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NEGOPIF

Avec aalliicceelleessccaannnnee&ssoonniiaaddeerrzzyyppoollsskkii

Conférence – performance pour la clôture des négociations et l’entrée dans les collections de la Bibliothèque Kandinsky de l’édition du PIF, « La critique d’art ».

negopif

Vendredi, 16 décembre 2016, à partir de 19h

Bibliothèque Kandinsky, Centre Pompidou, Niveau 3

Entrée libre sur réservation à : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

En 2014, la Bibliothèque Kandinsky a choisi d’acquérir l’un des exemplaires de l’édition d’artiste du PIF, conçu par le duo d’artistes aalliicceelleessccaannnnee&ssoonniiaaddeerrzzyyppoollsskkii.

L’exemplaire proposé à l’acquisition comprend le « Que sais-je » consacré à « La critique d’art ».  Le tarif de cet exemplaire a fait l’objet d’une longue négociation, publiée au fur et à mesure des échanges sur la plateforme en ligne www.negopif.com et qui a rendu publique la négociation entre les artistes et l’acquéreur, relative à la fixation du prix de cette œuvre.

Au rythme des lettres adressées par les artistes et des réponses rédigées par l’équipe de la Bibliothèque Kandinsky, la négociation a fait l’objet d’une réflexion sur l’élaboration des valeurs esthétiques, sur les critères de jugement qui sont convoqués dans le jeu de l’échange et sur les modalités critiques de construction d’une collection documentaire.

La conférence – performance qui conclura la série des négociations et signera l’entrée dans les collections de la bibliothèque de cet exemplaire d’artiste, sera l’occasion d’un jeu de mise en abîme des discours.

Duo d’artistes formé à l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris, aalliicceelleessccaannnnee&ssoonniiaaddeerrzzyyppoollsskkii, explore les champs croisés entre les arts visuels et le spectacle vivant.  Selon leurs mots, la « préoccupation principale est de pousser le bouchon et de réussir à faire coexister des questions graves (comme l’extension maximale de la précarité, la mort des idées, la crise de la démocratie, la domination du pire ou la fin du monde) avec un imaginaire léger (meubles doués de raison, nuages coureurs, gaz hilarants, fleurs bègues, animaux sans têtes) ». La fixation du prix du Pif a fait l’objet de nombreuses interventions à la Galerie mfc-michèle didier à Paris (2013), à la FIAC, Cité de la mode et du design (2015), au 6B (Saint-Denis), au DOC (Paris) et au Festival Mon inouïe Symphonie (Dunkerque) en 2016.

Reportages dans les ateliers d’artistes : inventaire et ressources numériques en ligne

Atelier Claude Rutault, 2012. Photographe Jean-Christophe Mazur.
Atelier Claude Rutault, 2012. Photographe Jean-Christophe Mazur.

De 2005 à 2015 la Bibliothèque Kandinsky a mené plusieurs campagnes photographiques dans des ateliers d’artistes, campagnes réalisés par Jean-Christophe Mazur.

A découvrir dans leurs ateliers : Dove Allouche, Kader Attia, Matali Crasset, Esther Ferrer, Dominique Gonzalez-Foerster, Shirley Jaffe, Jean-Jacques Lebel, Jean-Luc Moulène, Jean6Michel Othoniel, Claude Rutault, Judith Reigl, Sarkis, Barthélémy Toguo, Nil Yalter…

 

Archives de la Biennale de Paris : inventaire en ligne

Remises à la Bibliothèque Kandinsky entre 1988 et 1990, les archives de la Biennale de Paris conservées à la Bibliothèque Kandinsky couvrent les années 1971 à 1985. Une autre partie du fonds est conservée sous la cote FR ACA BIENN aux Archives de la critique d’art à Rennes.

