a consacré sa thèse et plusieurs publications à l’artiste.

Claude Rutault : Ecriture, peinture, sociabilité, par Marie-Hélène Breuil. Presses Universitaires de Rennes, 2014.
Claude Rutault : Ecriture, peinture, sociabilité, par Marie-Hélène Breuil. Presses Universitaires de Rennes, 2014.

Comment expliciter l’œuvre d’un artiste qui lui-même alimente son travail d’une intense production écrite sans être dans la citation directe ou la paraphrase ? C’est là une difficulté pour qui s’intéresse au travail de Claude Rutault.  Le fonds d’archives remis par l’artiste à la Bibliothèque Kandinsky en 2014 montre bien le lien prégnant entre écrit et création artistique, avec des textes presque rédigés comme des « modes d’emploi » pour l’artiste, mais aussi pour les collectionneurs. Il s’agit d’un passage permanent de la théorie à la pratique, comme le montre les nombreux textes très riches qui constituent en grande partie ce fonds.

Le protocole de la « définition/méthode » est en 1973 une véritable rupture dans la conception traditionnelle de la peinture qu’il définit ainsi « une toile tendue sur châssis peinte de la même couleur que le mur sur lequel elle est accrochée. sont utilisables tous les formats standard disponibles dans le commerce qu’ils soient rectangulaires, carrés, ronds ou ovales. l’accrochage est traditionnel.

Il s’agit pour cette première définition / méthode d’accorder à l’objet pictural un statut tout à fait novateur, ou plutôt de déconstruire son statut d’origine, en harmonisant le tableau et son support d’accrochage à l’unisson dans une même couleur.

C’est cette « d/m 1 » qui ouvre les vitrines présentées aujourd’hui à la Bibliothèque Kandinsky, et la sélection de documents qui suivent vise à retracer le processus artistique de Claude Rutault à travers ses grands projets, tous régis par les d/m et la proposition d’une nouvelle politique de la peinture, une déconstruction générale des modes d’existence du tableau.

 

anarchivistes

Faisant écho aux célébrations du 20ème anniversaire d’anarchive, la Bibliothèque Kandinsky dédie une exposition documentaire au parcours des artistes collaborateurs de cette collection unique.

Fondée à l’initiative d’Anne-Marie Duguet anarchive, est « une collection de projets multi-médias interactifs invitant à explorer l’ensemble de l’œuvre d’un artiste à partir d’archives multiples. » Si, aujourd’hui, les archives d’artiste attisent de plus en plus la curiosité, voire l’intérêt, les cinq éditions d’anarchive paraissent totalement précurseurs. Ces cinq ouvrages déjà publiés et les trois prochains qui verront bientôt le jour sont autant de tentatives non seulement de documenter d’une manière originale l’œuvre de l’artiste concerné, fournissant à son lecteur d’innombrables possibilités d’approche, mais également de constituer un vocabulaire artistique critique par les artistes qui y prêtent/dévoilent leurs archives. Ces artistes associés sont particulièrement sensibles à la rigidité/sévérité des systèmes de représentation et élaborent des techniques d’expression insubordonnées pour appréhender le monde qui les entoure, au moment où les images et surtout les images en mouvement commencent à occuper toute une nouvelle place dans la culture contemporaine. Ce n’est donc certainement pas un hasard que tous les artistes participants aient utilisé la vidéo, nouveau medium inexploré et dont les limites et les contours restent à être expérimentés.

