Archives de catégorie : Imprimés

Sélection de l’équipe

slidersSLIDERS_lab [F. Curien, J.-M. Dallet, H. Jolly], Sky Memory Project, ESBA TALM, Le Mans, 4 novembre 2011. © SLIDERS_lab & C. Domino. 

Cinéma, interactivité et société (sous la direction de Jean-Marie Dallet)

Coordonné par Jean-Marie Dallet, maître de conférences à l’université Paris 8, cet ouvrage de référence interroge les nouvelles formes prises par l’image-mouvement qui s’inscrivent dans un changement technique et sociétal où comme le note Félix Guattari « l’intelligence et la sensibilité sont l’objet d’une véritable mutation du fait des nouvelles machines informatiques qui s’insinuent de plus en plus dans les ressorts de la sensibilité, du geste et de l’intelligence. »

Divisé en quatre chapitres, « Aux limites du cinéma », « Histoires d’interactivité », « Des formes d’un autre cinéma », « Une esthétique des informations », cet ouvrage donne la parole à des artistes, des philosophes, des critiques, des théoriciens et des scientifiques reconnus qui tous, partant du cinéma, en imaginent les nouvelles voies.

Auteurs : Bertrand Augereau / Jacques Aumont / Yves Bernard / Samuel Bianchini / Jean-Louis Boissier / Victor Burgin / Jean-Claude Bustros / Jim Campbell / Luc Courchesne / Jean-Marie Dallet / Anne-Marie Duguet / Jean-Paul Fourmentraux / Masaki Fujihata / Georges Legrady / Alain Liedts / Julien Maire / Bernard Perron / Louise Poissant / Yannick Prié / Vincent Puig / Jeffrey Shaw / SLIDERS_lab [Frédéric Curien, Jean-Marie Dallet] / Bernard Stiegler / Steina Vasulka / Gwenola Wagon.

Consultable à la Bibliothèque Kandinsky

El Lissitzky, catalogue du pavillon soviétique à l’Internationale Presse Austellung « Pressa », Cologne, 1928

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A partir de 1926 l’artiste russe d’origine juive El Lissitzky se consacre à la conception d’expositions. C’est ce qu’il considère dans son autobiographie comme la partie la plus importante de son travail. Il réalise d’abord deux espaces novateurs, très aboutis, pour montrer l’art abstrait : l’Espace pour l’art constructif à l’Exposition internationale de Dresde en 1926 et le Cabinet des Abstraits au musée de Hanovre en 1927.

Les tableaux de formes géométriques y sont agencés dans une relation dynamique les uns par rapport aux autres, un jeu optique anime les cimaises, un système de panneaux mobiles offre au visiteur de découvrir lui-même certains tableaux, autant de dispositifs qui constituent une adaptation réussie des principes du suprématisme à l’espace d’exposition.

Toujours en 1927 il reçoit commande du gouvernement soviétique pour la grande Exposition polygraphique de Moscou, puis, fort de son succès, se voit confier en 1928 la réalisation du pavillon soviétique de l’Exposition internationale de la presse à Cologne « Pressa ».

Le thème de cette exposition demande autre chose qu’un écrin raffiné. Il s’agit pour Lissitzky de promouvoir de façon explicite le projet révolutionnaire soviétique. Pour cela, il use de toutes les ressources des arts appliqués : photographies, photomontages, design, design graphique. Photographie et photomontage occupent une place privilégiée. Associés aux mots et aux slogans, aux cartes et aux graphiques, ils deviennent les éléments caractéristiques des participations soviétiques aux expositions internationales des quatre années suivantes organisées en Allemagne, orchestrées par Lissitzky. Le photomontage devient une forme de discours, appelé « factographie », conçu à partir de « faits » saisis dans la réalité, associés, montés, articulés.