Les archives conservées à la Bibliothèque Kandinsky et décrites dans le présent inventaire sont principalement constituées de dossiers de participation de 1973 à 1985 contenant de la correspondance, de la documentation photographique nécessaire à l’élaboration du catalogue, de la documentation relative au projet proposé à la biennale (plans, croquis, esquisses, textes, photographies, diapositives, bandes sonores, partitions, etc.), de la documentation administrative attestant de la participation d’un artiste (formulaire de participation, invitation, laissez-passer, devis de transport, frais de douanes, etc.) et de la documentation générale sur l’artiste (biobibliographie, cv, cartons, revue de presse, revues, catalogues et journaux d’exposition).

On y trouve également de la documentation artistique générale envoyée par des correspondants nationaux (avec l’exemple des cahiers sur les artistes sud-coréens envoyés par Seo-Bo Park en 1980) ou encore  de la documentation administrative sur l’organisation de la Biennale. Une documentation curatoriale avec des plans d’aménagement et d’accrochage (la Grande Halle de la Villette) et des vues d’expositions souvent réalisées par André Morain complètent cet ensemble.

Au total le fonds documente près d’un millier d’artistes et de groupes d’artistes. En effet de 1959 à 1985, 13 éditions de la Biennale de Paris se sont tenues dans différents lieux parisiens (Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Parc Floral de Vincennes, Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou et Grande Halle de la Villette), avec quelques cas d’itinérances en banlieue et en province (Nice, Strasbourg).

La manifestation était organisée par une association loi 1901, qui possédait des bureaux au 31 de la rue Berryer, 75008 Paris. Elle a été dirigée au fil de ses 13 éditions par trois délégués généraux successifs : Raymond Cogniat (1959-1965), Jacques Lassaigne (1967-1969) et Georges Boudaille (1971-1985). En 1985, la dernière édition rebaptisée « Nouvelle Biennale de Paris » a lieu à la Grande Halle de la Villette. L’association se dissout ensuite à cause de problèmes financiers.

La « Biennale de Paris, Manifestation Internationale des Jeunes Artistes » valorisait trois critères de sélection :

– la jeunesse : les participants, et à un moment donné, les critiques et artistes du comité de sélection, devaient avoir entre 20 et 35 ans.

– l’ouverture internationale : environ 45 pays participants par édition, avec pour certaines années des invités d’honneur (la Chine, l’Allemagne de l’Est, l’Amérique Latine, la Corée du Sud, l’Afrique du Sud, l’URSS, etc.)

– l’interdisciplinarité, avec des focus pour certaines éditions sur la vidéo, le slowscan, la performance, la musique, la bande-dessinée, etc.

Archizoom Associati : archives photographiques en ligne

Les archives photographiques du collectif sont en ligne : consultez l’inventaire.

« Archizoom », le nom du groupe qu’Andrea Branzi, fonde en 1966 avec ses camarades de promotion de l’école d’architecture de Florence Gilberti Coretti, Paolo Deganello et Massimo Morozzi -auxquels se joindront en 1968 Lucia et Dario Bardolini- témoigne de l’influence qu’Archigram exerce sur la jeune génération d’architectes au milieu des années soixante.Le groupe, qui tient sa possibilité d’existence du contexte révolutionnaire marxiste de l’Italie de Toni Negri, naît quelques jours après l’exposition Superarchitettura organisée par Andrea Branzi et Arnolfo Natalini (qui formera de son côté le Superstudio) : la superarchitecture déclare à pousser à ses extrêmes limites la « logique du système », production et consommation, démarche qui caractérisera « l’architecture radicale », terme emprunté par Archizoom aux féministes américaines et diffusé par Germano Celant.

