Tous les articles par Valérie Gross

Acquisitions 2016

La liste des achats de la bibliothèque ne rend pas compte de tout ce qui entre dans la collection. L’accroissement de la collection dépend en grande partie des dons que nous recevons, et nous sommes infiniment reconnaissants à nos donateurs pour cette source d’enrichissement. Mais la liste des achats donne une idée de nos orientations. Nous privilégions les choses rares, absentes des autres bibliothèques françaises, les publications universitaires, le lien avec la collection de la BK et du Mnam.

Par ordre alphabétique de la première lettre du titre :

Adrian Henri. Total Artist – Londres : Occasional Papers, 2014

Art and artifact. The Museum as Medium / James Putnam – Londres : Thames and Hudson, 2009

Art ’65. Lesser Known and Unknown Painters. Young American Sculpture. East to West [cat. expo.] / Brian O’Doherty (éd.) – New York : American Express Company ; World’s Fair 1964-1965 Corporation, 1965

Between the Black Box and the White Cube. Expanded Cinema and Postwar Art / Andrew V. Urosckie – University of Chicago Press, 2014

Bohemians. A Graphic History / Paul Buhle et David Berger (éd.) – Londres : Verso, 2014

Born in Flames – Londres : Occasional Papers, 2011

Brakhage’s Childhood / Jane (Brakhage) Wodening – New York : Granary Books, 2015

Burning Down the House. Gwangju Biennale 2014 exhibition catalogue / Jessica Morgan (éd.) – Bologne : Damiani, 2014

Critical Laboratory. The Writings of Thomas Hirschhorn / Lisa Lee et Hal foster (éd.) – Cambridge (Mass.) : The MIT Press, 2013

Cy Twombly. Drawings, cat. rais. vol. 4, 1964-1969 / Nicola del Roscio (éd.) – Munich : Schirmer-Mosel ; New York : Gagosian Gallery, 2014

Cy Twombly. Drawings, cat. rais. vol. 5, 1970-1971 / Nicola Del Roscio (éd.) – Munich : Schirmer-Mosel, 2015

Cy Twombly. Drawings, cat. rais. vol. 6, 1972-1979 / Nicola del Roscio (éd.) – Munich : Schirmer-Mosel, 2016

Cy Twombly. Drawings, cat. rais. vol. 7, 1980-1989 / Nicola del Roscio (éd. ) – Munich : Schirmer-Mosel, 2016

Cy Twombly, cat. expo. Tate Modern, Londres, 2008 ; Museo Guggenheim Bilbao, 28 de octubre, 2008 – 15 de febrero, 2009 ; Galleria nazionale d’arte moderna, Roma, 4 de marzo – 24 de mayo, 2009] / editado por Carmen Giménez ; [texto de Francisco Calvo Serraller ; Cy Twombly en conversación con David Sylvester y Nicholas Serota] – Bilbao, Museo Guggenheim Bilbao, 2008

De ou par Marcel Duchamp ou Rrose Selavy (boîte-en-valise) / Mathieu Mercier (éd.) – Cologne : Walther König, 2015

Doswiadczenie Auschwitz dzisiaj. Poland, Israel, Germany / Delfina Jalowik (éd.) – Cracovie : MOCAK, 2015

Editer l’art. Le livre d’artiste et l’histoire du livre / Leszek Brogowski – Nouvelle édition revue et augmentée – Rennes : Incertain Sens, 2016

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Walker Evans. The magazine work

Au fil des ans, David Campany a rassemblé tous les numéros du magazine Fortune contenant des photographies de Walker Evans. L’ensemble vient d’être acheté par la Bibliothèque Kandinsky. Certains numéros sont visibles dans l’exposition Walker Evans présentée au Centre Pompidou jusqu’au 14 août 2017.
Pour accompagner cette prestigieuse acquisition, nous venons d’acquérir l’ouvrage publié par David Campany chez Steidl en 2014, qui documente cet aspect moins connu mais très représentatif de l’œuvre du photographe américain.

On y apprend que Walker Evans a travaillé pour le luxueux magazine économique pendant vingt ans. Après quelques travaux comme collaborateur en 1934, il rejoint l’équipe comme photographe en 1945. Dès 1948 il occupe le poste de «Special Photographic Editor», où il jouit d’une très grande autonomie pour les dix-sept années suivantes. Dans ses articles, une fois la proposition acceptée, il est libre dans le traitement des sujets : il fait ses propres photos, les met en pages, choisit la typo, écrit ses propres textes, rédige les légendes. Il a aussi une fonction de conseil aux autres photographes et en ce qui concerne la maquette.