De la vidéo, les anarchivistes font un terrain d’expérimentation sémiologique. A l’opposé des systèmes de signifiants dominants, bien établis dont les artistes critiquent la structure, le langage de la vidéo n’est pas encore fixé, ni défini au moment où ils l’investissent. Profitant de cette période de passage, les artistes en interrogent les possibilités plastiques et esthétiques afin de mettre en place de nouvelles stratégies d’image, libres et libérées. Antonio Muntadas « lit entre les lignes pour saisir les significations objectives et subjectives des images », il dévoile les « mécanismes invisibles » des systèmes de représentation et d’information tel que les médias, la télévision et la publicité, en mettant en place des « stratégies d’appropriation, de fragmentation, de décomposition, d’isolement, de recadrage ». Jean Otth perturbe l’espace TV qui commence à occuper de plus en plus nos vies, et propose un scénario pour rendre visibles « les esthétiques sous jacentes du langage télévisuel [qui] ont plus d’importance que les esthétiques consenties et assumées par les producteurs d’images ». Thierry Kuntzel « traverse le paradoxe » pour se placer dans un environnement où l’absence est au moins l’égale de la présence. Dans son imagerie, la « représentation se joue sur le mode de l’épuisement. Elle devient le lieu d’une tension vers l’absence, mais une absence « chauffée à blanc », incandescente, qui résiste. » Et « dans Nostos II, l’image brûle dans son être même, retour du retour de la nostalgie, jusqu’à l’insoutenable […] travail sur la trace, l’effacement, les ressaisies de la mémoire. Il nous montre aujourd’hui comment une mémoire brûle ». Michael Snow se veut sans système et volontiers amateur pour s’éloigner des sentiers battus de l’art. Ses expérimentations poussent les mouvements de caméra et le langage cinématographique jusqu’à leur extrême, jusqu’à ce qu’ils perdent toute référence habituelle et il essaie « de faire en sorte qu’un élément particulier du cinéma devienne le protagoniste de l’événement filmique ». Fujiko Nakaya connue pour ses sculptures de brouillard qui entraînent le visiteur dans un environnement enveloppant, de perte de référence, investit également l’image vidéo, pourtant medium frontal, nécessitant une certaine distance. « Elle développe avec des collectifs comme Video Hiroba, une approche fondée sur le document et la discussion immédiate des événements grâce au feed-back électronique, dans le cadre d’interventions sociales. Le contexte international est celui de l’après-68 et la « vidéo légère » est alors un instrument idéal pour engager un dialogue et témoigner, enregistrer au quotidien des situations et des paroles que les grands médias ignorent. »

Les documents exposés ici témoignent d’une part de la participation de ces artistes au projet d’anarchive et d’autre part s’efforcent de donner quelques éléments de réflexion supplémentaires qui traversent leur travail et qui affectent notamment leur approche de la vidéo, a fortiori des images en mouvement.

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ON KAWARA (1933, Kariya – 2014, New-York)

“I’m still alive”

Dès les années 1940, très jeune, On Kawara connait déjà un grand succès. Il est alors reconnu au Japon comme un artiste confirmé, ouvrant des perspectives à sa génération, en trouvant dans son art les formulations adéquates aux expériences traumatisantes de la guerre.

Il peint à cette période des toiles figuratives, de facture très graphique, dans un style pouvant s’apparenter au surréalisme. Ces œuvres évoquent souvent des personnages solitaires aux visages déformés, enfermés dans des pièces recouvertes de carrelage.
Il réalise notamment une série de portraits de japonais entre 1955 et 1956, au départ pour former un livre : Death masks.

Ces dessins, comme la plupart de ses œuvres de jeunesse sont marqués par la tragédie des bombardements nucléaires. Il en tire finalement un port-folio de 30 gravures publié en 1995 et intitulé Tanatophanies, ou Apparitions de la mort.

On Kawara voyage beaucoup toute sa vie, et c’est aussi ce qui détermine son mode de production. Il partage en quelque sorte sa vie avec son public, à la fois en tant qu’être subjectif qui prend connaissance des événements et des lieux, mais aussi en tant qu’observateur objectif de ses expériences dont il va commencer à enregistrer les données mesurables ainsi que les coordonnées avec la plus grande précision possible.

C’est le 4 Janvier 1966 qu’il peint sa première « Date painting », avec un procédé qu’il reproduira jusqu’à la fin de sa vie. Il s’agit d’un protocole assez rigoureux, avec la réalisation d’un monochrome foncé au centre duquel  est peinte en blanc la date du jour de la réalisation de la peinture dans la langue du pays dans lequel se trouve l’artiste ce jour la. Chaque peinture est conservée dans une boite en carton sur mesure, et accompagnée d’une page de journal local daté du jour de la réalisation.