Le collectif Archizoom Associati en 1967

Soutenu par Ettore Sottsass, Archizoom Associati produit en 1970 la théorie d’un urbanisme à la chaîne, No stop city, à la fois contre utopie critique de la ville aux ordres du Capital, réflexion sur la qualité et l’usage des ambiances obtenues dans un espace rendu monomorphe, entièrement climatisé et souterrain, et l’exploration d’un « nouveau design » à l’échelle urbaine pour une définition sensorielle de l’environnement quotidien. Toutefois, les dessins et les textes relèvent de l’utopie plus qu’ils ne visent l’objet réel -tendance commune à l’ensemble du Radical Design. Quelques idées ont néanmoins été réalisées, comme le fauteuil « Mies » qui exagère les traits du célèbre siège de Mes Van der Rohe au point de paraître inutilisable. Avec ses pompeux « Dream Beds », Archizoom caricature le kitsch des Arts déco et du Pop Art, en même temps que le Bel Design tant vénéré : le mauvais goût prend figure de programme.

Après la reconnaissance internationale du design italien à l’exposition du MoMA Italy, the New Domestic Landscape (1972), où Archizoom Associati propose une pièce vide habité par la voix d’une fillette, le groupe fonde à Florence l’éphémère coopérative d’architectes et d’artistes Global Tools (1973-1975), contre-école d’architecture et de design défendant le libre développement de la créativité individuelle. En crise depuis 1972, le groupe se dissout en 1974. Mais les idées du groupe se perpétue, sans les mêmes implications politiques, dans des mouvements Anti-Design ultérieurs : Alchimia et Memphis.

La partie du fonds conservée au Centre Pompidou comporte deux classeurs de diapositives et ektachromes (le tout est numérisé) et une boite d’archives écrites, le tout remis par André Branzi en 1999, sous le n° d’inventaire 3927.
Des archives complémentaires sont conservées aujourd’hui au Centro Studi e Archivio della Comunicazione Università degli Studi di Parma et au FRAC Centre à Orléans.

Un regard sur les festivals d’art vidéo : les archives d’Anne-Marie Duguet

Anne-Marie Duguet, professeure émérite à l’UFR d’Arts Plastiques et Sciences de l’Art de l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne fut également la directrice du Centre de Recherches d’Esthétique du Cinéma et des Arts Audiovisuels (CRECA). Elle enseigna le théâtre, la sociologie de la télévision, l’esthétique et la théorie des nouveaux médias.

Au début des 1970 où la vidéo était considérée comme un nouveau langage artistique et offrait donc de nouvelles possibilités esthétiques aux artistes, Anne-Marie Duguet consacrait ses recherches sur les écritures électroniques et les émissions fictionnelles portées à l’écran. Plus tard, tout au long de sa carrière, elle s’intéressera de près à ce langage pour analyser les rapports qu’entretiennent les nouvelles technologies visuelles avec la structure sociale et politique.

Critique et théoricienne de l’art, Anne-Marie Duguet publie plusieurs ouvrages majeurs dans les domaines de l’histoire de l’art vidéo et d’une manière plus large sur la théorie des nouveaux médias. De 1979 à 1981, elle est membre du Comité de rédaction de la revue Vidéoglyphes. En 1981, « Vidéo, la mémoire au poing », son célèbre livre devenu rare aujourd’hui est publié en France. L’ouvrage traite des pratiques sociales alternatives, des conditions d’accès à la production en France, de l’emploi du médium comme critique de la télévision et de l’engagement des femmes dans la vidéo.

Anne-Marie Duguet : Vidéo, la mémoire au poing. Hachette, 1981.
Anne-Marie Duguet : Vidéo, la mémoire au poing. Hachette, 1981.

Anne-Marie Duguet écrivit également des monographies consacrées à des artistes utilisant les nouvelles technologies dans leur production comme Thierry Kuntzel, Antonio Muntadas, Jean Othe, Michel Snow, Fujiko Nakaya et Jean-Claude Averty.

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Galerie Arnaud Lefebvre, Paris

Situé à l’origine au 30 rue Mazarine, dans le 6ème arrondissement de Paris, la galerie Arnaud Lefebvre est désormais située au 10 rue des Beaux-Arts. Arnaud Lefebvre ouvre cette galerie en 1986, avec une activité de courtage en art et d’achat-vente.