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Au cœur du pavillon se trouve une étoile en trois dimensions, surmontée d’un grand disque portant le slogan soviétique : Prolétaires de tous les pays, unissez-vous ! en allemand : « Proletarier aller Länder Vereingt euch », auquel sont suspendues les six sphères des six républiques soviétiques. Des banderoles défilent du sol au plafond par un système de cylindres animés, inspirés des presses rotatives. Lissitzky reprend en volume les figures de Malévitch qu’il couvre de textes et de photos. Et surtout, il réalise une frise de photomontages de 24 m de long sur 3,5 m de large dans un format « plus grand que nature ».

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Le catalogue de l’exposition comporte aussi un long dépliant de photomontages qui montre les vues de l’exposition, légendées et commentées. On y lit que : « le journal n’a pas pour seule vocation d’être un agitateur, mais qu’il organise la collectivité », que « dans la période de transition du capitalisme au communisme, la tâche principale de la presse est d’éduquer les masses », et que « la presse organise le contrôle des masses par l’intermédiaire des soviets ». Le message est clair, c’est un message de propagande, mais il est porté par la force suggestive inédite du photomontage. Quatre lignes de texte, fussent-elles en lettres capitales et rouges, sont plus efficaces une fois placées devant la figure de Lénine, hissé sur une tribune, en position de harangue.

Il existe des exemples de photomontage et d’association entre texte et photographie antérieurs à 1928. Chez Rodtchenko, Stepanova, Gan, ils remontent à 1923, 1924, 1925, mais Lissitzky donne à ces techniques une ampleur nouvelle. Par son nombre, par sa taille, la photographie occupe une grande partie de l’espace d’exposition. De même que dans le recueil de poème, Lissitzky agrandit la lettre aux dimensions de la page, il augmente la taille et la présence de la photographie dans l’espace d’exposition. Dans ce qui semble être un tournant, cet emploi accru de la photographie et du photomontage apparaît de façon concomitante dans les couvertures de Novyi Lef par Rodtchenko et via le montage d’archives dans le cinéma d’Esther Choub.

La Bibliothèque Kandinsky vient d’acquérir un exemplaire de ce catalogue, qui sera visible à partir du 28 septembre 2016 au Musée national d’art moderne dans un accrochage consacré aux relations entre art et politique (traverse 4).

Cet achat vient s’ajouter aux autres œuvres d’El Lissitzky que conserve la bibliothèque Kandinsky :

– la revue Viechtch-Gengenstand-Objet, fondée en 1921 à Berlin avec Ilya Ehrenbourg  (2 livraisons) ;

– le numéro de la revue hongroise Ma [Aujourd’hui] de 1922, qui reprend en couverture le Proun n°43 ;

– le recueil de poèmes de Maïakovski, Dlia golossa [Pour la voix], 1923, dont Lissitsky a fait la mise en page et conçu la présentation par onglets ;

– Les Ismes de l’art, réalisé avec Hans Arp, 1924 ;

Khorosho ! Oktiabrskaïa poema, de Maïakovski, 1927, dont la couverture est de Lissitzky ;

Russland. Die Rekonstruktion der Architektur in der Sowietunion, publié à Vienne en 1930 ;

– et des numéros de la revue URSS en construction, 1929-42, créée par Maxime Gorki, éditée en quatre langues, à laquelle Lissitzky participe comme collaborateur permanent à partir de 1932.

Ce catalogue témoigne d’un moment particulier dans l’œuvre d’El Lissitzky, un moment de conjonction. En 1928 Lissitzky a abandonné les Prouns et la peinture de tableaux. La conception du pavillon soviétique pour l’Exposition internationale de la presse à Cologne est pour lui l’occasion de renouer avec des formes artistiques qui correspondent davantage au désir de réalisations concrètes qui l’anime depuis ses débuts. Tout son art a en effet, depuis ses études d’architecture et sa collaboration avec Malévitch à Vitebsk, pour vocation de transformer la société, tout du moins d’être intimement lié à cette transformation, art et société participant d’une même transformation. L’intérêt de Lissitzky pour la photographie, qui s’est développé tout au long des années 1920, trouve dans ce pavillon une expression nouvelle ; il y associe photographie et architecture, il adapte la photographie aux dimensions de l’architecture, il donne à la photographie un rôle accru dans l’espace public, et par un travail de photomontage, de juxtaposition, de superposition et de découpe, il accentue encore la puissance expressive de la photographie. Dans l’histoire de l’art, c’est un moment où un gouvernement fait appel à un artiste d’avant-garde pour assurer son rayonnement à l’étranger. Le pavillon soviétique de « Pressa » introduit les quelques années où la propagation de l’idéologie soviétique dans un contexte international s’appuie sur les recherches artistiques novatrices du suprématisme et du constructivisme.