Dans la lignée d’Atget et de Sanders, son œuvre photographique consiste en une étude la société. Il compile les images de la culture vernaculaire américaine, avec en creux le vide spirituel de la société de consommation. De Sanders il retient aussi la nécessité de faire un usage intelligent de la photographie. La photographie est une image reproductible. Le contexte, la manière dont elle est diffusée ont une importance décisive. La mise en page, l’association d’images, la succession des articles dans une revue font sens. La contextualisation de l’image participe non seulement de sa signification mais de son rôle social.

Walker Evans rejette la photographie commerciale. Il en refuse le caractère spectaculaire ou sentimental en vogue à l’époque dans les magazines destinés « aux masses intoxiquées au consumérisme et au divertissement ». Son style est sobre, il lui vient de Flaubert : c’est le réalisme, le naturalisme, l’objectivité. Sa photographie sans ornement traite le sujet avec clarté.
C’est cette exigence qui convainc la hiérarchie de Fortune de lui laisser toute latitude. Paradoxalement, travailler à plein temps pour un magazine lui aura permis de diffuser son œuvre et d’en contrôler la diffusion, d’être en somme son propre éditeur.

Dans la collection de la BK, les numéros de Fortune viennent s’ajouter à l’exemplaire d’American Photographs, catalogue de l’exposition Walker Evans au Moma en 1938, entré par donation en 2013 avec la bibliothèque d’Ettore Sottsass.

Sur la Croix noire de Malévitch

En 1978 le Musée national d’art moderne a fait entrer dans ses
collections la Croix noire que Malévitch avait peinte pour l’exposition 0.10, à Petrograd, en 1915. Peu avant cette acquisition,
le directeur du service de Conservation des musées danois de l’époque, Bent Hacke, avait été sollicité pour restaurer la peinture. Près de 40 ans plus tard Bent Hacke et Troels Andersen publient aux Presses de l’université d’Århus, Danemark, les éléments les ayant conduits à authentifier le tableau, ainsi que les différentes étapes de sa restauration.
Vous pouvez lire cette histoire dans l’exemplaire du livre que la Bibliothèque Kandinsky vient d’acquérir :
The Identification, Conservation and Restauration of the Black Cross by K.S. Malevich : with an Appendice on two Attributions / Bent Hacke ; Troels Andersen. – Aarhus : Aarhus University Press, 2016. – 1 vol. (63 p.) : ill. ; 28 cm.
Cote : RLQ 8776

El Lissitzky, catalogue du pavillon soviétique à l’Internationale Presse Austellung « Pressa », Cologne, 1928

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A partir de 1926 l’artiste russe d’origine juive El Lissitzky se consacre à la conception d’expositions. C’est ce qu’il considère dans son autobiographie comme la partie la plus importante de son travail. Il réalise d’abord deux espaces novateurs, très aboutis, pour montrer l’art abstrait : l’Espace pour l’art constructif à l’Exposition internationale de Dresde en 1926 et le Cabinet des Abstraits au musée de Hanovre en 1927.

Les tableaux de formes géométriques y sont agencés dans une relation dynamique les uns par rapport aux autres, un jeu optique anime les cimaises, un système de panneaux mobiles offre au visiteur de découvrir lui-même certains tableaux, autant de dispositifs qui constituent une adaptation réussie des principes du suprématisme à l’espace d’exposition.

Toujours en 1927 il reçoit commande du gouvernement soviétique pour la grande Exposition polygraphique de Moscou, puis, fort de son succès, se voit confier en 1928 la réalisation du pavillon soviétique de l’Exposition internationale de la presse à Cologne « Pressa ».

Le thème de cette exposition demande autre chose qu’un écrin raffiné. Il s’agit pour Lissitzky de promouvoir de façon explicite le projet révolutionnaire soviétique. Pour cela, il use de toutes les ressources des arts appliqués : photographies, photomontages, design, design graphique. Photographie et photomontage occupent une place privilégiée. Associés aux mots et aux slogans, aux cartes et aux graphiques, ils deviennent les éléments caractéristiques des participations soviétiques aux expositions internationales des quatre années suivantes organisées en Allemagne, orchestrées par Lissitzky. Le photomontage devient une forme de discours, appelé « factographie », conçu à partir de « faits » saisis dans la réalité, associés, montés, articulés.