La galerie s’oriente d’abord sur l’art concret et l’art conceptuel. Elle expose notamment le travail de Mel Bochner et Lawrence Weiner entre 1993 et 1996. Puis sa programmation se centre sur la poésie spatiale et sonore, à partir du milieu des années 1990. Deux expositions marquent cette rencontre. La première est celle d’Erik Satie, Hollis Frampton, Reno Odlin, qui s’est tenue du 3 au 30 mai 1996 et dans laquelle a lieu la première présentation de « pages au mur » à la galerie, avec les Lettres de Hollis Frampton (A Young Man’s Book). La seconde expose des poèmes de Carl Andre (Passport et Yutacan), du 21 mars au 17 mai 1997.

La rencontre d’Arnaud Lefebvre avec Carl Andre a eu une importance Continuer la lecture de Galerie Arnaud Lefebvre, Paris

Kandinsky, secret. – l’énigme du premier tableau abstrait

Kandinsky, secret. – l’énigme du premier tableau abstrait

de Andréi Nakov, présentation par l’auteur.

Editions les presses du réel – Collection Fama, direction éditoriale : Xavier Douroux

Mercredi 2 décembre 2015, à partir de 18h30

Bibliothèque Kandinsky Centre Pompidou Niveau 3

Réservation obligatoire à reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

presses du réel Kandinsky, secret - l’énigme du premier tableau abstrait de Andréi Nakov

Peint à Munich en 1911 Tableau avec cercle est le premier tableau abstrait de Kandinsky et non moins dans l’histoire de l’art moderne. Pourtant cette oeuvre fut de longues décennies durant une  énigme pour l’histoire de l’art et non moins pour l’artiste à qui la réalisation de cette peinture a posé des problèmes complexes.

Laissée « en dépôt » à Moscou en décembre 1921 lors du départ de Kandinsky pour Berlin, l’oeuvre disparaît par la suite dans les oubliettes de l’histoire. Kandinsky n’arrive pas à obtenir de Russie même une photographie de cette peinture qui de cette façon est réduite au silence. En raison de la censure culturelle exercée par le régime soviétique elle disparaît de l’horizon de l’histoire. A la fin des années soixante dix bien après la mort de l’artiste elle est redécouverte en URSS et présentée en public seulement en 1989. Pourtant, à ce jour cette oeuvre capitale dans l’histoire de l’art moderne, n’a pas bénéficiée d’une étude exhaustive et de ce fait n’occupe non plus la place qui lui revient dans notre Panthéon culturel.

Au delà d’une interprétation novatrice ce livre dévoile les multiples niveaux de censure dont la première abstraction a souffert à l’époque de sa création et probablement souffre encore. Tableau avec cercle est interprété par Andréi Nakov avec un regard neuf et à l’aide de documents inédits concernant les circonstances de sa réalisation de même que ses sources culturelles. Résultat d’une recherche autant exhaustive qu’exemplaire ce texte permet d’appréhender le contexte culturel de l’époque et d’accéder à l’essence de l’esthétique kandinskienne.

 

Galerie Henriette, Paris

Née à Montmartre, Henriette Gomès débute son activité comme collaboratrice de Pierre Loeb, dont la galerie située alors au 2, rue des Beaux-Arts à Paris, constitue un lieu de rencontres et d’expositions essentiel pour les artistes d’avant-guerre. Henriette rencontre son futur mari, André, qui est alors journaliste et technicien de radio, en 1937 et l’épouse un an plus tard. Quelques mois après son mariage, elle quitte Pierre Loeb en très bons termes pour ouvrir sa propre galerie.

En 1938, elle ouvre la « Galerie Henriette » avenue Matignon, à Paris et inaugure son nouveau local avec une exposition de Rouault. Pendant deux années, elle y expose Cézanne, Gromaire, Brauner, Vieira da Silva, Arpad Szenes, Pierre Charbonnier, Hartung, etc. Mais la guerre met fin à son activité : en tant que juive, elle est contrainte de quitter Paris en mai 1940 – elle part à La Rochelle avec la famille de Pierre Loeb, pendant qu’André Gomès est mobilisé – et sa galerie est confisquée comme bien juif. Après s’être retrouvés à Nîmes, Henriette et André Gomès voyagent en France où ils consolident ou créent de nouvelles relations amicales avec les artistes qui fuient Paris.