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Black Mountain Review

 

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La Bibliothèque Kandinsky vient d’acquérir en décembre 2015 grâce à une belle opportunité, la collection complète, soit 7 numéros de Black Mountain Review parue entre 1954 et 1957, dans un parfait état de conservation.

Black Mountain Review était la revue du Black Mountain College, Institut universitaire expérimental fondé en 1933 par John Rice et Theodore Drier au bord d’un lac à 50 km d’Ashville en Caroline du Nord. Lieu d’expériences uniques, les deux fondateurs avaient fait des arts le centre du cursus, centre d’une nouvelle pédagogie. de nombreux artistes tels que Josef Albers (quittant le Bauhaus fermé par les nazis), Willem de Kooning, Buckminster Fuller, John Cage, Merce Cunningham y enseignèrent notamment durant les sessions d’étés.

En 1951 Charles Olson prend la direction du Black Mountain College (à un moment où sa survie était clairement menacée) insufflant un nouveau tournant marqué par la poésie et la littérature. Olson lui-même fera paraître dans la 1ère livraison ses Maximus Poems. Les années Olson s’ouvrent sur un champ nouveau d’expériences artistiques audacieuses dont témoignera la Beat Generation. Charles Olson est l’instigateur de la revue, Robert Creeley en sera le rédacteur en chef, comme mentionné dès le premier numéro. La revue sera publiée 4 fois par an par le Black Mountain College à Black Mountain, North Carolina. A l’époque, Creeley qui vivait aux Baléares, où la revue fut mise en page et imprimée à faible coûts, n’a jamais rencontré Olson. Bien que ne se connaissant pas, les deux hommes entretiennent une correspondance depuis plusieurs années, leurs intérêts communs et leurs convergences amèneront  Olson à confier à Creeley la direction de la revue tout au long des sept livraisons. Olson fera bien sûr partie du comité de rédaction ainsi que de manière régulière Paul Blackburn, Irving Layton, Kenneth Rexroth, Robert Duncan et Denise Levertov, deux poètes très actifs au sein de la revue tout comme Ginsberg, Kerouac, Whalen, Burroughs, Selby qui composeront le dernier numéro, le n.7 appelé aussi le numéro « Beat ».

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Lorsqu’il prend en charge la revue, Creeley a déjà une expérience pratique de l’édition, il a lui-même réalisé plusieurs ouvrages de littérature et de poésie. Il  y voit : « Un lieu que notre activité définissait et que nous construisions ensemble… Nous nous sentions tous très loin des revues conventionnelles de l’époque. Soit qu’elles étaient dominées par le new criticism avec lequel nous n’avions aucun rapport, soit qu’elles étaient si généralistes qu’on ne pouvait en tirer aucune cohérence. » Malgré des conditions matérielles et financières difficiles, le premier numéro paraît en 1954 et le dernier en 1957, quelques mois après l’abandon du campus et la fermeture du College.

La participation d’artistes expressionnistes abstraits à travers des encarts sur papier glacé apporte un souffle, une fraicheur dans chaque numéro. Parmi eux : Franz Kline, Philip Guston, Aaron Siskind, Harry Callahan, tous ont enseigné au College.

Par souci d’économie, la revue changera de format à partir du n.5, passant d’un format in-quarto à un format in-12, la pagination de départ de 64 p. passera à 224 p. environ. Les 3 derniers numéros seront de petits formats, plus condensés, à parution annuelle. Kitasono Katue, artiste de la poésie concrète et éditeur de la revue d’avant-garde Vou, dessine les couvertures des 4 premiers numéros affirmant ainsi le caractère visuel de BMR par un même motif géométrique décliné selon des teintes différentes.