Le format de ces toiles varie de 20,5 x 25,5 cm à 155 x 226 cm. Les toiles sont tendues sur des châssis de bois de 5 cm d’épaisseur et retournées sur les côtés du châssis pour être ensuite fixées au dos.
La face et les côtés sont ensuite recouverts de peinture acrylique, chaque toile étant peinte d’une couleur spécifique. Enfin, la date est peinte en blanc au centre de chaque toile.

Ce travail met en place l’enregistrement de données biographiques précises, comme des sortes de coordonnées temporelles et spatiales sur la durée et le caractère limité de sa vie.

Ces notes de la conscience du temps sont réalisées sous différentes formes et se réfèrent à différentes situations et activités en rapport avec son lieu de séjour du moment.

« Today, I read, I went, I met, I got up … ».

Ettore Sottsass

Grâce à la très belle donation consentie en juillet 2013 par  Madame Barbara Radice Sottsass, le Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle conserve les archives du grand designer italien dont quelques pièces sont présentées actuellement dans les vitrines de la Bibliothèque Kandinsky. Alors que la collection du musée comportait déjà 431 pièces (dessins et objets), cette donation permet désormais de mettre à disposition des chercheurs et spécialistes du design des ensembles essentiels à la connaissance et à la compréhension du travail de l’artiste.

©Hervé Véronèse Centre Pompidou
©Hervé Véronèse Centre Pompidou
Les quelques 120 carnets de dessins et agendas contenus dans le fonds vont prochainement être numérisés, facilitant les recherches sur la gestation des projets de Sottsass en matière de design industriel, de céramiques, de mobiliers, de bijoux, d’architecture imaginaire… 10.000 photographies d’objets et de présentations pour des expositions des années 1950 à la fin de sa vie montrent également la diversité de sa production qui donna lieu à de multiples catalogues et articles de revues, déjà présents dans les collections de la Bibliothèque Kandinsky.  Par ailleurs, des années 1930 aux années 1950, alors qu’il était difficile de se procurer des livres illustrés, rares et chers, Ettore Sottsass a rassemblé et classé dans des boites diverses collections : cartes postales, illustrations découpées dans des magazines, ou prélevées sur des emballages d’objets, affiches politiques, touristiques, publicitaires… constituant un répertoire iconographique et typographique auquel il s’est référé tout au long de sa vie.   
©Hervé Véronèse Centre Pompidou
©Hervé Véronèse Centre Pompidou

Sa pratique systématique de la photographie se rapproche de cette même logique : 100.000 vues sous forme de négatifs et planches-contact ont ainsi été réalisées entre 1950 et 2007, classées et organisées par ses soins et ceux de ses assistants. Utilisée ainsi de manière systématique pendant un demi-siècle, la photographie constitue une sorte de carnet de notes, témoignage de ses voyages, de ses rencontres, des vernissages et autres évènements auxquels il participe. On accompagne ainsi ce voyageur infatigable dans tous les pays d’Europe, aux Etats-Unis, en Inde, au Yémen, au Japon, en Chine, au Vénézuela… on découvre un œil attentif aux paysages, aux détails architecturaux, aux enseignes, aux matériaux mais aussi aux hommes et femmes dont il réalise les portraits ou qu’il photographie au cours de performances, de manifestations etc… dans la revue Terrazzo qu’il contribue à fonder, Ettore Sottsass disposera d’une rubrique intitulée Travel notes dans laquelle il associe texte et photographies, montrant que le geste photographique est aussi pensé comme partie intégrante de son œuvre.

©Hervé Véronèse Centre Pompidou
©Hervé Véronèse Centre Pompidou

 

Ettore Sottsass fut aussi un collectionneur de livres, sa bibliothèque personnelle, riche de près de 6.000 ouvrages, comme ses textes manuscrits et certains dossiers de projets, font également partie de la donation consentie par Mme Barbara Radice Sottsass au profit du Centre Pompidou. Ces parties du fonds rejoindront la Bibliothèque Kandinsky dans les années à venir.     