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Au cœur du pavillon se trouve une étoile en trois dimensions, surmontée d’un grand disque portant le slogan soviétique : Prolétaires de tous les pays, unissez-vous ! en allemand : « Proletarier aller Länder Vereingt euch », auquel sont suspendues les six sphères des six républiques soviétiques. Des banderoles défilent du sol au plafond par un système de cylindres animés, inspirés des presses rotatives. Lissitzky reprend en volume les figures de Malévitch qu’il couvre de textes et de photos. Et surtout, il réalise une frise de photomontages de 24 m de long sur 3,5 m de large dans un format « plus grand que nature ».

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Le catalogue de l’exposition comporte aussi un long dépliant de photomontages qui montre les vues de l’exposition, légendées et commentées. On y lit que : « le journal n’a pas pour seule vocation d’être un agitateur, mais qu’il organise la collectivité », que « dans la période de transition du capitalisme au communisme, la tâche principale de la presse est d’éduquer les masses », et que « la presse organise le contrôle des masses par l’intermédiaire des soviets ». Le message est clair, c’est un message de propagande, mais il est porté par la force suggestive inédite du photomontage. Quatre lignes de texte, fussent-elles en lettres capitales et rouges, sont plus efficaces une fois placées devant la figure de Lénine, hissé sur une tribune, en position de harangue.

Il existe des exemples de photomontage et d’association entre texte et photographie antérieurs à 1928. Chez Rodtchenko, Stepanova, Gan, ils remontent à 1923, 1924, 1925, mais Lissitzky donne à ces techniques une ampleur nouvelle. Par son nombre, par sa taille, la photographie occupe une grande partie de l’espace d’exposition. De même que dans le recueil de poème, Lissitzky agrandit la lettre aux dimensions de la page, il augmente la taille et la présence de la photographie dans l’espace d’exposition. Dans ce qui semble être un tournant, cet emploi accru de la photographie et du photomontage apparaît de façon concomitante dans les couvertures de Novyi Lef par Rodtchenko et via le montage d’archives dans le cinéma d’Esther Choub.

La Bibliothèque Kandinsky vient d’acquérir un exemplaire de ce catalogue, qui sera visible à partir du 28 septembre 2016 au Musée national d’art moderne dans un accrochage consacré aux relations entre art et politique (traverse 4).

Cet achat vient s’ajouter aux autres œuvres d’El Lissitzky que conserve la bibliothèque Kandinsky :

– la revue Viechtch-Gengenstand-Objet, fondée en 1921 à Berlin avec Ilya Ehrenbourg  (2 livraisons) ;

– le numéro de la revue hongroise Ma [Aujourd’hui] de 1922, qui reprend en couverture le Proun n°43 ;

– le recueil de poèmes de Maïakovski, Dlia golossa [Pour la voix], 1923, dont Lissitsky a fait la mise en page et conçu la présentation par onglets ;

– Les Ismes de l’art, réalisé avec Hans Arp, 1924 ;

Khorosho ! Oktiabrskaïa poema, de Maïakovski, 1927, dont la couverture est de Lissitzky ;

Russland. Die Rekonstruktion der Architektur in der Sowietunion, publié à Vienne en 1930 ;

– et des numéros de la revue URSS en construction, 1929-42, créée par Maxime Gorki, éditée en quatre langues, à laquelle Lissitzky participe comme collaborateur permanent à partir de 1932.

Ce catalogue témoigne d’un moment particulier dans l’œuvre d’El Lissitzky, un moment de conjonction. En 1928 Lissitzky a abandonné les Prouns et la peinture de tableaux. La conception du pavillon soviétique pour l’Exposition internationale de la presse à Cologne est pour lui l’occasion de renouer avec des formes artistiques qui correspondent davantage au désir de réalisations concrètes qui l’anime depuis ses débuts. Tout son art a en effet, depuis ses études d’architecture et sa collaboration avec Malévitch à Vitebsk, pour vocation de transformer la société, tout du moins d’être intimement lié à cette transformation, art et société participant d’une même transformation. L’intérêt de Lissitzky pour la photographie, qui s’est développé tout au long des années 1920, trouve dans ce pavillon une expression nouvelle ; il y associe photographie et architecture, il adapte la photographie aux dimensions de l’architecture, il donne à la photographie un rôle accru dans l’espace public, et par un travail de photomontage, de juxtaposition, de superposition et de découpe, il accentue encore la puissance expressive de la photographie. Dans l’histoire de l’art, c’est un moment où un gouvernement fait appel à un artiste d’avant-garde pour assurer son rayonnement à l’étranger. Le pavillon soviétique de « Pressa » introduit les quelques années où la propagation de l’idéologie soviétique dans un contexte international s’appuie sur les recherches artistiques novatrices du suprématisme et du constructivisme.