A partir du n.5, les couvertures seront confiées à 3 peintres. La couverture du n.5 reproduit une oeuvre de John Altoon, celle du n.6 une oeuvre de Dan Rice (assistant de Mark Rothko), celle du n.7 une oeuvre de Edward Corbett.

Le titre disparait de la couverture des 3 derniers numéros, il ne sera visible que sur la tranche accompagné de la tomaison. Sur la 4e de couverture ne figure que le prix : 1 dollar.

Selon R. Creeley, à l’exception du 1er numéro tiré à 700 exemplaires, les autres numéros ont été imprimés à 500 exemplaires, dont à peine 200 distribués pour chaque livraison.

Charlotte Salomon

Charlotte Salomon

Les collections imprimées viennent de s’enrichir de la publication aux éditions du Tripode de l’œuvre de Charlotte Salomon, Vie ? ou Théâtre ?, reproduite dans sa totalité et traduite en français. Très bien traduite.

Il s’agit d’une autobiographie en images, peinte à la gouache sur papier, avec les trois couleurs primaires, le noir et le blanc, enrichie d’annotations manuscrites, soit intégrées à l’image, soit écrites sur des feuilles de papier-calque qui viennent se superposer aux peintures. Poussée par la nécessité impérieuse de s’exprimer, Charlotte Salomon réalisa de 1941 à 1942 plus de mille peintures. 781 composent Vie ? ou Théâtre ?, dont 558 numérotées. L’ordre voulu par l’artiste a été perdu dans la tourmente de la guerre, mais reconstitué par l’éditeur. Les feuilles de calque sont reproduites en petit à côté de chaque image.

A ces deux types de texte s’ajoutent les mentions de mélodies, car Vie ? ou Théâtre ? est une opérette, ein Singerspiel, une pièce chantée, usant avec ironie d’un genre léger pour raconter le triste destin d’une famille prise dans le drame d’une époque sombre. Les noms des protagonistes ont été changés pour d’autres aux sonorités plus ludiques et plus évocatrices. « Lorsque la vie a donné toute sa mesure, c’est au théâtre qu’il faut recommencer. »

Jugée sans talent particulier, Charlotte Salomon s’obstine à dessiner. Etudiante à l’école des Beaux-Arts de Berlin, elle doit fuir l’Allemagne nazie. Ses parents lui font rejoindre ses grands-parents recueillis sur la côte d’Azur par une riche américaine, Ottilie Moore, à qui Charlotte dédie sa pièce.

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Gottfried Honegger, 34699

Une délicate « esquisse de biographie », publiée par Limmat, mise en forme par Trix Krebs.

Comme dans un florilège, les textes se succèdent pour évoquer événements, lieux et rencontres qui ont marqué les 34 699 jours vécus par l’artiste suisse à la date de conception du livre.

Le jeu des blocs de texte disposés en alternance confère une tournure poétique aux souvenirs rédigés à la première personne, chaque fois associés à une image.

La mise en forme géométrique et sans majuscules rend un bel hommage à l’art concret du Zurichois, né en 1917, à qui l’on souhaite le meilleur en attendant les 36 500 jours et quelques de son centenaire le 12 juin 2017.

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Aux éditions P

Non pas un livre mais « Une livre », de 420 gr., résultat des travaux de l’atelier de recherche consacré aux pratiques éditoriales dans le domaine de l’art de l’Institut supérieur des arts de Toulouse, dont l’acronyme IsdaT, par une coïncidence tout opportune, signifie « éditer » en russe.

A noter qu’on y trouve trois entretiens réalisés par Jérôme Dupeyrat et Olivier Huz avec des personnalités du monde du livre d’artiste, exerçant des fonctions différentes :

  • Didier Mathieu, directeur du Centre des livres d’artistes à Saint-Yrieix-la Perche;
  • Jérôme Saint-Loubert-Bié, designer graphique ;
  • Marc Camille Chaimowicz, artiste, auteur de livres et autres publications d’artiste.