 

Repères biographiques

14 sept. 1917   Naissance à Innsbrück

1939                     Diplôme d’architecture au Politecnico de Turin

 1946-1947     Démarre sa carrière d’architecte, participe au plan Marshall pour la reconstruction des villes de Savona et Novara

1956                     Voyage aux Etats-Unis où il travaille avec George Nelson, découvre le travail de Charles Eames et la peinture informelle de Pollock, De Kooning, Gorky. Voyage à San Juan, Porto Rico ; à Haiti ; à Cuba ; à Saint-Domingue et en Dominique.

1958                     Début de la collaboration avec Olivetti. Conçoit des machines à écrire, et calculatrices (« Elea 9003 » 1958, « Tekne 3 » 1958-1960, « Praxis 48 » 1962-1963, « Valentine » 1969). Il reçoit le Compasso d’oro en 1959 pour Elea 9003.

1961                     Voyage en Inde où les couleurs, les modes de vie et le rapport à la mort bouleversent sa vision du monde. (Inde à New Delhi, Khajurâho, Agra, Fatehpur Sikri, Amber, Jaipur, Gwalior, Mahabalipuram, Madras, Konarak, Bhubaneswar, Benares, Bhopal, Sanci, Bombay ; en Thailande à Bangkok ; sur l’Ile de Ceylan ; au Népal à Katmandou, Patan ; en Birmanie ; au Pakistan à Karachi).

 1962                     Se rend à Palo Alto en Californie aux États-Unis pour se faire soigner d’une grave maladie. Il y découvre les mouvements underground américains : la contestation étudiante, le Pop Art, la Beat Generation. De ses voyages, naissent les séries Céramiques des ténèbres (1963) et Céramiques des lumières (1964).

1976                     Exposition Ettore Sottsas Jr : de l’objet fini à la fin de l’objet, Centre Georges Pompidou – Centre de création industrielle, commissaire : François Burkhardt.

1981                     Fonde le groupe Memphis. Il obtient l’appui financier d’Ernesto Gismondi, patron d’Artémide, société italienne d’art de la table et de luminaires, l’assistance commerciale du magasin Godani et l’aide technique de l’ébéniste Renzo Brugola et s’entoure également de jeunes designers comme Matteo Thun, Aldo Cibic ou Michele De Lucchi et de Barbara Radice, journaliste et critique d’art qui prend la direction artistique du groupe. Il quittera Memphis en 1985. Fonde la société Sottsass Associati avec Marco Zanini et Aldo Cibic et se consacre à des travaux de design industriel et d’architecture pour des clients tels Apple, Phillips…

1987-1989             Réalise la maison Wolf, au Colorado, Etats-Unis.

1992                      Expose une collection de mobilier Memphis lors de l’exposition « Rovine » à la Design Gallery Milano, à Milan. Réalise la maison Yuko, à Tokyo, Japon.

1994                      Ettore Sottsass, rétrospective, Centre Georges Pompidou – MNAM-CCI, commissaire Marie-Laure Jousset.

[…] Imprégné des éléments de la vie quotidienne, issu de toute une série de fragments d’images, de souvenirs de voyages, de cultures exotiques, tout le travail de Sottsass donne l’idée d’un grand collage spatial. Sa démarche ne suit pas, en effet, des lois strictes de composition, et ses projets procèdent souvent de l’assemblage de formes archétypes et de figures simples, cylindres, sphères, carrés…, s’opposant dans l’esprit à tout processus rationnel. in Brigitte Fitoussi, Le Magazine, n°80, 15 mars-15 mai 1994.

2005                      Rétrospective au Musée d’Art moderne et contemporain de Trento et Rovereto, Italie. 

 31 déc. 2007  Décès à Milan.