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Charlotte Salomon

Charlotte Salomon

Les collections imprimées viennent de s’enrichir de la publication aux éditions du Tripode de l’œuvre de Charlotte Salomon, Vie ? ou Théâtre ?, reproduite dans sa totalité et traduite en français. Très bien traduite.

Il s’agit d’une autobiographie en images, peinte à la gouache sur papier, avec les trois couleurs primaires, le noir et le blanc, enrichie d’annotations manuscrites, soit intégrées à l’image, soit écrites sur des feuilles de papier-calque qui viennent se superposer aux peintures. Poussée par la nécessité impérieuse de s’exprimer, Charlotte Salomon réalisa de 1941 à 1942 plus de mille peintures. 781 composent Vie ? ou Théâtre ?, dont 558 numérotées. L’ordre voulu par l’artiste a été perdu dans la tourmente de la guerre, mais reconstitué par l’éditeur. Les feuilles de calque sont reproduites en petit à côté de chaque image.

A ces deux types de texte s’ajoutent les mentions de mélodies, car Vie ? ou Théâtre ? est une opérette, ein Singerspiel, une pièce chantée, usant avec ironie d’un genre léger pour raconter le triste destin d’une famille prise dans le drame d’une époque sombre. Les noms des protagonistes ont été changés pour d’autres aux sonorités plus ludiques et plus évocatrices. « Lorsque la vie a donné toute sa mesure, c’est au théâtre qu’il faut recommencer. »

Jugée sans talent particulier, Charlotte Salomon s’obstine à dessiner. Etudiante à l’école des Beaux-Arts de Berlin, elle doit fuir l’Allemagne nazie. Ses parents lui font rejoindre ses grands-parents recueillis sur la côte d’Azur par une riche américaine, Ottilie Moore, à qui Charlotte dédie sa pièce.

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Gottfried Honegger, 34699

Une délicate « esquisse de biographie », publiée par Limmat, mise en forme par Trix Krebs.

Comme dans un florilège, les textes se succèdent pour évoquer événements, lieux et rencontres qui ont marqué les 34 699 jours vécus par l’artiste suisse à la date de conception du livre.

Le jeu des blocs de texte disposés en alternance confère une tournure poétique aux souvenirs rédigés à la première personne, chaque fois associés à une image.

La mise en forme géométrique et sans majuscules rend un bel hommage à l’art concret du Zurichois, né en 1917, à qui l’on souhaite le meilleur en attendant les 36 500 jours et quelques de son centenaire le 12 juin 2017.

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Aux éditions P

Non pas un livre mais « Une livre », de 420 gr., résultat des travaux de l’atelier de recherche consacré aux pratiques éditoriales dans le domaine de l’art de l’Institut supérieur des arts de Toulouse, dont l’acronyme IsdaT, par une coïncidence tout opportune, signifie « éditer » en russe.

A noter qu’on y trouve trois entretiens réalisés par Jérôme Dupeyrat et Olivier Huz avec des personnalités du monde du livre d’artiste, exerçant des fonctions différentes :

  • Didier Mathieu, directeur du Centre des livres d’artistes à Saint-Yrieix-la Perche;
  • Jérôme Saint-Loubert-Bié, designer graphique ;
  • Marc Camille Chaimowicz, artiste, auteur de livres et autres publications d’artiste.

Une livre

Gustave Miklos. Un grand œuvre caché, éd. Fata Libelli, 2013

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Danuta Cichocka, libraire, expert en livres de bibliophilie, offre un premier volume sur l’œuvre de l’artiste hongrois dans le domaine du livre et de la reliure, qui a pour mérite d’attribuer à leur véritable auteur les travaux que Miklos a effectués dans l’ombre pour François-Louis Schmied, Jean Dunand ou Jean Goulden.