Une livre

Gustave Miklos. Un grand œuvre caché, éd. Fata Libelli, 2013

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Danuta Cichocka, libraire, expert en livres de bibliophilie, offre un premier volume sur l’œuvre de l’artiste hongrois dans le domaine du livre et de la reliure, qui a pour mérite d’attribuer à leur véritable auteur les travaux que Miklos a effectués dans l’ombre pour François-Louis Schmied, Jean Dunand ou Jean Goulden.

Ce travail de restitution s’appuie en grande partie sur un cahier des « travaux exécutés pour François », conservé par ses ayants droit.

Gustave Miklos y apparaît comme le grand artiste du renouvellement de l’art du livre au XXe siècle dans la mouvance du cubisme et du style Art déco.

Ayant donné l’impression d’abandonner subitement la peinture en 1921, Miklos a en réalité mis son talent au service de l’atelier Schmied-Dunand, pour lequel il réalisa de somptueux livres de 1922 à 1941.

Le dessin est épuré, les compositions d’une construction très sûre dynamisées par les jeux géométriques et les aplats de couleur. Dans la lignée des Ateliers viennois, virtuosité décorative et richesse ornementale animent des sujets dont l’illustration puise à profusion dans les arts minoen, grec, byzantin, oriental, dans l’art populaire d’Europe de l’Est. L’audace formelle, structurelle, chromatique faisait dire à la critique de l’époque qu’on était en présence d’une « nouveauté d’aspect prodigieux ». Or des années de recherche montrent que l’éloge revient à Gustave Miklos. En fait, on comprend qu’il a financé sa pratique de sculpteur sur métal par la production de livres de bibliophilie.

Le 1er volume établit le catalogue raisonné de l’œuvre pour le livre et la reliure. Un 2e volume, catalogue raisonné de l’œuvre de sculpteur, peintre et décorateur, paru en septembre 2014, est dans nos listes d’acquisition.

The Art of the Adivasi, Musée d’art moderne, Hyogo, 1988

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Un catalogue d’exposition sur l’art des Adivasi est entré dans les collections. Les Adivasi sont un groupe ethnique autochtone de l’Inde. La question des contacts culturels étant un sujet universellement sensible, montrer leur production artistique au japon avait entraîné une polémique en Inde en raison des éventuels effets négatifs que ces contacts auraient sur la tribu : dénaturation de l’art, « spoliation déguisée ». Le commissaire contestait ce risque arguant du fait que nul n’est totalement coupé d’une influence extérieure et que le contact n’implique en rien l’abandon de sa culture d’origine.

Scènes de la vie domestique, scènes de la vie agricole, figures en bronze représentant la faune locale, masques, tuiles faîtières décoratives en argile, le sujet est inhabituel pour la Bibliothèque Kandinsky. Rentré dans les collections suite à l’exposition documentaire présentée Galerie du Musée, au Centre Pompidou, été 2014, pour les 25 ans des Magiciens de la Terre, ce catalogue pourra intéresser les historiens des arts primitifs. A notre connaissance le catalogue n’est dans aucune autre bibliothèque en Europe. Worldcat ne le localise qu’en Amérique du Nord.

Frédéric Bruly Bouabré, éd. X. Barral, 2013

 

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La bibliothèque a acquis en 2014 le précieux coffret des œuvres de Frédéric Bruly Bouabré. Edité conjointement par Agnès b et Xavier Barral, ces quatre volumes exhaussent le vœu de l’artiste de voir son œuvre publiée de son vivant.

Le 1er volume reproduit les pensées, songes, révélations consignés de 1945 à 1963 dans le Livre des lois divines révélées.

Le 2e compile l’alphabet bété mis au point à partir de 1950 par l’artiste pour offrir une écriture à sa culture d’origine, celle du peuple bété de Côte d’Ivoire, un alphabet dessiné, composé de syllabes, données avec leur prononciation.

Dans les années 1970 Bruly Bouabré développe sa manière de dessins au stylo-bille et crayons de couleur sur carton, entourés d’un texte en lettres capitales, dont le 3e volume donne deux exemples sous forme de contes, les formes primitives du conte et du dessin se trouvant soutenues par l’écriture en français, apprise à l’école française.