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Galerie Darthea Speyer, Paris

Américaine, née à Pittsburgh (Pennsylvanie), Darthea Speyer arrive à Paris en 1950 comme attachée culturelle à l’ambassade des Etats-Unis, après des études en histoire de l’art à l’Institute of Fine Arts de l’Université de New York. Chargée de promouvoir les collections américaines en France et responsable d’un programme d’expositions consacrées à l’art américain contemporain, sa vocation naît de ce premier emploi.

Elle ouvre une galerie au 6, rue Jacques-Callot dans le 6ème arrondissement de Paris, en 1968. La programmation a pour ambition de faire découvrir des artistes américains au public français, avant de s’attacher à présenter également des artistes français découverts à Paris. C’est son frère, James, qui a conçu l’architecture de la galerie. La galerie Darthea Speyer est surtout proche de l’ « école de Chicago », exposant des artistes tels que Leon Golub,  Ed Paschke et Peter Saul, mais aussi Beaufort Delaney, Zuka, ou encore la sculpture de George Segal, Roseline Granet et Irmgard Sigg.

En un peu plus de quarante ans de carrière, la galerie Darthea Speyer organise plus de 150 expositions monographiques d’artistes américains ou français, presque toujours accompagnées d’un catalogue bilingue. Elle ferme définitivement ses portes en 2012, après avoir publié pour son quarantième anniversaire un catalogue de tous les cartons d’invitation édités depuis son ouverture. Darthea Speyer est décédée le 20 mai 2014 à Washington.

Le fonds d’archives est constitué d’une importante documentation photographique sur trois artistes représentés par la galerie : Brancusi (reproductions d’œuvre et documentation), Etienne-Martin (reproductions d’œuvre, portraits, vues d’atelier, vues de l’artiste au travail) et François Stahly (reproductions d’œuvres, documentation).

A ces archives photographiques s’ajoutent quinze ouvrages dont un catalogue rétrospectif sur les cartons d’invitation édités par la galerie Darthea Speyer, entre 1968 et 2008. Les autres documents sont des catalogues d’exposition d’autres galeries ou institutions, dont une majorité documente le travail d’Etienne-Martin.

Consulter l’instrument de recherche.

Quelques pièces concernant Raoul Dufy

Né au Havre le 3 juin 1877, Raoul Dufy interrompt ses études à l’âge de 14 ans pour travailler, mais s’inscrit au cours du soir de l’Ecole municipale des beaux-arts où il suit les cours du peintre Charles Lhuillier. En 1899, bénéficiant d’une bourse de la ville du Havre, il suit à Paris les cours de Léon Bonnat à l’Ecole nationale des beaux-arts. Il loue un atelier à Montmartre. En 1905 au Salon des Indépendants, Dufy découvre l’œuvre de Matisse « Luxe, calme et volupté » qui l’impressionne fortement. A partir de 1906, il entame une période fauve durant laquelle il s’initie à la gravure sur bois.

Il épouse Eugénie Brisson en 1911, le couple s’installe 5 impasse de Guelma, dans un atelier que Dufy conservera jusqu’à sa mort. Avec le couturier Paul Poiret rencontré quelques années auparavant, il crée cette même année une entreprise d’impression de tissus, La Petite Usine, réalisant des imprimés qui contribueront à la renommée du couturier. L’année suivante, la firme de soieries lyonnaise Bianchini-Férier lui offre un contrat, il est engagé comme artiste-décorateur. Ce travail sur étoffe libère son dessin qui devient plus souple et ses compositions plus aérées et colorées.