Ce travail de restitution s’appuie en grande partie sur un cahier des « travaux exécutés pour François », conservé par ses ayants droit.

Gustave Miklos y apparaît comme le grand artiste du renouvellement de l’art du livre au XXe siècle dans la mouvance du cubisme et du style Art déco.

Ayant donné l’impression d’abandonner subitement la peinture en 1921, Miklos a en réalité mis son talent au service de l’atelier Schmied-Dunand, pour lequel il réalisa de somptueux livres de 1922 à 1941.

Le dessin est épuré, les compositions d’une construction très sûre dynamisées par les jeux géométriques et les aplats de couleur. Dans la lignée des Ateliers viennois, virtuosité décorative et richesse ornementale animent des sujets dont l’illustration puise à profusion dans les arts minoen, grec, byzantin, oriental, dans l’art populaire d’Europe de l’Est. L’audace formelle, structurelle, chromatique faisait dire à la critique de l’époque qu’on était en présence d’une « nouveauté d’aspect prodigieux ». Or des années de recherche montrent que l’éloge revient à Gustave Miklos. En fait, on comprend qu’il a financé sa pratique de sculpteur sur métal par la production de livres de bibliophilie.

Le 1er volume établit le catalogue raisonné de l’œuvre pour le livre et la reliure. Un 2e volume, catalogue raisonné de l’œuvre de sculpteur, peintre et décorateur, paru en septembre 2014, est dans nos listes d’acquisition.

The Art of the Adivasi, Musée d’art moderne, Hyogo, 1988

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Un catalogue d’exposition sur l’art des Adivasi est entré dans les collections. Les Adivasi sont un groupe ethnique autochtone de l’Inde. La question des contacts culturels étant un sujet universellement sensible, montrer leur production artistique au japon avait entraîné une polémique en Inde en raison des éventuels effets négatifs que ces contacts auraient sur la tribu : dénaturation de l’art, « spoliation déguisée ». Le commissaire contestait ce risque arguant du fait que nul n’est totalement coupé d’une influence extérieure et que le contact n’implique en rien l’abandon de sa culture d’origine.

Scènes de la vie domestique, scènes de la vie agricole, figures en bronze représentant la faune locale, masques, tuiles faîtières décoratives en argile, le sujet est inhabituel pour la Bibliothèque Kandinsky. Rentré dans les collections suite à l’exposition documentaire présentée Galerie du Musée, au Centre Pompidou, été 2014, pour les 25 ans des Magiciens de la Terre, ce catalogue pourra intéresser les historiens des arts primitifs. A notre connaissance le catalogue n’est dans aucune autre bibliothèque en Europe. Worldcat ne le localise qu’en Amérique du Nord.

Frédéric Bruly Bouabré, éd. X. Barral, 2013

 

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La bibliothèque a acquis en 2014 le précieux coffret des œuvres de Frédéric Bruly Bouabré. Edité conjointement par Agnès b et Xavier Barral, ces quatre volumes exhaussent le vœu de l’artiste de voir son œuvre publiée de son vivant.

Le 1er volume reproduit les pensées, songes, révélations consignés de 1945 à 1963 dans le Livre des lois divines révélées.

Le 2e compile l’alphabet bété mis au point à partir de 1950 par l’artiste pour offrir une écriture à sa culture d’origine, celle du peuple bété de Côte d’Ivoire, un alphabet dessiné, composé de syllabes, données avec leur prononciation.

Dans les années 1970 Bruly Bouabré développe sa manière de dessins au stylo-bille et crayons de couleur sur carton, entourés d’un texte en lettres capitales, dont le 3e volume donne deux exemples sous forme de contes, les formes primitives du conte et du dessin se trouvant soutenues par l’écriture en français, apprise à l’école française.

Tout l’œuvre de Bruly Bouabré est le fruit du souci de transmettre aux générations futures, sans rien y changer, le savoir qu’il a hérité des anciens, un patrimoine oral, véhiculé par des générations ; il consigne la tradition mise ainsi au service de l’éducation.

Le 4e volume rassemble photographies, autobiographie, correspondance, dans une langue imagée, savoureuse, qui traduit un esprit inspiré par l’amour qu’il a reçu.

Bruly Bouabré délivre un message de sagesse, de bonté, qu’il nous enjoint à cultiver.

Son premier conseil : être concis.