Tout l’œuvre de Bruly Bouabré est le fruit du souci de transmettre aux générations futures, sans rien y changer, le savoir qu’il a hérité des anciens, un patrimoine oral, véhiculé par des générations ; il consigne la tradition mise ainsi au service de l’éducation.

Le 4e volume rassemble photographies, autobiographie, correspondance, dans une langue imagée, savoureuse, qui traduit un esprit inspiré par l’amour qu’il a reçu.

Bruly Bouabré délivre un message de sagesse, de bonté, qu’il nous enjoint à cultiver.

Son premier conseil : être concis.

Parcours dans les collections imprimées de la Bibliothèque Kandinsky

Valdimir Maïakowski, El Lissitzky, 1923
Valdimir Maïakowski, El Lissitzky, 1923

 

 

Avant-gardes artistiques en Europe et graphisme : 1917-1940

La Bibliothèque Kandinsky propose une version numérisée d’une sélection d’objets imprimés, livres et revues, issus de ses collections, illustrant les expérimentations visuelles auxquelles se sont adonnés quelques artistes européens au lendemain de la première Guerre mondiale jusqu’aux années 30. Il s’agit d’artistes appartenant aux courants des avant-gardes : futuristes, Dada, constructivistes principalement, qui rompent avec les anciennes règles typographiques, transgressent les conventions en matière d’édition et proposent de nouvelles lectures plus optiques que phonétiques.

Ainsi, le futuriste napolitain, Francisco Cangiullo (1888-1977) dans Caffeconcerto qui paraît en 1919, carnet imprimés sur différentes couleurs, présente des figures composées de chiffres de lettres et d’autres éléments tirés de la casse d’imprimerie, accompagnées de dessins.

La même année, dans La Fin du Monde filmée par l’Ange N. D. : roman, écrit par Blaise Cendrars et illustré par Fernand Léger, c’est la technique du pochoir qui est employée pour poser les couleurs sur le texte.

Dans l’anthologie de poèmes de Vladimir Maïakovski, Dlja golosa (Pour la voix) parue en 1923 à Berlin et qui demeure l’oeuvre graphique la plus connue d’El Lissitzky (1890-1941), ce sont les éléments typographiques qui contribuent à une perception accrue des poèmes et la présence d’un système tout à fait original d’onglets remplaçant le sommaire qui sont innovants.

Dans Die Scheuche (L’Epouvantail) écrit par Kurt Schwitters (1887-1948) en 1925, Theo Van Doesburg (1883-1931) construit les personnages à partir des lettres de l’alphabet tandis que John Heartfield (1891-1968) en 1929, en pleine République de Weimar, ajoutera dans son Deutschland Deutschland über alles est, best-seller de Kurt Tucholsky, au jeu sur les éléments typographiques, les images photographiques.

De photographie, il est essentiellement question dans la Foto-Auge de Jan Tschichold, paru en 1929 au format A4, et qui constitue un autre exemple de cette Nouvelle Typographie : mise en page asymétrique, emploi exclusif des bas de casse, une reliure à la japonaise pour donner du volume à l’ouvrage en raison d’un nombre limité de pages (94).

Enfin dans ce parcours, Piet Zwart (1895-1977), graphiste néerlandais et figure de l’avant-garde graphiste internationale des années 20-30, membre du Cercle des nouveaux graphistes publicitaires avec Kurt Schwitters et Jan Tschichold, utilise le photomontage pour la page de couverture de Het Linnen Venster, premier numéro de la série sur le cinéma édité à Rotterdam à partir de 1931.

C’est en tout plus de vingt livres et quinze revues qui ont été sélectionnés dans nos collections pour illustrer les innovations en matière de conception graphique en Europe dans la première moitié du 20e siècle, où aux artistes déjà cités, s’ajoutent bien sûr les noms de Marinetti, Karel Teige, Laszlo Moholy-Nagy, etc.