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Yves Kovacs, réalisateur

Né en 1934 à Tours, Yves Kovacs fait des études de droit et de  lettres puis s’oriente vers le journalisme et la critique dans les domaines du cinéma et de la photographie. En 1965, il est rédacteur en chef de Surréalisme et Cinéma. En 1958 puis de 1962 à 1967,  il est assistant auprès de réalisateurs comme Marc Allégret, William Klein, Eric Rohmer, Jacques Prévert, Orson Welles, entre autres.

A partir de 1967, il collabore à de nombreuses émissions artistiques télévisées. De 1975 à 1981, il réalise quinze émissions pour la série culturelle « zig-zag » puis en 1983 une fresque artistique et historique en deux parties, Paris-Paris, ou Le Temps d’une génération. Parmi ses nombreuses réalisations on remarque « Peinture Aujourd’hui l’art vivant »(1972), ainsi que des portraits d’André Kertèsz, Hans Hartung, Juan Gris, François Morellet, Richard Lindner, Picabia, Raymond Hains, André Masson, entre autres.

Son parcours professionnel reste très lié au Centre Georges Pompidou, auquel il consacre  dès 1975 un film « Un Outil pour demain » (prod. par Teri Wehn-Damisch). En 1979 il  reçoit le Grand Premier Prix du Festival international du Film sur l’Art pour son film « Malevitch ou l’impatience des limites ». Une rétrospective de ses films sur l’art est organisée au Cinéma du Musée national d’art moderne du 19 février au 15 mars 1992.

Pendant toute sa carrière de réalisateur, Yves Kovacs a collecté, trié et conservé une grande quantité de documents utiles à son travail de documentariste. Après son décès en 1998, son épouse Françoise a choisi de confier à la Bibliothèque Kandinsky l’ensemble de ces dossiers documentaires, qui ont enrichi les dossiers d’artistes constitués par l’équipe en charge des dits dossiers.

Les archives audiovisuelles d’Yves Kovacs  ont été confiées à l’Inathèque de France et à la Cinémathèque française où elles constituent deux « Fonds Yves Kovacs ».


Consulter le fonds à la Cinémathèque française
Consulter le fonds à l’INA

Hommage à Jacqueline Hyde (1922-2013)

Photographe d’œuvres d’art, c’est d’abord à la revue Future que  Jacqueline Hyde se formera à la prise de vue et au tirage noir et blanc. Jeune femme de 25 ans, née allemande sous le nom de Hilde Heilbronner,  vétéran de  la Royal Air Force où elle servit entre 1940 et 1945 après avoir pris la nationalité britannique, Jacqueline Hyde s’oriente vers une carrière de photographe sur les conseils insistants de sa mère qui la présentera au photographe Georges de Miré puis à Paul Facchetti. Elle poursuit sa formation en photographiant de nombreuses œuvres du Louvre pour le compte de ce dernier puis pour une maison d’édition anglaise qui a le projet de faire paraître un livre de René Huyghe.

En 1949, Jacqueline Hyde devient photographe indépendante spécialisée dans la reproduction d’œuvres d’art. Elle commence alors une carrière fructueuse et collabore avec des acteurs majeurs du monde de l’art parisien notamment Jean Hugues fondateur de la Galerie Le Point Cardinal, les galeristes Alexandre Iolas, Iris Clert, Jean Fournier mais aussi l’artiste Max Ernst ou encore madame Gruner-Schlumberger créatrice de la Fondation des Treilles. Tout au long de sa carrière elle aura contribué à l’iconographie d’une cinquantaine d’ouvrages dédiés à l’art, établit l’inventaire photographique de collections privées ou participé à l’élaboration du catalogue de nombreuses galeries.

En 2012, Jacqueline Hyde a souhaité donner son fonds photographique au Centre Pompidou  où il est maintenant  conservé dans les collections de la Bibliothèque Kandinsky. Ce formidable corpus de plus de 4000 clichés constitue, pour les chercheurs, une source à part entière de l’art moderne et contemporain  qui « contribuera sans conteste, comme l’a souligné le Président Alain Seban,  à renouveler et à enrichir l’écriture de cette histoire ».