Martial Raysse. Deux ou trois pas dans les nuages

Enfant terrible de la côte niçoise, naturellement trempé en martialcolor et aux antennes de néon vibrant sur les ondes de swinging sixties, Martial Raysse sût instiller son « Hygiène de la vision » dans des assemblages hétéroclites connectés aux temps des Prisunics et à la société des loisirs, avec une pincée de mauvais goût. Il sera vite embarqué dans l’aventure des Nouveaux Réalistes à côté d’Arman et d’Yves Klein, imaginant une nouvelle géographie artistique étendue sur l’axe Los Angeles – Nice – Tokyo. Il y débarquera avec la même vivacité pour retrouver le milieu de Chelsea Hotel, pour côtoyer Virginia Dwan, Alexandre Iolas, Andy Warhol et Roy Lichtenstein. Désenchanté, il s’aventurera dans les espaces sidéraux du Grand Départ, parmi des formes en liberté, éléments nouveaux d’une exploration imaginaire syncrétique et poétique. Pour subir ensuite, en milieu du chemin, la révélation de la peinture avec la série Spelunca et pour y croire, aujourd’hui encore, dans les grandes kyrielles carnavalesques et populaires de la peinture à l’état sauvage.

En écho à la grande rétrospective qui lui est dédié par le Centre Pompidou, la Bibliothèque Kandinsky capture cette trajectoire remarquable d’un artiste qui a su expérimenter et se réinventer avec fougue et opiniâtreté. En filigrane, elle restitue ici à travers les regards de Jacqueline Hyde, Harry Shunk et János Kender, Jean-Yves Mock ou bien à travers les livres d’artiste édités par Claude Givaudan et Sergio Tosi, le parcours en couleurs fluo de Martial Raysse tout en évoquant quelques épisodes – charnière : du « Dylaby » de 1962 au Stedelijk Museum d’Amsterdam, à travers la Biennale de Venise de 1966 et jusqu’à la petite plaquette exquise quasi-anonyme de Riverside D tout seul Ankammon. Les archives personnelles, généreusement prêtées par Madame Brigitte Camelot viennent ponctuer de manière significative l’ensemble de cette présentation.

Hommage à Jacqueline Hyde (1922-2013)

Photographe d’œuvres d’art, c’est d’abord à la revue Future que  Jacqueline Hyde se formera à la prise de vue et au tirage noir et blanc. Jeune femme de 25 ans, née allemande sous le nom de Hilde Heilbronner,  vétéran de  la Royal Air Force où elle servit entre 1940 et 1945 après avoir pris la nationalité britannique, Jacqueline Hyde s’oriente vers une carrière de photographe sur les conseils insistants de sa mère qui la présentera au photographe Georges de Miré puis à Paul Facchetti. Elle poursuit sa formation en photographiant de nombreuses œuvres du Louvre pour le compte de ce dernier puis pour une maison d’édition anglaise qui a le projet de faire paraître un livre de René Huyghe.

En 1949, Jacqueline Hyde devient photographe indépendante spécialisée dans la reproduction d’œuvres d’art. Elle commence alors une carrière fructueuse et collabore avec des acteurs majeurs du monde de l’art parisien notamment Jean Hugues fondateur de la Galerie Le Point Cardinal, les galeristes Alexandre Iolas, Iris Clert, Jean Fournier mais aussi l’artiste Max Ernst ou encore madame Gruner-Schlumberger créatrice de la Fondation des Treilles. Tout au long de sa carrière elle aura contribué à l’iconographie d’une cinquantaine d’ouvrages dédiés à l’art, établit l’inventaire photographique de collections privées ou participé à l’élaboration du catalogue de nombreuses galeries.

En 2012, Jacqueline Hyde a souhaité donner son fonds photographique au Centre Pompidou  où il est maintenant  conservé dans les collections de la Bibliothèque Kandinsky. Ce formidable corpus de plus de 4000 clichés constitue, pour les chercheurs, une source à part entière de l’art moderne et contemporain  qui « contribuera sans conteste, comme l’a souligné le Président Alain Seban,  à renouveler et à enrichir l’écriture de cette histoire ».