A l’issue de ce parcours, qui n’a pas la prétention de faire le tour complet du sujet, nous ne saurions trop vous recommander de vous replonger dans l’excellente histoire du design graphique de Philip B. Meggs, de lire ou relire Jaroslav Andel, Avant-garde design : 1900-1950, de parcourir Le livre des livres : graphisme des livres au fil du temps de Mathieu Lommen (éditions Pyramid, 2012) et surtout de visiter la Bibliothèque Kandinsky dont la collection constitue une base de réflexion très pertinente pour tout chercheur, enseignant ou étudiant dans le domaine du design graphique.

Pour plus d’information sur la sélection opérée pour la numérisation des livres et revues, ainsi que pour les références bibliographiques, consulter notre portail : Parcours dans les collections imprimées : Avant-gardes et graphisme

Revues en ligne

 

Depuis Septembre 2014,  plusieurs revues en abonnement à la Bibliothèque Kandinsky sont désormais disponibles en version électronique en accès libre depuis un poste de travail du Centre Pompidou.

La version électronique de ces revues permet une recherche par mot dans l’ensemble du texte des articles parus ces dernières années.  Les articles sont disponibles au format PDF et sont également téléchargeables.

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PARCOURS DANS LES COLLECTIONS IMPRIMÉES : AVANT-GARDES ET GRAPHISME

En 2012, Paris College of Art, mécène de la Bibliothèque Kandinsky pour l’acquisition des livres d’artiste, a accepté de soutenir la numérisation d’une sélection de nos documents sur la thématique du design graphique.

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Amerikaansche filmkunst, Zwart Piet

Pendant l’été, une de leur étudiante – Jessica Myers, CUPA / Paris College of Art –  a exploré les collections de la bibliothèque afin de construire un premier choix. Sa méthode de travail a consisté à dépouiller un certain nombre de catalogues généraux pour repérer des graphistes importants, analyser leur production. Puis elle a retenu la tranche chronologique 1917-1940, période durant laquelle laquelle l’expressionisme, le futurisme sont à mi-parcours, qui voit l’émergence du surréalisme et où le graphisme suisse prédomine. Elle a sélectionné quelques ouvrages permettant d’explorer non seulement les aspects techniques et le talent des graphistes mais également leur connexion aux autres tendances et mouvements de la période.

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Kassák Lajos

Après cette étape d’analyse, une sélection dans nos collections imprimées de livres et de revues a été proposée dans laquelle nous retrouvons quelques grands noms du graphisme expressionniste et futuriste, du Bauhaus et des graphistes constructivistes influencés par les précédents. Ont été prises en compte les questions de nationalité et en particulier le passage de l’Est vers l’Ouest et inversement et la présence en Allemagne de grands graphistes venus y travailler et y enseigner.

La sélection finale de 24 livres et 17 revues n’a pas la prétention de restituer une image complète de l’activité des graphistes pendant cette période. Il s’agit d’une première étape dans la construction d’une bibliothèque idéale mais elle peut servir de support pédagogique pour les enseignants.

Dinamo futurista Depero Fortunato
Dinamo futurista
Depero Fortunato

A cette sélection viennent s’ajouter d’autres revues numérisées lors de campagnes précédentes, à savoir la totalité des pages de couverture de la collection Paul Destribats riche de 937 titres de revue représentant les avant-gardes du 20e siècle, des revues des ex Pays de l’Est largement mises en valeur dans les espaces du Musée pour le réaccrochage des collections modernes « Modernités plurielles » en 2013, des revues francophones numérisées grâce à un partenariat avec la Bibliothèque nationale de France.

Ces documents numérisés sont accessibles à partir de notre catalogue des collections imprimées.

Bibliographie préparatoire pour le projet de numérisation autour du design graphique


A History of Graphic Design : second edition / Philip B. Meggs New York : Van Nostrand Reinhold, cop. 1992 508 p. : ill. en noir et en coul. ; 29 cm 0-442-31895-2 Bibliogr. Index. Meggs, Philip B. Design graphique – Histoire Typographie Affiche Publicité et art Informatique et art GRAPHISME MEG 1 Continuer la lecture de PARCOURS DANS LES COLLECTIONS IMPRIMÉES : AVANT-GARDES ET GRAPHISME